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También conocida como Avatar: El Último Maestro Aire es una galardonada serie de televisión estadounidense creada en los Estudios de Animación Burbank (California), y animada en Corea del Sur con fuertes influencias del anime y manga japonés, llegándose a considerar como tal.

Durante su emisión (2005 ? 2008) alcanzó gran popularidad y muy buenas críticas, siendo la mayor cantidad de espectadores 5.6 millones.

La historia transcurre en un mundo de influencia principalmente asiática, donde predominan las artes marciales y la manipulación de los elementos en combinación con el misticismo oriental, dentro de este mundo nos encontramos a Aang, (el avatar más joven de toda una estirpe de avatares), y sus amigos que en un intento por salvar su místico mundo de la despiadada Nación del Fuego (la más poderosa) que busca conquistar a las demás naciones.

Durante sus viajes son atacados en varias ocasiones por Zuko, el desterrado príncipe del fuego, cuyo objetivo es capturar al avatar para recuperar su honor.

Esta serie es presentada como si se tratara de una serie de libros, en donde cada episodio actúa como un "capítulo", y cada temporada como un solo "libro", los cuales se titulan por el elemento temático de la temporada.


Avatar fue presentado originalmente como "El Último Maestro Aire", más adelante fue cambiado a "La Leyenda de Aang".

En los países de habla hispana Avatar es subtitulado como "La Leyenda de Aang" traducido en sus respectivos idiomas. En los demás países, como Estados Unidos o Canadá, la serie se subtitula como "The Last Airbender" ("El Último Maestro Aire")

Además de su transmisión regular en TV, "Avatar: La Leyenda de Aang" está disponible en DVD, en iTunes, BitTorrent, Youtube y el Bazar Xbox Live, al día siguiente de su estreno oficial en Estados Unidos.

Originalmente estaba destinada a un público de entre 6 y 11 años, pero debido a sus halagadoras críticas y demostrado ser popular tanto para un público adolescente como adulto, obteniendo altos índices de audiencia en todo el mundo, que han llegado a superar a los de otras series famosas, tales como Bones, House o Prison Break haciéndola uno de los programas más exitosos de Nickelodeon.

Su éxito comercial también ha generado una amplia gama de mercadotecnia que incluyen cómics, libros, figuras de acción, un juego de cartas, videojuegos y animales de peluche, entre otros.

Actualmente se esta preparando la que será la primera película en imagen real de una trilogía basada en la primera temporada de la serie animada Avatar: la leyenda de Aang. La película fue anunciada en 2007 por Paramount Pictures y será dirigida por M. Night Shyamalan. (El sexto sentido, El protegido). Su estreno esta previsto para julio del 2010.

2x1 Dirigido por María Del Río y Ricardo Várez Guión de María Del Río Interpretado por María Del Río, Álvaro Doñate y Ángeles Elektra

Ella no puede soportar más esta tensión... tiene que decírselo... ¿Se atreverá?


Esa es la clave de un corto tan pequeño como logrado cuya base fundamental es ese monólogo con testigos que realiza el atribulado personaje interpretado por María Del Río. Con un muy reducido presupuesto, suplido por altas dosis de talento, su autora le habla directamente al espectador de temas muy serios que nosatañen a todos. La toma de decisiones difíciles, la soledad o la incomunicación son sólo algunos de los temas que trata en unos escasos tres minutos. Como manda la buena tradición española, para hablar de asuntos tan trascendentales, María Del Río usa el humor para quitarle -en apariencia- algo de hierro al asunto, a la vez que se ensaña con su protagonista o con las personas que la rodean.

En este sentido, hay que destacar la interpretación de Ángeles Elektra, quien representa muy bien su papel de amiga que ignora a su amiga ya sea por ser una falsa amiga o por mero hartazgo. Mientras, María Del Río, la protagonista del corto borda su papel de persona incomprendida que está al borde de un ataque de histeria por no decidirse a decirle algo al chico que quiere. Sin duda, su interpretación roza la genialidad y en ello ayudan las geniales frases que suelta su personaje. Y es que el guión de este pequeño corto es muy sólido y cuenta con unos diálogos que sólo pueden calificarse como realistas, dinámicos y naturales. Que disfrutéis el corto y a esperar nuevos trabajos de esta escritora de la vida.


La responsable de este cortometraje es María del Río, actriz y escritora de la vida. Nacida en Barcelona, aunque afincada en Madrid desde hace ocho años, es licenciada en Derecho y Criminología. Domina el alemán, el inglés, el portugués, chapurrea elfrancés y, por supuesto, conoce el catalán. En su faceta más artística, ha cursado estudios de Arte Dramático en la Escuela de Interpretación de Cristina Rota, ama la danza y se ha formado enJazz y Danza Contemporánea desde los 5 años hasta los 27, con profesores de danza como Coco Comín o Chevi Muraday. También estudió Danda africana con Eliane Capitoni, Esgrima con Nacho García y Flamenco con Irene Pons . Otras de sus pasiones son la fotografía y la pintura, donde destaca su trabajo con carboncillo y con bocetos muy personales. Ahora mismo está en proyecto la salida de una revista cultural de la que será sucodirectora y ha rodado varios anuncios para Francia y Luxemburgo.

Como intérprete, guionista y directora ha trabajado en los cortos "Maldita", "El test de la Cigüeña" y "Sin Título", además de en "2x1", con el que participó en el Notodofilmfest. Y próximamente dirigirá e interpretará un corto guionizado por ella. En teatro acaba de terminar la gira de la obra "Los Árboles mueren de pie" en el Teatro Victoria de Madrid y ha participado en varios montajes de teatro alternativo como "LaKatarsis del Tomatazo", durante cuatro años en la Sala Mirador de Madrid, "Operación Alternativa", "Imperfectos" y monólogos en varios cafés teatros de Madrid y Barcelona. Y, además,

Se define a sí misma como hiperactiva, observadora, cinéfila y lectora por excelencia. Si no hay trabajo, se lo inventa. Hay que estar en activo siempre y más si tu vocación es el arte en todas sus vertientes. Y los pensamientos que tiene siempre en la cabeza son: Humanidad, perseverancia, ganas, aprender de y con todo, ilusión y a veces... "perderse para volver a encontrarse"...

Texto de José Luis Mora

Uno de los "alicientes" que la fantasía heroica y no tan heroica tiene es la enorme carga de sensualidad de sus ambientes y personajes. Lo mismo que en la estética de la ciencia-ficción se hicieron populares las chicas con ropas rasgadas salvadas in extremis por el recio cowboy galáctico del libidinoso monstruo de ojos de insecto de turno, en la fantasía liberada (obviemos al catolicismo del viejo Tolkien) los elementos tecnológicos se sustituyen por fálicas espadas, los BEMs se convierten en criaturas diabólicas y la princesa o la esclava de turno ni siquiera tiene que rasgarse la ropa, porque su atuendo de andar por palacio es precisamente lo que está de moda.

Los condicionantes del Comics Code siempre impidieron que la carga de inmoralidad inherente a los mundos bárbaros se desplegara con todo su esplendor, trasvasando hipócritas conceptos sociales a mundos donde no era posible encontrar remisión: es el caso de las muchas conquistas de Conan, chicas kleenex de tirar y olvidar, y de sus ocasionales compañeras de lucha: Bêlit o la irritantemente puritana Red Sonja. Reposo del guerrero la mayoría de ellas, o arrojadas literalmente al arroyo otras (Jenna, quizá el personaje femenino más rico del universo conanista historietístico), incluso las más resueltas mujeres guerrero del género tendrían siempre un punto de castrante honorabilidad en sus acciones que las convertirían, por un lado, en objeto del deseo y por otro en cuasi-hombres de figuras curvilíneas.

Frank Thorne ya venía de contar (y contar bien) las historias controladas por el Comics Code Authority de la simpar Red Sonja, el personaje que Roy Thomas tomó prestado de los cajones de Robert Howard y trasladó a la Edad Hyboria como inalcanzable fin sexual de Conan. Allí, dio rienda suelta a su capacidad fabuladora y, quizá harto del personaje y de sus cortapisas, en seguida comprendió que el mundo de la fantasía heroica también podía ser, y de hecho lo era, un mundo de sexualidades desbordadas y juegos equívocos.

Ghita de Alizarr, descrita como una mezcla lujuriosa de Fanny Hill, Barbarella y Juana de Arco es, así, la obra maestra del autor, las correrías de una versión adulta de Red Sonja (como también lo sería, en otro estilo, Marada the She-Wolf) que de prostituta en un lupanar pasa a concubina palaciega y acaba por convertirse en mujer guerrero de desviada moral y placentera visión del mundo. Literalmente poseída por el zombi resucitado de Khan-Dagon, guerrero gigantesco y primitivo que, devuelto de la muerte para liderar ejércitos preferirá primero violar a la suripanta, Ghita experimentará un espectacular cambio psicológico (que no físico) tras tan incómoda cópula, y haciéndose dueña de la espada del muerto y de la joya mágica llamada "El ojo de Tammuz", la veremos convertida en una malhablada y desinhibida mujer guerrero que no dudará en copular con trolls, semi-trolls, muchachos en flor, reinas de muchos pechos, delicadas ayudantes de prestidigitadores a quienes encandilará con su lengua en un atrevido y mortífero sesenta y nueve, o a su propio adláter Thenef, el falso brujo que además responde al físico del propio guionista y dibujante. Ghita tiene una concepción de la vida absolutamente libre, gozosa, sin moralinas ni censuras. Goza la vida desde la vida misma.

El uso del claroscuro, las manchas de negro y gris que emplea Thorne remiten a otro grande del género, Alex Toth, formando una serie exquisita a pesar del tono decididamente transgresor de muchas de sus propuestas: Ghita y Thenef se expresan con un peculiar vocabulario, barriobajero en ocasiones, escatológico si se tercia, y la educación (o la falta de educación) de la antigua prostituta se ejemplifica también en lo obsceno de sus gestos: Ghita beberá, eructará, se señalará abiertamente el sexo en desafío a sus enemigos, iniciará un enloquecido gesto masturbación con la espada robada a Khan-Dagon, enamorará a demonios y se burlará del despistado unicornio que busca en ella una pureza que perdió hace mucho tiempo mientras recorre con su amigo el mago y el semi-troll Dahib el enloquecido y cínico mundo antediluviano que apenas disimula su deuda con Howard y los harenes de las mil y una noches. Pero también será capaz de ver de qué lado de su espada está la justicia, no tendrá reparos en demostrar su afecto (y su amor en el más amplio sentido del término) hacia el viejo charlatán de Thenef, o sufrir por el cambio al que se ha visto forzada su vida o por las muertes de los amantes que va dejando en el camino.

Publicada en España hace un par de décadas en las revistas de Josep Toutain, fue una serie que, sin la comparación inevitable con la Red Sonja de la que parte y a la que subvierte (el nombre de Alizarr viene del escarlata alizarino, el color del pelo de Sonja), perdió parte de su espíritu indomitable para ser considerada poco menos que pseudo-pornografía. Pero el hecho de que muchas, muchísimas páginas fueran redibujadas por el dibujante para su publicación en álbum dice mucho del cariño, el talento y la dedicación de Frank Thorne hacia su criatura. Y es que, como el propio autor señala, Ghita no es una dama, pero tiene clase.

Si la semana pasada hablábamos del Diablo en su interpretación narrativa, y no como entidad religiosa, ¿por qué no hacer lo mismo con Dios?

Hablemos de Dios. Así, con mayúsculas, para qué complicarse la vida buscándole nombre. Si la semana pasada nos referíamos al Demonio como encarnación suprema del Mal, dentro de la mitología judeo-cristiano-islámica, y su reconversión en personaje de ficción, me parece justo analizar brevemente su gran Némesis, su enemigo mortal, su antagonista. Además, también tiene entidad propia como personaje.

My Sweet Lord

Empecemos por la base de Dios como personaje. ¿Cuál es su motivación, su característica principal? Que es bueno, naturalmente, o al menos, lleno de buenas intenciones. Pero sobre todo, que es creador de todas las cosas. Su aspecto puede variar, pero su imagen habitual es la de viejecito canoso de aspecto sabio y bondadoso, preferentemente vestido con una túnica blanca. Ignoro de dónde provendría esa imagen original, pero imagino que guardará relación con la pretensión de presentar a Dios como un padre que todo lo sabe y que intenta guiar a sus hijos por el camino más conveniente. También existen teorías que apuntan a que era un intento premeditado de reforzar la sociedad patriarcal y el poder masculino, pero me temo que si entro por ahí acabaré poniéndome demasiado subjetiva, así que no profundizaré.

Como comentábamos, la imagen estandarizada es la de ancianito barbudo. Sin embargo, no siempre fue así. En el Antiguo Testamento se nos presenta como una deidad celosa, iracunda, soberbia y de gatillo fácil, por decirlo así. Aunque, bien pensado, también tiene mucho de padre severo: trata de enseñarle a sus hijos (en este caso, el pueblo de Israel) una lección de vida y, si estos la interpretan incorrectamente o no hacen caso, se meten invariablemente en un lío. Sólo cuando parece inviable que estos vayan a salir por su propio pie, interviene Dios para sacarles del apuro, si bien, como castigo, se las hace pasar canutas (véase la peregrinación por el desierto tras la salida de Egipto, los numerosos éxodos, etc). En el Nuevo Testamento, por el contrario, se nos ofrece una visión de Dios considerablemente más bondadosa, aunque la base sigue siendo la misma: Dios pone pruebas de las que hay que extraer una enseñanza, evitar la tentación y seguir el camino recto, que es el que proporciona la auténtica recompensa. En el fondo es de lo más New Age.

Dios Superstar

Sin embargo, las interpretaciones de Dios que más me interesan son las que ofrece la cultura contemporánea. Vivimos un momento de espiritualidad convulsa, por así decirlo, y aunque los fanatismos están a la orden del día, también lo están las mentes críticas que tratan de razonar y valorar de forma analítica la validez de la religiosidad vigente. Parrafadas pedantes aparte, lo que quiero decir es que la gente tiene una opinión, y la expresa. Así, liberados de la influencia asfixiante de la jerarquía eclesiástica, y a la vista de los prolongados abusos que ésta cometió a lo largo de los siglos, la comunidad artística, sobre todo la europea, pero también la americana en determinados ámbitos, han hablado a las claras sobre lo que piensan y lo que creen. Y hay para todos los gustos. Ejemplos:

- El cómic Predicador, del irlandés desequilibrado Garth Ennis, publicado en EEUU por la línea Vertigo de DC. Es lo más bestia que he visto en interpretaciones de Dios. Se le presenta como una entidad poderosa, pero no lo suficiente como para que no se le pueda vencer, sobre todo gracias a su propia estupidez (porque el Dios de Ennis, todo hay que decirlo, no es precisamente una lumbrera). Se muestra engreído, manipulador y vengativo, pero en realidad todo se debe a un fuerte problema de autoestima que le impulsa a necesitar que todo el mundo le quiera. Mejor no os digo cómo acaba, por si alguno no lo ha leído y quiere hacerlo.

- La película Dogma, de Kevin Smith. A Dios lo interpreta Alannis Morrisette, y con eso ya debería decir mucho. Smith es católico creyente, pero tiene una mentalidad crítica y constructiva. Con esta película intentó reírse de los estereotipos, de los errores de la Iglesia y de los dogmas sin sentido, y ofrecer una visión espiritual más dinámica y fresca. Dios es un tipo/tipa estupend@: está siempre de buen rollito, le gusta que la gente crezca a nivel personal y que los humanos se busquen la vida por su cuenta, y su hobby favorito es encarnarse en un mendigo para poder gastarse el dinero en las máquinas recreativas. Es la viva imagen de ese Dios que está en todas partes, pero no se mete con nadie. Paz y amor, y el plus pal salón.

- La serie televisiva Padre de Familia. Dios hace apariciones muy puntuales, pero tiende a reflejársele como un tipo chapucero, algo putero, soez... El propósito es más resultar irreverente y escandaloso que ofrecer una crítica seria, pero quizá sería un buen ejemplo de cómo la sociedad actual se le llega a tomar más bien poco en serio.

- La tira cómica online Sinfest. Hablé de ella recientemente. Dios aparece como un tipo con un extraordinario sentido del humor: está encarnado en una mano que surge de una nube, así que con frecuencia, para expresarse, utiliza marionetas que parodian a los restantes personajes de la tira, o bien a personajes arquetípicos de los que se vale para simbolizar su estado de ánimo, como un pintor francés o un músico barroco cuando está inspirado y creativo. Está permanentemente a la gresca con el Diablo, es voluble y cambia continuamente de opinión: tan pronto resulta conmovedor como se comporta como un chiquillo travieso que se divierte gastando bromas pesadas. Analiza todas las interpretaciones que se le han venido dando en los últimos tiempos, tanto las positivas como las negativas.

- El libro Dios vuelve en una Harley, de Joan Brady. Vale, admito que no me lo he leído, pero es uno de los libros de autoayuda más famosos del mundo mundial, y había que añadirlo. Dios se presenta como la fantasía sexual favorita de media población femenina mundial: rebelde sin causa con moto vacilona y chupa de cuero, que en realidad viene a salvar a la damisela en apuros de turno de su propio desastre de vida. Me pasé media adolescencia pidiéndome uno de esos por Reyes, pero eso de que resulte ser Dios y te traiga un montón de consejos hippies, resulta un poco inquietante...

Es un breve resumen, y me dejo muchos ejemplos en el tintero (sobre todo en el terreno del cómic, donde al parecer da mucho juego), pero el espacio de opinión está a disposición del respetable por si se os ocurren más.

Estebán Hernández y la editorial Planeta me pasan con poca diferencia sendas notas de prensa para anunciar la presentación oficial -mira, como los futbolistas- de la nueva obra de Estebán , "Suéter", el próximo 10 de Julio en la librería Futurama de Valencia. El acto será a partir de las 19:30 y aparte de un piscolabis que siempre viene bien el autor firmará ejemplares de la obra. Yo, por desgracia, no voy a poder ir porque a mí Valencia me pilla un poco a trasmano pero "Suéter" es una obra que seguro leeré porque le tengo ganas. Pueden ver un adelanto de nueve páginas de la obra aquí. Ya les contaré.

El eterno dilema del súper yo.

Es verano, hace poco he (o hemos, ya que algunos somos compañeros) terminado los exámenes de mi vuelta a la vida universitaria y todavía tengo la mente algo aplatanada. Todos sabemos que terminar exámenes conlleva copiosas cantidades de alcohol, más tarde una cena con rica sangría y esas cosas, así que espero me perdonéis.

A lo que iba. Es verano y recién liberado no quiero hacer un texto profundo, rebuscado ni lleno de datos. Hoy os voy a contar el porqué prefiero a Super López por encima de Mortadelo y Filemón.


De pequeño no me gustaba leer, aunque ahora siempre ande con un libro entre las manos, y mi padre habilmente logró que me aficionara con los tebeos de Mortadelo y Filemón. Durante años fueron mis personajes favoritos y me reía un montón con sus historias pero? esto terminó de suceder y poco a poco me fueron pareciendo todas iguales.

Las historias de Ibañez tienen más o menos un desarrollo parecido (o más bien igual). Los dos agentes deben cumplir una misión que su jefe, el Superintendente Vicente, les ha encargado tras ellos escapar previamente y lograr que vuelvan al cuartel, para más tarde sufrir una serie de equívocos que en cuatro páginas llegarán a su culmen y terminarán o siendo perseguidos o con una hoja de periódico al lado diciendo ?tuvimos que hacerlo?. Y este patrón se repite más o menos siempre. Lo de la resolución tan corta se entiende ya que originalmente estas historias se publicaban en revistas y por ello no podía hacer que siguieran de unas a otras, aunque hoy en día los albumes salen directamente al mercado y ha perdido un poco su razón de ser.

Los personajes apenas evolucionan. Lo único relevante sería la aparición de la Señorita Irma, una nueva y atractiva secretaria que haría la competencia a Ofelia en su intento de conquistar a Mortadelo (o Filemón si se tercia) aunque desaparecería hacia los 90 ya que era una creación que se hizo cuando Ibañez perdió los derechos y no era de su puño y letra (más bien de uno de los negros que ha tenido y que han firmado historias como La elasticina o El gran Sarao y si no me falla ¡A por el niño! Es otra de ellas). Pero como hemos dicho no tienen evolución alguna. Cierto que no es necesario y si las historias funcionan y gustan al público (las colas de Ibañez en Barcelona siguen siendo las más largas) el autor no tiene necesidad alguna de cambiarlo.

Ahora pasamos al caso de Super López.

Los orígenes son más o menos similares. Al igual que sus dos compañeros fue creado como parodia (ellos de detectives y luego Agentes Secretos, y él para ser un súper héroe) y poco a poco cambió hasta ser un personaje con una vida propia ya bastante alejado de lo que en sus principios había sido.

Super López es el último superviviente del planeta Chitón y llegó a la tierra donde trabaja en Llauna Films (al menos cuando eran una empresa de cine, ahora mismo me temo que no estoy seguro del nombre) y de paso defender a Barcelona y al mundo en general de ataques alienígenas, malvados villanos y la siempre terrible banda de Al Trapone y sus compinches. Al menos esto en los últimos tiempos, al principio nos encontramos con un hombre casado que adora a su ?mujercita?, como se refiere a ella tantas veces, y si nos remontamos todavía más en el tiempo nos encontramos con historia de cuatro viñetas y mudas (¿quizá una propia referencia de Jan al hecho de ser sordo?) pero todo va cambiando y nos vamos a centrar en los últimos tiempos del personaje que es la imagen que todos tenemos.

Las historias de Super López no siguen siempre un patrón exacto ni tan similar como sucede en Mortadelo y Filemón, de hecho en alguna historieta a quien menos vemos es al que da título a la misma y son casi sus secundarios los que crean la trama.
Super López empezó sus historias en solitario rodeado de Luisa Lanas y Jaime Olsen (Lois Lane y Jimmy Olsen) a los que más tarde se unieron otros secundarios como el inspector Hólmez y su hija Martha además de su novio (más tarde) Chico y otros tantos. De los comienzos los personajes han ido cambiando bastante. Jaime pasó de ser un competidor y un ?toca pelotas? a convertirse en el mejor amigo de López y Luisa, además de dejar siempre clara la referencia de que es más joven que el protagonista; El caso de Martha ya directamente cambia al empezar ya que nos la presentan como una ladrona que vive con su abuela para al poco ver a una chica con una gran vena artística y que terminará uniendo su vida con otro secundario de la serie (el ya nombrado chico).

Según han pasado los años las historias se han ido haciendo más complicadas y en muchas ocasiones más fantasiosas, pero sin dejar de lado nunca la vertiente de protesta social como se ve en las referencias a los botellones, explotación, la droga (y sus innumerables No a la droga que vemos en infinidad de ocasiones). Este cambio llegó a los personajes, como hemos dicho, y al propio Super López a quien hoy en día vemos que luce unas elegantes canas en su cabello como muestra de que el tiempo pasa para todos y también para las creaciones de Jan.

Las aventuras de estos personajes (ya que todos ellos tienen relevancia) se nos muestran hoy en día igual de frescas y divertidas que las de hace años, más elaboradas y con nuevos personajes que poco a poco hacen que la familia Super López vaya siendo cada vez más grande y más rica. Algo que parece Ibañez dejó por el camino.

Esto no quiere decir que crea que la obra de Ibañez sea mala o algo así, pero si debo decir que en mi caso (y sin dudarlo) me quedo con ese personaje tan patrio, y a veces algo olvidado por el público, que es Super López.

Sobre el 15 de Julio ya podrá encontrarse en librerías el número 10 de El Manglar, la revista de historietas e ilustración que edita Dibbuks y que codirigen Manuel Bartual y Ricardo Esteban. En esta ocasión es David Rubín (a quien hace poco vimos en Los diálogos del Sr. Boliche) quien le pone cara a la portada de este número.


En su interior reproducimos Ramen-O-Rama, la historieta que David publicó recientemente en la tercera entrega de PopGun, la antología de historietas que publica Image Comics. Como es habitual, el autor de nuestra portada es entrevistado en las páginas centrales del número: en esta ocasión, Valentín Vañó es el encargado de poner las preguntas.

En este décimo número de El Manglar continúa la publicación de las series habituales de la revista. Habrá, por tanto, nuevas entregas de El vecino de Santiago García y Pepo Pérez, Tú me has matado de David Sánchez, La prisión portátil de Paco Alcázar, Distrito Harrigan de Jorge Monlongo, Fishy Fishy de Elfelix y Bienvenidos a Bobolandia de Dupuy & Berberian.

Albert Monteys ha preparado una nueva entrega de The Funny Pages para este nuevo número de la revista, que también contará con una nueva entrega de Ensalada de flutas de Mathieu Sapin protagonizada por el personaje que da título a la serie y un nuevo capítulo del Tempus Fugit de John Tones y Víctor Santos. Riad Sattouf nos trae una de las más recientes aventuras de Pascual Brutal, posterior a las que Norma Editorial recopilaba hace unos meses en el libro que publicó del personaje. Carlos de Diego retoma a los protagonistas de sus anteriores historias publicadas en El Manglar en una historieta titulada Misterio en los Monegros y Jorge Parras, por su parte, concluye Llerk Valley de la única forma que podía concluir una serie así: con mucha muerte y destrucción a cargo de Duaic.

El bloque de historietas de este número se completa con nuevas entregas de Zorgo de Luis Bustos y Relatos de Mundo Tocino de Rubén Fdez., que también es co-protagonista de La extraña pareja, donde le ponemos a cargo del guión de una historieta dibujada por Paco Roca acerca de la vejez, la senilidad... y las aves cuculiformes.

En A machete, junto con otras importantes reflexiones, John Tones nos enseña a jugar a piedra, papel, tijera, lagarto y Spock, y recuperamos a José Luis Ágreda como ilustrador de nuestro sumario. El número se completa con la habitual batería de reseñas de En la rama y cerramos con Valentín Vañó trazando un perfil de Miguel B. Núñez en La última hoja.


El Manglar volverá en noviembre con el que será su número 11.

Cabría preguntarse qué habría sido de Roy Thomas (padre putativo, por lo demás, del Universo Marvel, en tanto es el recién llegado que le da la cohesión y la visión histórica desde su perspectiva de fan venido a creativo), si en su camino no se hubiera cruzado, un poco por la fuerza, Conan el bárbaro. O tal vez no haga falta preguntarlo y la carrera del Boy Wonder habló por sí sola en cuanto se abstrajo del personaje y volvió a los superhéroes.

Que Thomas y Marvel encontraron un filón en la fantasía heroica es bien sabido, y que a las historias personales del guionista se les unió enseguida la cronología oficial del personaje también. En el saqueo inteligente que se hizo de la obra escrita del texano Robert E. Howard, donde se asimilaron a Conan historias escritas originalmente para otros personajes (algo por lo que no hay que echarse las manos a la cabeza, pues el propio Conan literario parte de un relato rechazado de Kull, luego apenas reescrito y con los nombres cambiados), tuvo un breve conato de ampliación hacia otras mitologías con el inaudito crossover con Elric de Melniboné en los primeros números de las aventuras del cimerio y luego con el rescate de un personaje situado en nuestra realidad histórica, Sonya de Rogatine, quien se vería convertida en una mujer guerrero de la era Hiboria con el nombre de Red Sonja.

No era nuevo que los superhéroes tuvieran una contrapartida femenina (Supergirl, Batgirl, Mary Marvel, She-Hulk, Ms. Marvel), pero hacerla del machista bárbaro tenía su aquél. Incluso con el código censor del Comics Code, Conan era un tebeo algo más adulto que sus contemporáneos en tanto mataba y fornicaba (aunque lo segundo fuese entre viñetas), y su contenido más redondo que un simple comic-book en colorines mensual se potenció con las adaptaciones en blanco y negro para la revista The Savage Sword of Conan. Cuando Red Sonja aparece en uno de los números en color, todavía de la mano del gran Barry Smith, se nos presenta como una mujer indómita que puede hablar al bárbaro de tú a tú, una diablesa salvaje ataviada con una cota de malla y un pantaloncito de cuero. Sonja corta los avances del bárbaro en seco: no se entrega porque no le da la gana y punto.

Pero, ay, el mundo de los cómics y la fantasía heroica no se paró ahí. Todavía quizá no estaba maduro el terreno para desarrollar un personaje femenino que fuera lo suficientemente fuerte y dueño de su sexualidad. El público lector, además, era eminentemente masculino. Un Conan-hecho-mujer era algo atractivo a priori, pero quizá difícil de soportar mes a mes. Y entonces Red Sonja cambió su armadura por un absurdo bikini de cota de malla (cortesía del dibujante español Esteban Maroto, que entonces popularizaba ese tipo de prendas en sus ilustraciones), y su motivación en esta vida fue ir matando hombres, deshacer entuertos, vender su espada al mejor postor, emborracharse y robar... y provocar a cuanto donjuán se encontrara en su camino (y a los lectores) con el premio extraordinario de poseerla sólo si la derrotaban en combate. A semejante dislate se le sumó, en una historieta dibujada por Howard Chaykin, un origen seudo-mitológico con violación y aparición diosa-ex machina incluida, para que la muchacha no pareciera tonta y psicótica de remate.

Red Sonja ha tenido varias colecciones y mini-series, desde sus historias de complemento en King Kull a Marvel Feature o las aventuras actuales ya fuera de la escudería Marvel, y en todas ellas se ha comportado de manera tajante y algo antipática, todo sea dicho. Son las aventuras dibujadas por Frank Thorne las más recordadas, pero el propio Thorne debió quedar algo harto de la estrechez sexual del personaje cuando creó luego su contrarréplica cuasi-pornográfica en la divertida y procaz Ghita de Allizarr.

Magnífico personaje secundario en las aventuras de Conan, Sonja la Roja de Hyrkania quizá nunca ha tenido, en la historieta, ese peso específico que habría sido deseable desde aquella magistral introducción de "La canción de Red Sonja" (Conan, número 24), en tanto el rico universo howardiano aquí parece de manera casi tangencial (la nomenclatura de reinos, estéticas y personajes casi no encaja con las aventuras de Conan), y a pesar de que ha habido guionistas y dibujantes femeninas encargadas de realizar algunas de sus historias (es decir, las feministas no han puesto el grito en el cielo ante la auto-forzada abstinencia sexual y el mucho exhibicionismo corporal del personaje), como tebeo se me antoja que siempre le falta un hervor para ser redondo. Quizá es que le sobra el bikini metálico y le falta aquella cota de malla que la hacía parecer, de verdad, una mujer guerrera y no una top model posando para una sesión de fotos con destino a unas páginas centrales desplegables.

La historia nos acerca a la vida del doctor Cal Lightman (Tim Roth), un detector humano de mentiras capaz de descubrir si una persona es honrada o no apoyándose en las expresiones del cuerpo, de la cara o de la voz y que utiliza este don para resolver casos criminales.

Lightman está al mando de The Lightman Group, un equipo que analiza el comportamiento humano. El grupo está formado por la psicóloga Gillian Foster (Kelli Williams), Brendan Hines y Monica Raymund.

Lie to me (Miénteme), es una serie inspirada por el trabajo del Dr. Paul Ekman, el mayor especialista mundial sobre el lenguaje facial.

Comparada con El Mentalista (ya que el protagonista trabaja en realidad para el FBI) así como con House (debido a que se forma un equipo de pupilos en torno al personaje de Roth) hay que decir que Lie to me está, tal vez, más cerca de Medium ya que como ésta, se basa en un personaje real. El psicólogo que encarna Tim Roth se inspira en realidad en la vida y ?milagros? del doctor Paul Ekman, un destacado psicólogo especializado en el lenguaje corporal y expresivo, como acabamos de comentar.

Comencé a verla por pasar el rato y me acabó enganchado, el "problema", (si es que a estas alturas se le puede llamar a algo así problema), es que como tantas otras series, no ha llegado a nuestro país más que a través de Internet y en V.O.S.E.

Problema que al parecer tiene su solución, ya que según hemos podido leer Antena 3 ha adquirido sus derechos de emisión.

En mi afán de traerles trailers curiosos de películas que probablemente nunca veamos en las salas comerciales de nuestro país, le ha tocado el turno a este de ?Deadgirl? una película de horror teen que consiguió buenas criticas en el festival de Toronto del año pasado pero que, al parecer, no encontró distribuidor (al menos hasta ahora ya que parece que se va a estrenar en algunas salas de EEUU a partir del 24 de Julio). La película, dirigida al alimón por Marcel Sarmiento y Gadi Harel es un poco tópica, pero está rodada por lo que se ve con más elegancia y gusto que este tipo de productos. Un par de chicos poco populares deciden ir a autocomparecerse entre latas de cerveza a un antiguo manicomio abandonado donde encuentran a una chica zombi a la que pretenden mantener encerrada para convertirla en su juguetito sexual. Si es que hay mucho desesperado ahí fuera?

A principios de los años setenta (y, reconozcámoslo, durante buena parte de esa década), los cómics de superhombres que habían configurado el resurgir de la industria la década anterior parecían haberse agotado en sus propuestas. Las nuevas generaciones que se hacían cargo de sus andanzas, quizá demasiado anquilosadas en el respeto a la tradición de sus maestros, se limitaron durante mucho tiempo a conjugar combinaciones con repetición de los elementos que habían hecho florecer el género. Pero la búsqueda de nuevos campos narrativos demostró que había mucho y bueno que contar en otro tipo de historias, y en aquellos días hoy ya impensables se podía experimentar con historias de terror, de kung-fu, de ciencia-ficción o de fantasía heroica. Buena parte de los grandes logros del tebeo americano de la primera mitad de los años setenta está fuera del tronco de los superhéroes.

Al socaire del moderado éxito de Conan the Barbarian (en tanto que el reconocimiento al personaje y sus posibilidades se produce más tarde), y sin duda enmarcado en la moda retro que caracteriza esos años (con la recuperación de héroes pulp como La Sombra, Doc Savage, John Carter de Marte, Carson de Venus, Gullivar Jones y, sobre todo, Tarzán), la obra entonces semi-desconocida del texano Robert E. Howard se convierte en Roma de papel que saquear durante años en busca del mármol de su pasado remoto. Y así, el avispado guionista Roy Thomas, aparte de rebuscar a placer cualquier relato del autor que pudiera aplicarse al universo que desarrollaba en su adaptación de Conan the Barbarian, se encontró en las manos con la posibilidad de repetir el filón con las andanzas de un personaje muy similar (y tanto, puesto que algunas historias escritas habían sido canibalizadas por el propio Howard para ser atribuidas a su bárbaro cimmerio), el melancólico y hosco rey Kull de Valusia.

Presentado casi como un experimento caprichoso del gran Bernie Wrightson ya en marzo de 1971 (en un número de la revista Creatures on the Loose) y con la adaptación-cebo del poema "El rey y el arce" en un número de la serie del propio Conan, en cuyo texto de cabecera siempre se hacía referencia al "hundimiento de Atlantis", o sea, a la historia antes de esa prehistoria, en junio de ese mismo año se publican ya los comic-books en color de Kull the Conqueror, con guiones de Roy Thomas y dibujos de Ross Andru y Wally Wood, que en seguida darían paso al insuperable tándem formado por los hermanos Marie y John Severin, quienes durante una buena docena de números crearían un cómic modélico, de estatura clásica tanto en la narración como en la solidez de fondos y ambientes; paradójicamente, ese clasicismo formal, que remite en múltiples ocasiones a Harold Foster, es la gran baza de modernidad y de vuelo contracorriente del título, que nunca llegó a mantener una cadencia mensual y que llegó a ser cambiado a Kull the Destroyer y Kull and the Barbarians al correr del tiempo.

Kull fue mejor tebeo bien hecho antes que Conan, casi como si se pretendiera hacer historietas más adultas desde un punto de vista reflexivo y no espectacular (es decir, eludiendo casi de continuo el gancho de supuesta adultez que suelen tener los cómics desde siempre: las alusiones algo descafeinadas al sexo y el tratamiento de la mujer como objeto rescatable in extemis por el aguerrido héroe-adolescente de turno). Convertido en un cejijunto y meditabundo gobernante de hombres que se sabe o se cree en posesión de la verdad, y atrapado en las múltiples conjuras políticas de otros hombres mucho más poderosos cultural y financieramente que él, Kull se muestra como un héroe que viene de Hamlet y va hacia MacBeth porque nunca podrá ser Lear, dado a grandes silencios y a juicios de valor donde su máximo argumento será su hacha de guerra: Kull es un dictador que quiere ser un buen rey, el último muro de contención de una civilización que se va a pique y que, en nueva paradoja, necesita del timón de un bárbaro para no zozobrar. Kull es introvertido, triste, fuera de sitio aunque ocupe por la fuerza un trono tras el equivalente medieval a un golpe de estado o una rebelión de centuriones, marcado por una cicatriz que lo diferencia de todos (posiblemente, más que nadie, del propio Conan de quien fue modelo) y enfrentado a una invasión de hombres-serpiente que lleva un paso más allá el manido tema de los comunistas infiltrados en la sociedad para adquirir tintes terroríficos.

Al grito de "kaa naama, kaa lajerama" como ensalmo revelador de personalidades encubiertas, y auxiliado por el no menos lacónico y silencioso lancero picto Brule, Kull vive aislado en su castillo-trono de todo contacto con las pasiones y las debilidades de la raza humana. Hasta se ha especulado, quizá fuera de lugar, con una posible relación homoerótica entre rey y guardaespaldas, olvidando el público al que iban dirigidos originariamente estos tebeos y la propia característica misógina del escritor de los relatos originales: es decir, si esa relación existiera sería a nivel puramente subconsciente, pues Kull no vive para el amor, sino para la política que, como buen dictador, intenta también anular con su pura presencia. No es extraño tampoco que uno de sus principales opositores sea un alma anarquista como él mismo, el poeta Ridondo, condenado a entenderse con el rey cuando ambos sean exiliados de Valusia, ni que su archinémesis, el mago Thulsa Doom, tenga los rasgos cadavéricos de la misma muerte que a todos acecha, pues conseguido el sueño de conseguir estatus de la vida de cualquiera, ¿qué espera al propio Kull sino ceder en esa batalla y darse por muerto?

El tebeo, pese a volar gráficamente muy por encima de otras propuestas, no tuvo la suerte que su compañero y mentor Conan habría de tener. Los hermanos Severin serían sustituidos por el siempre interesante Mike Ploog, y los en ocasiones confusos guiones de Roy Thomas serían encaminados por un más estilizado y ágil Gerry Conway, quien muy inteligentemente aisla a Kull de su reino y lo devuelve a los caminos, exiliado de su reino y del amor de un pueblo que nunca tuvo. La máxima diferencia entre Conan y Kull, pues, se revela en que el primero es la historia de una búsqueda vital y el segundo relata el vacío también vital de un encuentro. Toda la vida de Kull, desde su huida de Atlantis hasta su robo de la corona, se consigna en un par de páginas, mientras que su modelo-competidor Conan estira durante décadas la peripecia que lo llevará, también a él, al trono de Aquilonia.

Autores como John Bolton, John Buscema o Howard Chaykin también picotearían de manera irregular en las diversas apariciones del bárbaro convertido en dictador, pero su edad dorada fue, desde sus inicios, la etapa de los Severin, la que lo retrató como fantasma él mismo enfrentado a otros fantasmas en los fríos corredores de castillos encantados, con mujeres a las que no pudo amar e intrigas palaciegas que estaban más allá de la comprensión que le prestaba el hacha de doble filo que fue su cetro.

Hace algún tiempo os pusimos información sobre 9, la última incursión de Burton (aunque ejerce de productor), y hoy os traemos 8 posters con los personajes protagonistas de la misma.

El primero de ellos en portada y el resto a un simple y bonito clic, además del teaser trailer de Spanish Movie con una inesperada (pero grata) sorpresa.








Y ahora (tras las imágenes) va el teaser de Spanish Movie.

Ya falta menos.

P: La droga está muy presente en esta historia que nos relata (refiriéndose a "Black Hole"). BURNS: Quería reflejar la vida normal de unas adolescentes en EEUU, lo que implica el uso de drogas. Es parte del paisaje cotidiano en nuestro mundo, no hago una lectura moral, es sólo que existe en el mundo del que quería hablar. Es una situación que empuja la historia hacia terrenos un poco más inquietantes. Es una transformación mental también. Esta gente se encuentra incómoda con su existencia, así que recurren a la búsqueda de una nueva identidad. Si tomas LSD se amplían tus percepcciones... También es algo que une a esta gente. (Extracto de una entrevista de Daniel Tomás, publicada en el año 2004 en "La opinión de Málaga" y que pueden leer completa, aquí).

Trasvasar a la historieta las aventuras de Conan el bárbaro era un proyecto largamente acariciado por un gigante del medio, Gil Kane, pero sólo el conservadurismo innato de las majors editoriales y los deseos de ir sobre seguro explican lo tímido de su lanzamiento y que se encomendase a un artista primerizo con abundantes lagunas formativas como era (entonces) Barry Smith, que no tenía el caché del maestro. Nadie podía imaginar que se iba a hacer historia y a crear un popular subgénero que a punto estuvo de relegar a segundo plano a los superhéroes, o al menos a abrir una potente vía alternativa durante un par de décadas.

Escritos originalmente en los años treinta por el texano Robert Erwin Howard, los relatos y novelas de tan singular personaje (un antihéroe en el más amplio sentido del término, pero oportunamente auxiliado por un "código del honor" que lo convierte ipso facto en desfacedor de entuertos prehistórico y caballero andante con poca ropa y mucha labia) habían gozado de cierta popularidad en su momento (incluso se habló de llevar sus hazañas al cine protagonizadas por Victor Mature) y de un oportuno revival en los años sesenta, cuando se recuperaron, reescribieron y continuaron por albaceas literarios sus andanzas, sin duda auxiliadas por las impactantes portadas realizadas por un monstruo como Frank Frazetta.

Conan, no obstante, parecía haber nacido para el cómic, y es en este medio donde alcanza su máxima popularidad y desarrolla a placer las premisas que explican su éxito: mundo postcataclísmico en los albores de nuestra historia, sin leyes ni moral, donde la magia y los monstruos herederos de Lovecraft campan por sus respetos y la vida de un hombre, en lema mil veces repetido, vale tanto como el filo de su espada. En una época en que los grandes directores del cine del oeste habían desaparecido o estaban próximos a hacerlo y el western mismo se había agotado tras las mil revisitaciones televisivas que acabarían, en el recuadrito de las 625 líneas, por agostar cualquier mítica que pudiera tener el género de vaqueros, Conan y sus muchos herederos venían a suponer el relevo ideal, pues el bárbaro cimmerio es a un tiempo cowboy solitario e indio salvaje, apátrida amoral y recio johnwayne de melancólicos silencios, vikingo y romano, huno, pirata, guerrillero, jinete de las mil y una noches o cosaco. El batiburrillo histórico-subcultural de las aventuras del personaje, insisto, no podían dar más que para relatos de segunda fila, sin duda divertidos pero de escasa calidad literaria y tópicos repetidos hasta la saciedad, lo que desde El Quijote la cultura oficial ha dado en creer muerto y enterrado: libros de caballerías. En el cómic, sin embargo, funcionaba.

La historia de Conan tenía, entre papeles desordenados e incorporaciones apócrifas, una muy clara trayectoria vital: de bárbaro a rey después de haber pasado por todos los estamentos sociales que fueran necesarios y donde pudiera colocarse una historia. Teniendo en cuenta estos parámetros, el guionista Roy Thomas prepara una serie de argumentos donde, de vez en cuando, se permite adaptar a la historieta las propias andanzas del Conan literario (o de otros héroes y antihéroes creados para otras épocas históricas por Robert Howard). Los titubeos iniciales de la serie, bimestral en un principio, parecen dejar claro cuál debe ser el camino tras el éxito de la sobresaliente adaptación del poético relato "La torre del elefante": no apartarse de la sombra de Howard.

En un proceso evolutivo que sólo tiene quizás como precedente el de Alex Raymond en los años treinta, Barry Smith pasa de ser un voluntarioso y poco dotado imitador de Jack Kirby a convertirse en un sensible poeta prerrafaelita donde asoman los ecos épicos y naturalistas de Hal Foster. El confuso story-telling de las primeras historias (y es sintomático que la dificultad de leer y entender plenamente las primeras aventuras del bárbaro sean parejas al aprendizaje de Smith, lo que demuestra en manos de quién estaban realmente los argumentos) va dando paso a un estilizado trayecto por el amor y la muerte que desemboca en viñetas de arquitecturas mágicas y joyas repujadas en ornamentos y escenarios mientras Conan guía sus pasos a lo que puede ser, en el cómic, el equivalente epopéyico de lo que fue para la literatura la guerra de Troya: la toma de Shadizar.

Pero Smith abandonó la serie un par de veces y ésta no se resintió, sino al contrario. Un primer interludio trajo por fin al personaje a Gil Kane, en un par de números que fueron durante mucho tiempo los mejor vendidos de la colección; y por fin, tras su marcha más o menos definitiva, la llegada del gran John Buscema quien, con un estilo mucho más clásico y academicista y un story-telling que no busca piruetas en hueco, marca ya para la posteridad la imagen del bárbaro. Buscema se siente a sus anchas en un personaje y unas historias que remiten en ocasiones a los grandes maestros del cómic de prensa de los años treinta, Foster y Raymond, y aunque la arquitectura de las ciudades de magia y fantasía se resiente más que ninguna otra cosa, su manera de abordar el personaje y la Edad Hyboria donde éste se desenvuelve clarifican mucho la dureza poética de las historias.

Desde su llegada al título, la popularidad de Conan es tan grande que, además del comic-book en color de veintipocas páginas, pronto se preparan historias más largas donde se adaptan relatos o novelas de Howard (o se trasvasan las de otros autores). Es la serie Savage Sword of Conan, donde en blanco y negro y con mayor espacio narrativo, John Buscema da lo mejor de sí mismo. Entintado por un buen puñado de colaboradores, con los que no siempre dijo estar de acuerdo, la imagen de estas historias largas del personaje queda inevitablemente unida a las tintas de Tony de Zuñiga, Alfredo Alcalá, Ernie Chan o Rudy Nebres. Si en el comic-book a color hay historias sobresalientes (la mencionada "La torre del elefante" o joyas como "La canción de Red Sonja" o la larga saga con Bêlit, la reina pirata de la Costa Negra), la edición en blanco y negro no se queda a la zaga, con la adaptación de novelas como Sombras en Zamboula (por Neal Adams), Sombras de hierro en la luna (Buscema y Alcalá), La morada de los condenados (Buscema y Montano), Nacerá una bruja (Buscema y la tribu) o la larga y excelente adaptación, en varios números, de La hora del dragón. Sin olvidar la obra maestra que supone el regreso de Barry Smith al personaje: la adaptación de Clavos Rojos.

La editorial tenía prisa por explotar el filón del personaje y quizá por eso no esperó a que esas historias se contaran en el momento en que tendrían que haber sido contadas, cuando los vagabundeos del personaje lo llevaran a los escenarios donde habían sido desarrolladas literariamente. Haberlo hecho, además, habría invalidado la inclusión en los resquicios que fueran quedando de nuevas historias. Tampoco se volvieron a contar esas historias cuando la peripecia de Conan pudo alcanzarlas: se preparó, si acaso, una tercera serie en color, King Conan (luego rebautizada Conan the King), y se ilustraron también algunos álbumes y se realizó una tira diaria para los periódicos.

Escribir y dibujar tebeos como una cadena de montaje desemboca ineviatablemente en la moraleja de los carros de fuego del poema. Conan se convirtió en una franquicia (ya lo era desde sus inicios), y los elementos mágicos, épicos y líricos que hicieron populares sus aventuras terminaron por ir repitiéndose hasta el infinito, sin apartarse jamás de unos parámetros que fueron originales en su momento y acabaron por convertirse en repetitivos tópicos. La marcha de Roy Thomas y John Buscema de los títulos del personaje fue la penúltima puntilla en su baja de popularidad.

En el interín vinieron multitud de novelas nuevamente apócrifas, las dos películas de todos conocidas, una insufrible serie de dibujos animados y una ridícula adaptación televisiva con personajes humanos y calaveras de goma, un impasse donde los derechos del bárbaro saltan de continente en continente sin que nadie supiera muy bien dónde iría a parar todo el juego y quién realizaría nuevas entregas (al final, Dark Horse se ha llevado el cimerio al agua). Puede que sea ya demasiado tarde para recuperar al personaje, quien tuvo su buena ración de obras maestras y su rincón de gloria en los olimpos del cómic y los mercados de la cosa. Lo cual ya es mucho más de lo que sin duda imaginaron Gil Kane, Roy Thomas y Barry Smith cuando empezaron, con pies de plomo y sin la plena confianza de la editorial, a explorar los límites del comic-book y el estilo Marvel retrocediendo en el tiempo a la Edad Hyboria.

Columnista, periodista, narrador, editor, mente crítica y renovador de la palabra escrita en lengua catalana. Baltasar Porcel ha muerto de un tumor cerebral reincidente a los 70 años.

Quizá a nivel nacional no se le conozca tanto, pero en Ruta 42 no queríamos olvidarnos de una figura que ha ganado todos los premios existentes en literatura en catalán, que ha participado en publicaciones clave como Destino o La Vanguardia, y que ha sido referente a lo largo de unas décadas política e intelectualmente muy activas.

Este mallorquín de origen, se crió en el pueblo de Andratx, donde se empapó de esa cultura tan balear que impregnaría sus obras posteriores. Gran viajero y hombre de mundo, recorrió la geografía del globo escribiéndo artículos y viviendo de primera mano aquellos años 60 y 70 tan intensos históricamente a nivel político y social. Afincado en Barcelona, vivió la transformación de la sociedad española en general, y de la catalanoparlante en particular durante la Transición.

En la Feria de Francfort, el principal evento literario anual a nivel mundial, se le otorgó una preponderancia y un homenaje particular cuando, hace un par de años, la literatura catalana fue la invitada estrella.

Ha muerto, pues, un hombre de letras y de mundo, y desde Ruta 42 queremos enviar nuestras más sentidas condolencias.

La política es ese instinto que los profesionales del ramo se empeñan (o no) en maquillar de razón.

" Es una comedia enfermiza y ofensiva - Me Encanta" (Megan Fox)

Es el título de la nueva película de Megan Fox (Transformers), en su primer papel protagonista, Megan será una animadora, poseída por un demonio que come hombres, literalmente.

Aunque el argumento no sea de lo más novedoso, ni bueno sino se plantea bien, cosa que hasta el estreno de la cinta no se podrá decir.

La dirección esta bajo el mando de Karyn Kusama (Aeon Flux), y el guión corre a cargo de Diablo Cody (estrella del porno ya retirada).

El estreno en USA de Jennifer's Body esta programado para el 18 de Septiembre de este año, según informa Joblo.

Lo que es seguro, es que esta película si es visionada no sera por gente que busque una película profunda alabada por la critica ya que el principal reclamo es que Megan Fox aparece desnuda.

Ayer me enteré con sorpresa de la muerte de la nariz más famosa del cine y de la televisión. Con sorpresa, porque pensaba que Malden debía llevar años fallecido pero el viejo Malden, que encarnaba como nadie las virtudes del americano medio de antes, ha resistido silenciosamente y casi ha llegado a centenario. Hijo de emigrantes, Malden siempre ha sido un actor reconocible en todas las películas y series en las que participó por la enorme cachiporra, consecuencia ade la práctica al baloncesto en su juventud, que lucia en medio de una cara -no exenta de atractivo- a la que apenas parecían afectar el paso de las décadas. En el cine logró pocos papeles de protagonista, mermado por su apariencia, física aunque se convirtió en uno de los más importantes secundarios de los años cincuenta, participando en grandes películas como ?El pistolero?, ?La ley del silencio? o ?Un tranvía llamado Deseo?, interpretación que le valió el Oscar a mejor actor de reparto. Posteriormente, siguió participando en grandes películas como ?La ley del silencio?, ?El hombre de Alcatraz? y ?Patton?, aunque cada vez le resultaba más difícil conseguir buenos papeles.

A pesar de su larga trayectoria cinematográfica, el papel que le hizo enormemente popular fue el de Mike Stone en la serie ?Las calles de San Francisco? donde interpretaba a un astuto y veterano policía que le daba unas cuentas lecciones ?en más de un sentido- a su pipiolo y guaperas compañero, un jovencito Michael Douglas. Yo creo que todos los niños de la época nos hicimos fans de Mike Stone, un tipo feo pero inteligente y dotado de ironía y cerebro bajo su eterno sombrero, antes que de Douglas que ya por entonces iba de sobrado, mérito este de un astuto Malden que supo comerse al jovencito y resolver a su favor una serie que a priori explotaba la rivalidad generacional entre ambos compañeros. ?Las calles de San Francisco? fue una gran serie de los setenta y marca un hito dentro de las series policíacas, una serie que, además, ha resistido bastante bien el paso del tiempo, estableciendo un modelo imitado hasta la saciedad posteriormente.

Malden fue un actor inteligente que supo hacer de sus limitaciones físicas una virtud y mejoró todas las obras en las que participó. Un secundario de los que ya no quedan.

D.E.P.

La compañía Walt Disney regresa a su campo por excelencia en animación con esta nueva película que, si no nos fallan los datos, en español llevará el título de Tania y el sapo.

La historia nos lleva a Nueva Orleans con una historia clásica y bien conocida por todos, un príncipe encantado como rana tiene que ser besado por una joven para volver a ser quien era.

A un clic más imágenes y de regalo el trailer.

Los copos de nieve eran cada vez mayores, hasta que, al fin, parecían grandes pollos blancos. De repente dieron un salto a un lado, el trineo se detuvo, y la persona que lo conducía se incorporó en el asiento. La piel y el gorro eran de pura nieve, y ante los ojos del chiquillo se [...]

El actor norteamericano ha fallecido en su casa de Los Angeles a la edad de 97 años.

Karl Malden fue el pequeño de 3 hijos de una pareja de origen serbio. Su nombre real era Mladen Sekulovich, pero a los 22 años decidió cambiarlo y anglosajonizarlo. Partició en numerosas obras teatrales amateur, hasta que en 1937 empezó a trabajar en Broadway, pero se truncó su carrera cuando estalló la II Guerra Mundial. Al término de esta, volvió a los escenarios con un pequeño papel en la obra Truckline Cafe, en la que también participaba un aún desconocido Marlon Brando.

Malden retomó su carrera cinéfila en los años 50, aunque antes de la guerra ya había tenido un pequeño papel en They Knew What They Wanted. Películas como El Pistolero, con Gregory Peck como protagonista; Un Tranvia llamado Deseo, en la que interpretaba a Mitch y por cuya interpretación ganó un Oscar; La Ley del Silencio, tomando el papel de un sacerdote, igualmente como en La Conquista del Oeste; o en Patton, como el general Omar N. Bradley fueron su legado para la eternidad como secundario.

En los años 70, participó en la serie Las calles de San Francisco, interpretando al teniente Mike Stone, y su ayudante el inspector Steve Keller, interpretado por Michael Douglas. En 1980 protagonizó la película Skag (producida exclusivamente para televisión), que terminó derivando en una serie televisiva que no pasó del quinto episodio.

Karl Malden falleció hoy por causas naturales, dejando a su esposa Mona Greenberg con la que llevaba casado desde 1938. Desde Ruta 42 mandamos nuestras condolencias a la familia.

Salteados recuerdos de días por venir,

Inciertos futuros que giran

alrededor de vidas y existencias

no aptas para su reciclado,

ni para uso y deshecho de cuerpos

comprados- o robados- en los megabazares

que adornan las avenidas de la realidad;

el fin de todo es anunciado

con estridentes publianuncios de xenón

y las pequeñas tiendas de recuerdos

cesan su negocio por culpa

de la crisis de personalidad.

El negocio de las memorias

será recordado a partir de hoy

mientras días venideros

han de llegar todavía

a las costas de nuestras realidades

donde nuestros dispersos cuerpos

serán reutilizados entre un maremágnum

de probabilidades aleatorias

Inciertos futuros que plantan la semilla

de entrópica soledad,

de cósmicas referencias

derivando hacia ignotos mares

donde la memoria destilada

de las mentes de futuras razas

abrirán un sendero

entre el hoy y los refinados recuerdos

de días por venir

LIBROS:
1. -La ciudad de las llamas (Niven/Pournelle)
2. -Más Allá del Planeta Silencioso (C.S. Lewiss)
3. -Philip K. Dick: Cuentos Completos V
4. -El Espíritu de la Navidad (Connie Willis)
5. -El Colombre (Dino Buzzati)
6. -El Mar de madera (Jonathan Carrol)
7. -El Cuervo y otros poemas (Edgar Allan Poe)
8. - El Día del Dragón (Domingo Santos)
9. -Las Máquinas de Dios (Jack McDevit)
10. -El Asombroso Viaje de Pomponio Flato (Eduardo Mendoza)
11. -El Mapa del Tiempo (Félix J. Palma)
12. -Las Mujeres de Poe (ilustrado por Alberto Sastre)
13. -Sombra (Leopoldo María Panero)
14. -Asimov magazine #17
15. -Asimov magazine #20
16.-Asimov magazine #21
17.-Las Setas no Sangran y Otros Hongos Terroríficos (Brian Lumley)
18.-Llorad por Nuestro Futuro: Antología no Euclidiana #2, recopilación Domingo Santos, vvaa)
19.-La Carretera (Corman McCarthy)
20.-Niños Rociando Gato Con Gasolina (Alberto Torres Blandina)
21.-La Muerte del Caos (Joanna Russ)
22.-El Eternauta y otros cuentos (novela gráfica)
23 -El Misterio de Susurro; las aventuras siderales de Roco Vargas (Daniel Torres) (n.g)
24.-El Horror de Dunwich (Lovecraft/Caruso)
25.-La Estación de la Calle Perdido (China Miéville)
26.-La Condesa Sangrienta (Alejandra Pizarnik/S. Caruso)
27.-Los señores. Las Nuevas Criaturas (Jim Morrison)
28.-La Chica del Átomo de Oro y otros cuentos antiguos de ciencia ficción (edición de Francisco J. Arellano).

(28/6=4.67)

OTROS:
- I Certamen Internacional de Poesía Fantástica miNatura (más de 240 poemas, en calidad de jurado).
- I Certamen de microrrelato miNatura (jurado)


CÓMICS: (Voy a dejar de ponerlos ya; esto que sigue es sólo una pequeña muestra hasta marzo, pero la cosa sigue y sigue semanalmente)
1. Clásicos DC Nuevos Titanes 33
2. Clásicos DC Nuevos Titanes 34
3. Clásicos DC JSA 1
4. " " " 2
5. " " " 3
6. " " " 4
7. " " " 5
8. JSA 11
9. JSA 12
10. JLA 15
11. Superman 20
12. Clásicos DC Legión de Superhéroes 12
13. Batman: La Resurrección de Ra' s Al Ghul 2 (Batman 18)
14.Batman:La Resurrección de Ra' s Al Ghul 3 (Batman 19)
15. Superman/Batman 16
16. Superman/Batman 17
17. Outsiders 19
18. Outsiders 20
19. Jovenes Titanes 10
20. Universo DC: Lobo 10
21. Universo DC: Lobo 11
22. Liga de la Justicia América nº16
23. Superman nº 21
24. Cuenta Atrás 5
25. Spiderman Marvel Team Up #8
26. Superman 22
27. JLA 17
28. Cuenta Atrás 6
29. Cuenta Atrás 7
30. EL Regreso de Donna Troy
31. Superman Aventuras.
32. etc, etc, etc.................

Hoy recuperamos del olvido al que nuestros editores han defenestrado al cómic clásico europeo una obra referente en más de un sentido del género histórico que tan bien han sabido explotar al otro lado de los Pirineos. Una serie que a pesar de empezar a publicarse hace más de sesenta años (1948) en las páginas de ?Tintin? se mantiene vigente (acaba de aparecer el 28º álbum este mismo año) convirtiéndoe en un referente de la línea clara a su autor, el francés Jacques Martin, uno de los prolíficos autores de esta escuela. Como ya se habrán imaginado, me refiero a ?Alix?.

?Alix? es una de romanos en la que el protagonista, el mismo que da título a la serie, es un joven príncipe galo (a modo de curiosidad hijo del jefe galo Astorix, cuyo nombre parodiaron Uderzo y Goscinny para crear a ya sabéis quién) que es adoptado por la familia Graco en los convulsos tiempos del primer triunvirato. Acompañado por su amigo, el joven egipcio Enak, Alix recorrerá el mundo antiguo desde Troya hasta la civilización azteca viviendo todo tipo de aventuras y desbaratando las numerosas intrigas políticas en las que se ve inmerso.

Jacques Martin, uno de los autores más prolíficos de la escuela franco belga clásica que había empezado su carrera dibujando escenarios y vehículos en ?Tintin? (y más desconocidos en España), encontró el espaldarazo definitivo en esta serie en la que ha plasmado todo su amor por el mundo antiguo con un rigor y una documentación sorprendentes para la época sin olvidar por ello el tono aventurero que la historia y el protagonista requieren. Los primeros álbumes de la serie tuvieron una extensión de 64 páginas hasta pasar a los 48 actuales y en ellos se percibe la evolución de Martin desde los prmeros álbumes en los que es notoria la influencia de otro grande de la línea clara como es Jacobs hasta dar con un estilo propio en el que prima aparte de la narración la reproducción al detalle de objetos y edificios.

Martin se ocupó de la serie como autor completo hasta bien entrados los años noventa pero como consecuencia de los achaques de la edad y su exigente ritmo de trabajo con el paso de los años fue delegando en colaboradores como los dibujantes el suizo Rafael Morales, Marc Henniquiau, Cedric Hervan, Christophe Simon o Ferry, y los guionistas François Maingoval y Patrick Weber aunque se ha ocupado hasta estos últimos álbumes de supervisar los argumentos de las historias aunque ninguno de estos ha alcanzado el sentido de la composición y el detallismo que Martin logró en sus álbumes en solitario.

Mientras que en Europa "Alix" es un clásico con una secuela casi tan lóngeva como la serie principal, "Les voyages de Alix", con guiones de Martin y dibujo de distintos autores, en España, es una serie prácticamente desconocida ya que sólo se publicaron los primeros álbumes a finales de los años sesenta por la editorial Oikos Tau, más algunos álbumes sueltos sin periodicidad ni orden de "Alix" y "Los viajes de Alix" por parte de Norma y Glénat. Se trata de un auténtico clásico semidesconocido que no estaría de más fuese recuperado en bonitos integrales por alguna avispada editorial.

Les dejo una completa y exhaustiva entrada sobre la serie y el autor, aquí. Además el amigo Emilio dedicó una entrada a la obra de Martin en La Biblioteca de Thule que no deberían perderse. Pero, lo más alucinante de todo es que el núcleo taliban de aficionados españoles a esta obra le ha dedicado una página web muy chula que pueden consultar aquí y si dominan el idioma francés no dejen de pasarse por este sitio.

Cuando vean este trailer ?The informant? lo primero que les va a llamar la atención son las pintas que se gasta el amigo Matt Damon, que está prácticamente irreconocible pero, aparte, es que ?The informant? tiene hechuras de ser una película interesante. Dirigida por un tipo con tantas tablas como Steven Soderbergh la cosa promete Se trata de una comedia negra e irónica con el cine de agentes secretos y confidentes basada en un libro del mismo titulo del periodista Kurt Eichenwald. Se estrena en Octubre en EEUU. Ya veremos en que queda la cosa.

Ser un antiheroe no siempre es malo del todo, sobre todo cuando arrecia el veranito, el sol, la playa y el buen tiempo en general, sino preguntadle a Venom.

Y es que si el amigo y vecino Spiderman, es siempre de lo más ocurrente, no se puede negar que posee una fisonomía un poco más tirando a escuálido que ha atlético y claro tiene envidia del cuerpo fornido del simbionte, que no solo le suele machacar en las peleas, sino que arrasa con las niñas allí por donde va.
Paciencia Spidey...

Me llega por mail la noticia del secuestro en la convulsa Honduras del caricaturista Allan McDonald junto a su hija de diecisiete meses -¿Qué posicionamiento puede tener una niña de diecisiete meses?.-. Al parecer, McDonald se habría posicionado a favor del referéndum del presidente Zelaya y en contra de los golpistas con lo que se puso en el punto de mira de estos últimos.

Vaya por delante, que no soy un experto de la política interior hondureña pero que, por lo que he podido informarme, tan sospechosos me parecen los golpistas como ese Zelaya que ejerce un peligroso populismo trasnochado. Sin embargo, hay una diferencia vital entre unos y otros. A Zelaya, por mal que me caiga y sospechoso me parezca, le han elegido en unas elecciones libres y democráticas, es un presidente legítimo y, en estos tiempos que corren, sería sonrojante para la sociedad internacional que los golpistas devolvieran a Honduras a la política del golpe de mano, los desaparecidos y los discursos pomposos y vacíos que durante décadas se impuso y lastró buena parte de Latinoamérica.

McDonald se opuso a eso con las armas del artista, el lápiz y la pluma, y sus verdades incómodas pronto han sido silenciadas con la milimétrica eficacia con la que este tipo de golpistas silencian a los disidentes. Cuando he leído el mail no he podido dejar de recordar la figura de otro hombre de la historieta, el genial H.G. Oesterheld, desaparecido junto a sus hijas y asesinado por los golpistas argentinos a finales de los setenta. Su cuerpo todavía no ha aparecido.

Si el golpe tiene éxito y la comunidad internacional mira para otro lado, si Zelaya no vuelve a ocupar su puesto y pierde un referéndum supervisado por los organismos internacionales, si no hay unas nuevas elecciones democráticas y si McDonald se convierte en otro Oesterheld, quedará claro una vez más para vergüenza de todos que a pesar de las buenas palabras en Latinoamérica no pasa el tiempo presa de sus fantasmas y sus oligarquías.

Llámenme ingenuo. Tengo esperanzas. No a otro Oesterheld. Libertad para McDonald.

Página web de Allan McDonald, aquí.

(ACTUALIZACIÓN: Parece que McDonald y su hija han sido liberados gracias a la presión internacional. Menos mal).

Desde Dibbuks nos hacen llegar la noticia de su próxima novedad, la cual os ponemos a continuación.

Arthur de Pins es un ilustrador de Bretaña (Francia). Estudió artes decorativas en París. Ha hecho animación, caricaturas, cómics, posters, etc.
Trabaja principalmente como diseñador gráfico. Sus trabajos han sido portada de importantes revistas y libros, ha hecho campañas de televisión para marcas muy conocidas dentro y fuera de su país.

Además, sus dibujos picantes, cargados de humor, están en la mayoría de las websites comerciales de Francia dedicados a chicas.

Comenzó a publicar sus historias de Pecados Veniales en la revista Fluide Glacial y Max, cosechando grandes éxitos. La frescura y sensualidad de los dibujos de sus féminas contrastan con la claridad de ideas que demuestran con respecto a sus relaciones con el sector masculino (¡pobres ellos!).

Ahora Dibbuks edita en español sus dos primeros tomos en uno sólo. En breve también lanzaremos su libro Antikamasutra, con textos de la sexóloga Maïa Mazaurette, con la que también trabajo en el tercer y cuarto tomo (todavía inédito) de Pecados Veniales, cuyo título francés es Péchés Mignons.

Es el año 2017, y un virus en forma de plaga ha convertido a casi toda la humanidad en vampiros. Los pocos humanos que quedan son utilizados como alimento, y almacenados en ocasiones como simple ganado.

La raza humana está al borde de la extinción, su única esperanza, un grupo rebelde de vampiros que intenta encontrar una alternativa alimenticia para evitarlo.
La cinta esta al cargo de Michael Spierig y Peter Spierig y el reparto lo componen entre otros: Sam Neill, Ethan Hawke y Willem Dafoe.
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En principio estaba programada para el año pasado, pero hubo problemas con las distribuidoras, y se cancelo el proyecto hasta la fecha, se espera que su estreno se de a lo largo de 2010 en USA, para nuestro país aun no hay fecha prevista.

MENTES

Una sincronización tardía

de elementos recombinados

en frecuencias redundantes

malogra décadas de esfuerzo colectivo.
Pero los robots reinician

maquinalmente su trabajo

mientras las estrellas,

los fríos soles que alumbran su trabajo

giran sin percatarse de nada,

- o así lo quieren hacer entender-

sin preocuparse de nada más

que de cumplir

con su asignada tarea

que los antiguos dioses,

las ancianas deidades

decidieron que se realizaran.

Y así, en su maquinal esfuerzo,

los robots y cyborgs continuan

recombinando elementos,

sincronizando reacciones,

ensamblando frecuencias

sin pararse a pensar

que las luces que les iluminan

son designios de seres más allá

de la comprensión

de su reducido intelecto,

de sus cerebros sólo aptos

para sus asignadas tareas,

que sus antiguos creadores,

arcanos tecnomagos

decidieron que debían realizar.

Y así, dioses y hombres se confunden

en las limitadas mentes

de los seres mecánicos,

en las circunvalaciones

de sus artificiales cerebros,

maquinaria redundante,

sólo apta para su rutinario trabajo.

La sensación principal que me ha dejado la lectura de "Pierre", la primera parte de ?Ken Games?, la serie que supone su puesta de largo por todo lo alto de José Robledo y Marcial Toledano más allá de los Pirineos es de frustración. Y es que tras plantear con mimo y detalle una historia que es una reflexión sobre la mentira y que, en este primer álbum se centra en la caracterización de los personajes y el planteamiento de las tramas, queda claro que se ha acabado el álbum sin entrar en el meollo de del asunto y es que los autores, como buenos tahúres, tras repartir sus cartas nos la han jugado y se han quedado con todos los triunfos, dejando sin restpuesta los numerosos misterios planteados a lo largo de este primer acto. Les cuento.

?Pierre? es lbásicamente a historia de una amistad. La que une a Pierre y T.J, dos amigos que se conocieron durante sus estudios en la facultad de matemáticas y que, posteriormente, han emprendido exitosas vidas profesionales en la docencia y la banca, sin renunciar por ello a quedar de vez en cuando junto a Anne, la preciosa y dulce novia de T.J.. Hasta aquí, todo normal, sin embargo ninguno de los tres amigos dice la verdad y tras el velo de normalidad y triunfo aparente que se esfuerzan en transmitirse se encuentran inmersos en sus particulares y oscuros laberintos de mentiras que justifican en, más de un caso, más que dudosas ocupaciones reales.

Es de agradecer álbumes como este en el que los autores derrochan inteligencia, talento y ganas para ofrecer una historia que en ningún momento es lo que parece y se esfuerza en incomodar al lector acostumbrado a las previsibles reglas de los géneros. Y es que el tema central de esta serie es la mentira y los subterfugio en todas sus formas en una reflexión latente que envuelve toda la lectura del álbum y que alcanza su máxima expresión en el desarrollo de la historia que aparentemente Robledo nos presenta como un original ?slice of life? sobre un matemático metido a boxeador y que sólo conforme avanzamos la lectura va descubriendo su verdadero rostro, el de un ?thriller? opresivo y psicológico ambientado en esos submundos de garitos, buscavidas, hampones y mafiosos que tanto nos hacen disfrutar a aquellos que, salvo en la lectura, nos mantenemos ajenos a ellos. Y es que ?Ken Games? tiene alma de thriller psicológico pero sus autores con acierto dan a la historia, a la que no le falta ninguno de los elementos tradicionales ?sin privarse por ello de los homenajes y las referencias cinematográficas más o menos explícitas desde a clásicos como ?El Buscavidas? a títulos más modernos centrados también en el mundo de los buscavidas y el póquer como ?Lock&Stock? y, sobre todo, ?Rounders?- un aire novedoso y una voz propia que le sitúa por encima de otras propuestas más tópicas.

Precisamente, ese interés por buscar la originalidad y no resultar previsibles para el lector se hace extensivo al apartado gráfico en el que los autores y, en particular, un brillante Marcial Toledano, no escatiman esfuerzos para adecuar un dibujo preciosista y detallista en el que se perciben ciertas influencias del manga japonés a la historia planteada. Toledano ha asimilado algunos de los mejores recursos del cómic japonés para mantener la atención del lector y los ha adecuado sin ningún prejuicio y con toda naturalidad a la rígida y anquilosada estructura del álbum europeo para ganar espacio a la caracterización de los personajes, a las secuencias de acción y a la complejidad de la trama, un espacio que es estupendamente aprovechado por Toledano para lucirse en magníficas secuencias mudas en la que su dibujo lleva el peso de la narración y carga de crudeza y dramatismo a la historia, dándole un tono más duro y amargo. El álbum es rico en recursos propios del medio y es aconsejable una relectura del aficionado para demorarse en su análisis, pero los más evidentes son quizás los elegantes flashbacks en los que en una misma viñeta se nos describen el pasado sin abandonar por ello el hilo presente de la narración, el uso de las onomatopeyas y los escorzos para el tratamiento de la tensión o la deformación de las viñetas para reflejar la violencia y dinamismo de los combates pugilísticos. Es destacable también, el suave y premeditado uso de una paleta de suaves colores que junto al dibujo amable, naif, de Toledano contrastan con la sordidez de los ambientes en los que se desarrolla la mayor parte de la historia.

En fin, ?Pierre? nos presenta un equipo artístico maduro y llamado a hacer grandes cosas si les dejan en el mundo del cómic. Se trata de un cómic inteligente y entretenido pero que, como un ligue de una noche que te abandona en la boca del Metro, nos escamotea lo mejor. No se preocupen, por suerte, los autores nos han dejado el número de teléfono y la promesa de que las dos próximas citas serán mejores incluso que esta. Les tomo la palabra y yo no me las pienso perder. Luego se lo cuento. La edición de Diábolo pulcra y correcta en la buena línea de esta editorial. El blog de los autores, aquí.

(Buff?Lo que son los despistes. Ayer preparando la entrada de ?Joker? me di cuenta que no había subido el mes pasado la entrada dedicada a la última entrega de Planeta de ?Cien Balas?. Como ya la tengo escrita y todavía resulta vigente aquí se las dejo con mis disculpas).

¡Qué poquitas balas le quedan ya a esta colección! Y como se le nota, amigos, que el señor Brian Azzarello ya no sabe que hacer para estira la trama y llegar a la mágica meta que él solo se marcó de los cien números.

En ?Sucio?, el último recopilatorio que nos ofrece Planeta y que engloba los números 84 a 88 de la edición americana en una deficiente edición, resulta bastante patente que estamos ante un arco de transición hacia la traca final que nos tenga preparado el guionista como estruendoso fin de fiesta. ?Sucio? está formado por cinco episodios truculentos que no guardan ninguna continuidad entre sí más allá en ellos se describe con más o menos gracia ?es una forma de hablar- la eliminación de algunos de los personajes secundarios que aparecieron en distintos arcos de la serie o personajes que simplemente aparecen como elementos ambientales, que caracterizan la brutalidad de la cruenta guerra silenciosa entre las distintas casas del Trust y sus antiguos agentes, que se convierten en víctimas colaterales de su conflicto.

Queda poco de la atmósfera densa y oscura que respiraba esta serie en sus primeros arcos en los que Azzarello demostraba una enorme imaginación para crear situaciones en las que poner en entredicho la fragilidad de la moralidad humana, tentando a sus personajes con los maletines llenos de balas indetectables. Sólo queda realmente la carcasa en forma de los ambientes patibularios en los que se ha desarrollado la serie ? los hoteles de carretera, los bares de alterne, los casinos?- pero es evidente que la serie ha perdido fuerza y sólo continua por la inercia de unos personajes ambiguos, muy bien caracterizados. Esto se hace bastante patente en este irregular arco en el que, de una manera precipitada en la mayoría de los episodios si exceptuamos el primero, Azzarello simplemente se dedica a mostrar la crudeza y determinación de los antiguos asesinos del Trust, por si no nos habíamos dado cuenta en los ochenta episodios diferentes, y aprovecha para soltar lastre en forma de secundarios para lo que se avecine. Espero que el guionista nos tenga preparado un final acorde con lo que fue la primera mitad de la serie y abandone el camino que parece tomar en ?Sucio? por la violencia gratuita y fácil.

Si en este álbum da la impresión que Azzarello acusa más el desgaste conforme la serie avanza, el que mantiene el nivel como el primer día es un estupendo Eduardo Risso que con su labor hace de cada número una lectura que merezca la pena. Risso, un dibujante muy influido por su compatriota José Múñoz del que escribía el otro día, es capaz de recrear perfectamente los ambientes ideados por Azzarello y potenciar la carga dramática de las historias gracias a su habilidad para la composición y el encuadre, un narrador en imágenes superlativo capaz de hacer interesantes e inquietantes situaciones tan habituales como el que un tipo se tome una cerveza sentado en un banco un simple afeitado, logrando dotar al tiempo de mayor significado a los siempre ajustados diálogos de Azzarello. Si a la excelente labor de Risso añadimos el buen trabajo de la colorista Patricia Mulvihill que dota de mayor fuerza y crueldad a las brutalidades pergeñadas por Azzarello con viñetas con un enérgico contraste en rojo y negro estamos probablemente ante algunos de los episodios mejor dibujados de toda la serie que salvan la faena de aliño de Azzarello. En fin, un dibujante que su labor por sí sola justifica el seguir esta serie.

No quería terminar sin mencionar la cutre edición de Planeta que anuncia en la contraportada una introducción de Risso que no figura en el tomo, sustituida por un artículo de José Torralba, y una página remontada en la que han prescindido de los cuadros de texto de la edición original, sustituyéndolos por espacios en blanco. Una torpeza mayúscula que estropea la composición de página ideada por Risso y que esperemos no se vuelva a repetir en el último volumen de la serie.

En definitiva, ?Sucio? me ha parecido un arco irregular, salvado por un magnífico Risso, que debe servir de prólogo al último volumen que ha de poner el broche final a la serie. Esperemos que Planeta no se demore demasiado en su publicación y nos encontremos a un Azzarello a la altura y sus últimas doce balas sean las mejores.

Más ?Cien Balas? en El lector impaciente:

?Erase una vez un crimen?
?Corrupto?
Más obras de Brian Azzarello en El lector impaciente: "Joker", junto a Lee Bermejo.

Cimmeria I remember The dark woods, masking slopes of somber hills; The grey clouds' leaden everlasting arch; The dusky streams that flowed without a sound. And the lone winds that whispered down the passes. Vista on vista marching, hills on hills, Slope beyond slope, each dark with sullen trees, Our gaunt land lay. So when a man climbed up A rugged peak and gazed, [...]

Auspiciado por Dolmen Editorial, aparece un nuevo blog dedicado al mundo de los zombies, donde dar cabida a relatos centrados en torno a lo que será el mundo de Apocalipsis Island, una novela que se pondrá a la venta próximamente.

El blog se intentará ir actualizando sin falta de lunes a viernes, excepto festivos (aunque en la medida de lo posible se intentará cubrir también esos días).

A un clic más información gracias a los chicos de Dolmen Editorial.

El narrador y escritor ?oficial? será Tony Castle (del que os hablamos más abajo), aunque intentaremos incorporar otras firmas relacionadas con la editorial que aporten su visión y sus historias a este universo particular que hoy nace.

En el blog se nos irá narrando todo lo relacionado con los hechos que llevaron a la humanidad a sobrevivir a la que fue denominada como la gran plaga del Virus Parasitario Z del ADN, informándose de todo cuanto sucedió antes, durante y después de lo acontecido desde que apareció el VP-Z.

Las entradas irán saltando de un momento a otro del tiempo intentando narrar los puntos más importantes e interesantes relacionados con esta gran saga de la supervivencia de la raza humana. Habrá entradas narradas desde el punto de vista de alguno de los implicados, otras que narrarán en tercera persona algún evento? Todo con la idea de ir preparando la llegada del libro Apocalipsis Island centrado en la segunda oleada del VP-Z.

Tony Castle es el pseudónimo de un afamado editor de libros y revistas, al que Dolmen ha convencido para dirigir y coordinar el universo de zombies que está creando en torno a una idea. Tony lleva editando desde los 24 años hasta la fecha, aunque se tomará un respiro para poder llevar a cabo tanto las entradas diarias del blog como la novela sobre el mismo.

Castle ha escrito guiones de cómics, alguna novela, artículos de toda índole? aunque no ha sido hasta el momento cuando ha decidido dedicarse a jornada completa a los quehaceres del escritor, pasándose en el otro bando.

La elección de Dolmen de este autor viene dada por el aval literario del mismo, y por la seriedad que en todo momento ha demostrado a la hora de ejercer profesionalmente su labor. Al margen está su devoción por el género de zombies.

Al autor le gustaría de paso disculparse de antemano por el estilo literario del blog, ya que puede que la obligación de actualizarlo a diario pueda redundar en una disminución de la calidad del mismo. Se hará, de todas formas, lo posible por que así sea, y confía en su editor en Dolmen a la hora de evitar que esto pueda suceder en la novela.

El pasado jueves 25 murió un hombre para que naciera una leyenda.

Michael Jackson falleció a sus 50 años, pero dejó una carrera llena de éxitos y excentricidades que no dejaron a nadie indiferente.


Era la noche del 25 de Junio de 2009, una ambulancia recibía una llamada desde Holmby Hills, Los Ángeles, procedía del domicilio de Michael Jackson.
El cantante llegó al hospital en estado de coma profundo, y los médicos no pudieron hacer nada para salvar su vida. El Rey del Pop había muerto

La repentina muerte de Jackson ha conmocionado la opinión pública desde que se supo la noticia, levantando una gran polvorera sobre la que los forenses continúan arrojando luz para esclarecer las causas reales de su muerte mediante autopsias.

Si algo ha determinado la extensa carrera de Jackson, artista que se familiarizó con los escenarios a la temprana edad de 4 años, ha sido la cantidad de extravagancias cometidas, sobre todo durante el desenlace de su carrera.
Quizá podría catalogarse como un caso más de ese síndrome padecido por las grandes estrellas que abrumadas por sus logros acaban convirtiéndose en víctimas de su propio éxito, ya que fuera del plano estrictamente musical, Michael Jackson no llevó una vida precisamente ejemplar, si no más bien sesgada por una serie de extraños episodios que se acercaban más a la conducta de alguien desequilibrado que a la de una persona cuerda.
Incluso cierta ocasión que todos conocemos, y que no citaré en estas líneas por lo escabroso del asunto, pudo costarle unos añitos a la sombra. Por estos motivos Jackson se ganó tantos detractores como adeptos había cosechado con su música.

Pero fuera de su vida privada (si es que se pudiera calificar así) y sus cuestionables hábitos, centrándonos solamente en su música, podríamos estar hablando de uno de los músicos más populares de la historia, desde los comienzos con sus hermanos formando la banda ?Jackson five? con los que grabó en torno a una veintena de discos, hasta sus últimos trabajos en solitario, pasando por el archiconocido ?Thriller?, ha marcado un antes y un después. La verdad es que nos ha dejado canciones famosísimas como son ?Billy Jean? o la propia ?Thriller? además de su eléctrica forma de bailar, con pasos como el ?Moonwalker? por ejemplo, al que tantos imitadores le han salido con más o menos acierto.
Tampoco pasó desapercibida la peculiar estética con la que estábamos acostumbrados a verle, por no hablar ya de su extraño cambio de tonalidad.

Todo este compendio de cosas debe de ser el culpable de que más que un nombre propio escrito en los anales de la música, y en general en la historia, se haya convertido en una leyenda, una leyenda a la que millones de fans en todo el mundo lloran y recuerdan por haber puesto banda sonora a una época.

Me parece a mí que pocos personajes ha dado el cómic de superhéroes tan agradecidos como el Joker, la némesis de Batman. Un personaje que bajo su apariencia cómica y, hasta cierto punto, inocente (al menos en sus inicios) esconde una mente psicópata y mortal, obsesionada con el hombre murciélago y sin el cuál Batman no habría llegado a convertirse en el icono que actualmente es hoy. Joker es la locura encarnada, los miedos primigenios y la perversión de la inocencia pueril que el payaso evoca para la mayoría, un personaje lleno de matices que debería ser el sueño ?o la pesadilla- de cualquier guionista de cómic que podría hacerle protagonista de sus más irreales barrabasadas contando con la licencia ?y el aplauso, presumo- del público y la crítica. Por todos estos motivos, no entiendo como un tipo al que presumo tan agudo como Brian Azzarello, guionista estrella en la última década y según recoge la biografía del tomo ?uno de los mejores 10 guionistas del medio según la revista Wizard?, ha desarrollado un cómic tan tramposo y mediocre.

Azzarello en esta historia en la búsqueda de dotar al personaje de una verosimilitud que no precisa lo mutila y empobrece convirtiéndolo en esta historia en un mero hampón que pugna por el control de su porción de los bajos fondos de Gotham tras ser dado de alta ?por motivos nunca explicados en el cómic- del asilo de Arkham. Azzarello nos narra la historia a través de un narrador interpuesto, Jonny Frost (un personajes ?nuevo?en el universo batman a medio camino en apariencia a John Constantine y el Elijah Snow de ?Planetary? pero carente del carisma de uno y otro) un perdedor convertido en una especie de asistente personal de Joker. A través de su narración interpuesta, seremos testigo de los enfrentamientos y alianzas de este con otros conocidos enemigos de Batman como el Pingüino, Harley Quinn, Killer Croc, Acertijo o Dos Caras, en una historia que Azzarello construye en el registro que mejor domina, el ?hard boiled?, pero que se queda corto a la hora de reflejar la complejidad del protagonista de la historia, reduciéndose finalmente a transitar por caminos que ya han visitado otros previamente. Me da la sensación que Azzarello se ha limitado a realizar un trabajo de aliño con el que no ha llegado a implicarse realmente, quedando bastante lejos de sus obras más personales. Apoyado en sus diálogos de prestidigitador y en su dominio del género negro ha pretendido recrear un Joker ?realista? y sucio al supuesto gusto de los lectores -y espectadores- del nuevo milenio pero, en esta ocasión, los diálogos se pierden en fintas que no llegan a ningún sitio y el ?thriller? no aporta gran cosa, quedando la historia en una mera anécdota en la trayectoria de un personaje con más de setenta años a sus espaldas.

En el aspecto gráfico, en cambio, me ha gustado el trabajo de Lee Bermejo, un dibujante tenebrista y oscuro que ya destacara en ?Hellblazer? que otorga un gran protagonismo a las localizaciones urbanas que la historia agradece, recreando una Gotham opresiva y peligrosa en la que los siniestros protagonistas se mueven con toda comodidad. Me parece muy acertada la versión remozada y moderna que ofrece de algunos de los enemigos clásicos de Batman (no sé hasta que punto la versión del Joker es creación propia o viene influida por la interpretación de Heath Ledger en la película de Nolan) y los hampones que pueblan la historia. Personajes siniestros y perdedores que irradian maldad a través de las arrugas de su expresión. Bermejo se ve muy bien secundado en su labor por Mick Gray, un gran entintador que dota de peso sus dibujos y les dota de una mayor presencia.

En fin, ?Joker? de Azzarello y Bermejo es un cómic correcto, que no responde a las expectativas renovadoras generadas, intercambiable por alguno de los peores episodios de ?100 Balas? y que no marca la diferencia respecto al personaje al que convierte en un mero émulo de cara blanca de Tony Montana. En cuanto al equipo artístico, Azzarello ha confirmado mis sospechas de que es un guionista bastante sobrevalorado que esconde bajo sus impactantes diálogos cierta incapacidad para cambiar de registro en función de la historia que está contando encasillándose conscientemente en el thriller mientras que Bermejo es un dibujante interesante a seguir. Un cómic sólo recomendable para completistas de Batman. La edición de Planeta me parece correcta

Otros cómics de Brian Azarello en El lector impaciente.

?100 Balas?, junto a Eduardo Risso.

Antes de que lo conociéramos como persona de carne y hueso, fue, para mi generación, que fue la suya, un personaje de dibujos animados, un niño de pelo de seta y nariz chata que cantaba en la tele, por las tardes, aquello de “One, two, three” apoyado por otros cuatro niños muy parecidos a él, aunque en escalas, corporales y musicales, diferentes. Michael Jackson, la estrella infantil del nervioso grupo del pop negro, los Jackson Five. Luego creció, pero al contrario que a Joselito, no le cambió la voz, sino el alma (el soul), e inició una carrera en solitario donde se inventó tanto a sí mismo que revisar ahora no ya su admirable discografía, sino los vaivenes de su aspecto físico, hacen que nos parezca estar ante un efecto especial de morphing, como él mismo ensayó en aquel videoclip que hizo historia del medio y los ochenta, “Thriller”.

Nos acojonó mucho con aquel cortometraje de miedo donde Vicent Price ponía una voz surgida de sus adaptaciones de Edgar Alan Poe y un grupo de zombies se movía a un ritmo frenético, tan imitado luego, tan inimitable. El disco más vendido de la historia del pop, que se dice pronto, y que causó, como la belleza de Florencia a Stendhal, el nombre a un síndrome: el síndrome de Thriller, o la imposibilidad del ser humano de éxito, tan joven, de superar la gloria de su propia obra.

Entra ahora en la leyenda, Michael Jackson, tras una vida breve salpicada de extravagancias y de escándalos. Se le quemó el pelo y la cara rodando con Francis Ford Coppola una película en 3-D, Captain Eo, y desde entonces su gusto por el disfraz y la transformación, del que el mismo Thriller era epítome con su paso de teen a hombre lobo a zombie a hombre pantera, ya no fue sólo un capricho, sino una necesidad impulsiva. Se cambió la cara y la tez y por un momento pareció tener la belleza de los personajes de los cómics que tanto le gustaban, pero la degradación de su físico, y quizá de su psique, fue imparable. Los tabloides lo acosaron, él dio pie a rumores con su compra del esqueleto del Hombre Elefante, su mono mascota, su disneylandia particular. Le llamaron el rey del pop y, como cumpliendo una norma dinástica, hasta se llegó a casar con la hija de Elvis, un matrimonio que no duró, porque Michael Jackson siguió llevando adelante quizá hasta el jueves por la noche el juego de ser Peter Pan. Como el propio Elvis, quizás, ha muerto, en una mansión solitaria que se comían las deudas, a la espera de relanzar una carrera que ahora, lejos ya los juicios y las acusaciones no demostradas, tendrá que ser juzgada por lo que fue.

Michael Jackson, la última estrella del pop, de los medios de comunicación de nuestro tiempo. Bello, fugaz, degradado, genio. A su voz de chocolate y miel, a sus movimientos de primer mutante del futuro, le acompañó siempre un sentimiento de soledad y de impotencia. Hizo canción denuncia revistiéndola de ritmo, abogó por la paz mundial, quiso acabar con el hambre en África, denunció la violencia y cantó con sentimiento a la muerte por cáncer de un chiquillo. Fue mucho más que un monstruo de feria, el último mito, un niño perdido que, por fin, quizá tenga ya su hueco en la última estrella del cielo, a la derecha.

Publicado en La Voz de Cádiz el 29-06-2009

Moonwalker

Año: 1988
Director: Jerry Kramer, Jim Blashfield, Colin Chilvers
Reparto: Michael Jackson, Joe Pesci, Sean Lennon
Distribuidora: Warner Bros.

Con la triste noticia del fallecimiento del cantante Michael Jackson, queremos dedicar la crítica de esta semana a su película musical aparecida en el mayor auge de su popularidad.

Es extraño el motivo por el que esta película fue realizada, probablemente motivada por las excentricidades del artista (ya sabeis que quien paga manda). En realidad es bastante difícil de explicar el argumento, ya que es igualmente excéntrico, y no se sabe muy bien si catalogarlo de musical o de bizarrada sin sentido con música de por medio.

La película se inicia con Jackson cantando en directo Man in the Mirror, mientras aparecen imágenes de líderes históricos como Gandhi o Martin Luther King. Tras ello, una retrospectiva de la vida de Michael Jackson en imágenes y canciones desde sus inicios en los Jackson 5 hasta su gira Bad, en la que estaba embarcado en ese momento. Esta parte de humildad y poco ego se alarga hasta 20 minutos, como intentando llamar nuestra atención por no ser suficientemente famoso mundialmente.

Baddest es la siguiente parte de la película, en la que un grupo de niños toman el papel de Jacko y los bailarines del videoclip Bad. Una parte muy corta que empalma con la siguiente, en la que Jacko escapa de un grupo de fans (creados con clay animation) y termina él mismo convertido en una animación, para terminar la escena cantando (para variar).

Los niños en el videoclip parodia Baddest.

La siguiente parte es un videoclip de Leave Me Alone, en el que Jacko hace una parodia de la prensa amarilla que no paraba de hablar de su vida privada, incluso de inventar historias que, total, como era Jackson, podían colar por muy extravagantes que fueran. Cosa que se va viendo durante el mismo. A continuación, la parte fuerte. Joe Pesci entra en escena como un malvado llamado Mr. Big que planea meter a todos los niños en las drogas, hasta que Jacko le descubre y se ve obligado a huir de sus matones armados. Para ello contará con... sus poderes de transformación en coche (no, no bromeo) y su capacidad para convertirse en Supermecha RoboJackson (?), para terminar en un garito que estaba abandonado (pero ya no, exigencias del guión) y marcarse un videoclip de Smooth Criminal para quitarse el sombrero (en otras palabras, el mejor y el único buen momento del film. Y lo digo sin ser fan de Jacko).

El filme termina con la última parte, Jackson haciendo una versión del tema beateliano Come Together, con Sean Lennon (hijo del Beatle de mismo apellido) en escena.

Michael Jackson durante el videoclip de Smooth Criminal.

Como película, demasiado rara para hacer una valoración al respecto. Sin embargo, puede servir como retrato de lo que pasaba por la cabeza del excéntrico personaje que fue Jackson. Si os interesa, podéis ver el videoclip de Smooth Criminal aquí.

Primer día de curso, hará unos veinte años. Ya había aprendido que es el día en que el profesor se la juega, cuando hay que entrar con la Marcha Imperial de sonido de fondo, no vaya a ser que a los alumnos les de por tocar por su cuenta el aleluya de los ewoks.

Después de un par de años en exclusiva con los cursos superiores, aquel año me encargaron dos clases de primero de BUP (que traducido resulta tercero de la ESO), y por lo pronto me sorprendió lo pequeñitos e infantiles que eran los alumnos. Daba lo mismo, yo a lo mío: bla bla bla, este año tenéis que hacer esto y esto y lo otro, y la evaluación será así y asá y de aquella manera, y ya tenéis edad para comprender que esto no va a ser un paseo militar y la nota es lo importante y pitos y flautas y aquí vais a tener que sudar la camiseta. Como el sargento de hierro, pero sin tanto taco.

Y entonces, mientras yo sigo charla que charla, una mosca me empieza a rondar; el inconveniente de iniciar las clases en septiembre, en pleno veranillo del membrillo, veranillo de San Miguel o verano indio. La mosca, imbécil como todas las moscas, no se percata de que está molestando. Vuelve a la carga, me zumba cerca. Durante un momento me siento como el conde Ja-Ja de los tebeos del Capitán Trueno.

No intento espantarla, pero me sigue rondando, zumba que te zumba. Y entonces veo que todo el estudiado discurso acojonante se me va a ir a hacer puñetas, porque los alumnos sonríen ante la incomodidad que siento.

Lanzo la mano al aire, sin mover otro músculo, y por pura potra la mosca queda dentro de mi palma. A la primera. Sin palillos chinos ni nada. Sigo hablando como si tal cosa, me levanto, abro la ventana, echo a la mosca, todavía viva, al patio, cierro la ventana, me siento y continúo mi discurso. Las sonrisas de los chavales se han convertido de pronto en una o repetida de sorpresa.

A partir del día siguiente, ya pude dejar la Marcha Imperial de fondo y dedicarme, sí, al aleluya ewok.

Me lo comenta el amigo Andoni y voy corriendo a página de Classic Comic Press a comprobarlo. El año que viene empezarán la publicación de Big Ben Bolt, la magnífica tira boxística de John Cullen Murphy y Elliot Caplin.

A por ella.

¿Alguien sabe ruso? Porque a juzgar por el trailer esta película rusa de incierto título, tienen una pinta espectacular. A juzgar por las imágenes estamos ante una historia de ciencia ficción con altas dosis de acción rodadas con delicadeza y una manufactura impecable. Por lo que he podido averiguar, la película adapta una novela de Vasilly Golovachev (quién también se encarga del guión) en la que un agente secreto que transporta una poderosa arma psíquica es traicionado por su compañero quién lo deja por muerto. El prota pretende rehacer su vida asumiendo una nueva identidad pero cuando se ve obligado a volver a Moscú se convertirá en el principal objetivo de una misteriosa organización.

En fin, una película con una pinta estupenda que seguramente no veremos estrenada por estos lares. Si alguno se entera de algo más, que avise.

Para esta ocasión de Las 10, he elegido al conocido historietista Albert Monteys. Es uno de los más populares dibujantes de El Jueves, donde realiza la series ¡Para tí que eres Joven! (en colaboración con Manel Fontdevila) y Tato, y frecuentemente participa realizando páginas de actualidad, aparte de ser el director de la revista.

En el Salón del Cómic de Barcelona de 1994 ganó el premio al mejor fanzine por el Cómic Mondo Lirondo y en 1997 ganó el premio al Autor Revelación por el comic-book Calavera Lunar (por el que también estuvo nominado a Mejor Obra y Mejor Guión). Albert, aparte de trabajar en El Jueves, también ha realizado cómics y cuentos infantiles en la revista infantil catalana Tretzevents.

1. Un Lugar: Barcelona.

2. Una Comida: Tortilla de patatas, el huevo crudo.

3. Un Defecto: Soy un puto vago, aunque a veces no lo parezca.

4. Una Película: El Willy Wonka de Mel Stuart, del 71.

5. Un Hobby: Mi hobby es mi trabajo, y eso no suele ser bueno.

6. Una Bebida: Coca-Cola muy fría y sin gas.

7. Un Sueño: Trabajar menos!

8. Un Recuerdo: Cuando tenía 6 años un perro quiso matarme. Es lo primero que me ha venido.

9. Una Frase: "Estos son mis principios, si no le gustan tengo otros" de Groucho.

10. Un Personaje: Larry David

Esto no es una crítica (aunque podéis leer una aquí), más bien son unas cuantas ideas que me vinieron al ver la película Los mundos de Coraline y sus parecidos más que evidentes con la historia de otra niña que descubrió un mundo de locura.

A un clic hablamos de Alicia, Coraline y avisamos que hay algún pequeño spoiler.

Hace poco ha llegado a los cines Los mundos de Coraline (también Coraline and the secret door) que se basa en la conocida obra de Neil Gaiman, autor de elogiada The Sandman a la que se considera de las mejores series en el mundo del cómic.

Dos niñas y un mundo de fantasía.

Coraline es una niña que vive atrapada en un mundo gris, hasta que de pronto llega a un maravilloso lugar donde sus fantasías pueden ser realidad, un lugar al revés en el que la locura es la moneda de cambio habitual y las pesadillas se han transformado en maravillosos sueños.

Es inevitable, al menos en mi caso, ver un parecido más que razonable con otra jovencita que llegó a un mundo de fantasía que no se parecía a nada que hubiera conocido antes. Alicia, la creación de Lewis Carroll, ya había traspasado las barreras entre los mundos y dejado atrás una vida que no le gustaba para llegar a un lugar donde nada era como ella conocía. Las aventuras subterráneas de Alicia (primera versión y título que se cambiaría), Las aventuras de Alicia en el país de las Maravillas y Alicia a través del espejo y lo que Alicia encontró allí (además de The nursery Alice, que fue una revisión hecha por el propio autor y dirigida a niños de hasta cinco años) son las aventuras que protagonizó esta jovencita inspirada en una niña real y en las historias que el creador contaba a ella y sus hermanas.

Pero empecemos por el principio y vayamos viendo las similitudes. La primera, y más evidente, es que Coraline y Alicia son dos niñas aparentemente de una edad similar, un buen comienzo ya que la historia no tendría la misma fuerza de ser el protagonista alguien ya adulto.
Coraline llegará a ese nuevo mundo a través de una pequeña puerta para la que necesitará una llave especial al igual que le sucede a la pequeña Alicia, no en vano una de las imágenes promocionales de la adaptación que hará Burton de la obra de Carroll es Alicia y de fondo podemos ver cerraduras ya que es uno de los elementos característicos de la obra. Igual de importante es la madriguera por la que caerá (al perseguir al conejo blanco) y que encontramos una gran semejanza con el pasadizo por el que llegará Coraline al mundo de ensueño y pesadilla en el que comenzarán sus aventuras.

Gemelos, gatos y otros personajes de locura.

Además de la idea (una niña que llega a un mundo fantástico y loco) o referencias espaciales hay que decir que en algunos personajes se pueden encontrar también parecidos más que razonables. Ya hemos comentado el caso de la protagonista, que en ambos casos vemos como hija única (a pesar que Alice Liddell, la niña de verdad, si tenía hermanas) pero si seguimos revisando nos encontraremos con una pareja de hermanas bastante extravagantes y que la madre de la protagonista dice que están locas, al igual que los extraños Tweedledum y Tweedledee de Alicia a través del espejo (o Tararí y Tarará en algunas traducciones españolas). Estos dos hermanos aparecieron por primera vez gracias a las tintas de Byrom aunque que encontraron la fama a raíz de su encuentro con Alicia y el grafismo de John Tenniel mantienen una relación muy similar a la que Miss Spink y Miss Forcible tienen en la película de Coraline. Una pareja de hermanas (o amigas, realmente no terminé de tener ese dato del todo seguro) que aunque es evidente que se tienen un gran aprecio siempre terminan discutiendo y peleando, al igual que los hermanos gemelos de Alicia a los que llegamos incluso a ver pelearse por un simple sonajero.

Siguiendo con los personajes tenemos que pararnos en el gato que bebe del Gato de Cheshire con sus diálogos casi filosóficos y que ayudan a comprender (es un decir) el mundo de locura en el que Alicia se encuentra y lo mismo sucede con Coraline, que encontrará en el gato negro una ayuda más que importante ya que en parte es responsable de salvar su vida al igual que Cheshire con Alicia cuando la condenan a ser decapitada. A lo largo de la película el parecido se va haciendo cada más y más cercano (además de ser el único personaje, junto a la protagonista, que habita en los dos mundos) hasta llegar al momento en que entra por el hueco de un árbol muerto y mientras el resto de su cuerpo aparece por otro situado en otro lugar.

La reina, esa malvada bruja.

Y llegamos al personaje de la reina (La reina de corazones en la primera aventura de Alicia y la reina roja en la segunda) que es el antagonista de la jovencita, si es que podemos considerar que realmente hay alguno en las historias de Carroll, y que encontraría su contra partida en la otra madre a la que debe hacer frente Coraline mediante un juego, al igual que Alicia lo hará con el cricket o el ajedrez en A través del espejo.
La otra madre igualmente se asemeja a la típica bruja de cuentos infantiles que persigue a los niños para comérselos (en concreto su vida, como nos cuentan en la película) que hemos visto en mil y un relatos, aunque curiosamente no hay una réplica exacta en Alicia, seguramente por que Carroll desarrolló el libro como entretenimiento para unas niñas y no con intención de asustarlas (a pesar de ser matemático y usar unos increíbles juegos de palabras) o avisarlas de peligros.

Han pasado más de 100 años desde que Alicia viera publicadas sus aventuras en 1865, pero está visto que la sombra de Lewis Carroll es alargada.

En principio, es un libro interesante para seguir la evolución de lo que hoy en día conocemos como Ciencia Ficción. Además, el editor, Francisco J. Arellano ha intentado en la medida de lo posible alejarse de los convencionalismos y no publicar los mismos autores y relatos que podemos ver en este tipo de "antologías". También es reseñable que empiece el libro con relatos de finales del siglo XIX (1867), y acabe a principos del siglo XX (1919). Entre los autores que más nos sonaran: Ruyard Kipling, Emilio Salgari, Albert Robida, Jack London, Guy de Maupassant, Ray Cummings, y alguno más. Pero de estos autores, tal vez los más conocidos, no siempre lo son por sus relatos de "Ciencia Ficción", sino por otras vertientes de la literatura (tomemos como ejemplo a Jack London o a Emilio Salgari). El libro contiene 16 relatos, que abarcan como ya he comentado desde 1865 hasta 1919, además de bonitos grabados en blanco y negro que a veces eran los que acompañaron a sus ediciones originales, y otras veces grabados antiguos con tema relacionado con el cuento al que acompañan en esta edición. También contiene un prólogo del editor, y un comentario final, a modo de epílogo, comentando las ausencias de las que pudiera adolecer el libro. Bien, cuentos de ciencia ficción antigua... se nos plantean aquí dos "problemas";

- La ciencia ficción antigua (incluso aún remontándonos a los años 50/60 del pasado sigloXX) era en demasía descriptiva y explicativa. A menudo necesitaban de un personaje al que explicarle las cosas, para así trasladar esa información al lector.
Como he comentado en otras ocasiones, la información debería ir apareciendo durante el transcurso de la acción, y no en grandes bloques en forma de explicaciones. Eso es algo que sucede en muchos de los relatos aquí reunidos.

- Y que como ejercicio de "arqueología" puede resultarnos interesante. Incluso como completismo. Pero evidentemente, todo lo publicado aquí está superado, son cosas que a los lectores de CF nos resultará muy, demasiado... ¿añejo? (y a los no lectores de este tipo de literatura, no creo que les empiece a interesar leyendo este libro).

De todas maneras, mi crítica no va a ser negativa; hay un puñado de buenos relatos, el problema reside en que se ha querido remontar tanto, que cuesta entrar en el libro, debido al primero de los problemas que he comentado. Pero una vez entramos, aunque sean cosas que nos suenan ya de tiempo, o que creamos superadas, encontramos un puñado de buenos relatos que nos harán pasar unos buenos ratos. No voy a decir cuales me han parecido mejores, ni cuales peores. Tampoco su fecha de publicación nos dá idea de cual puede ser mejor ni pero, así como tampoco el nombre de sus autores. Como digo, aunque parezca lo contrario por mis primeras líneas, es un libro con el que a medida que lo lees, te va enganchando y acabas recordándolo con agrado.

Contenido del libro:

• Prólogo, de F. J. Arellano
• Reflumen Temporis, de Camille Flammarion (1867)
• La Batalla de Dorking, de Sir George T. Chesney (1875)
• Un Drama Interastral, de Charles Cross (1872)
• Las Ruinas de parís en el año 4875, de Alfred-Louis-Auguste Franklin (1875)
• El Hombre de Marte, de Guy de Maupassant (1889)
• La Condenación de Londres, de Robert Barr (1892)
• Una Realidad, de Ruyard Kipling (1893)
• A la Conquista de la Luna, de Emilio Salgari (1893)
• El Fin de los Libros, de Octave Uzanne y Albert Robida (1895)
• El Monstruo del Lago LaMetrie, de Wardon Allan Curtis (1899)
• Una Reliquia del Plioceno, de Jack London (1904)
• Si Napoleón hubiera ganado la batalla de Waterloo, de G. Macaulay Trevelyan (1907)
• El Cometa Halley, de Enrique Mauvars (1911)
• La Última Guerra, de Amado Nervo (1906)
• La Isla Amiga, de Francis Stevens (1918)
• La Chica del Átomo de Oro , de Ray Cummings (19199
• Ausencias (epilogo, de F. J. Arellano).

Editorial Páginas de Espuma. Colección Voces Clásicas. Edición Noviembre 2003 Edición de Francisco J. Arellano. 328 páginas

Le tenía muchas ganas a esta nueva entrega de ?El marqués de Anaon? ya que tras la lectura del último álbum me había parecido percibir cierto síntomas de acomodamiento por parte del equipo artístico en una fórmula de éxito pero de la que pocas sorpresas se podía esperar. Curiosidad por comprobar si nos íbamos a encontrar con un cómic aseadito o un tebeo realmente currado y que mereciese gastarse los catorce euros del ejemplar en la edición de Norma Editorial. Bien, pueden estar tranquilos, porque tras leer ?La Cámara de Kéops? les adelanto que estamos ante una de las mejores entregas de la serie que es sin duda el mejor cómic de época que se está publicando actualmente en el país vecino. Les cuento.

¿Qué haces si repentinamente recibes de un generoso benefactor que no conoces de nada en herencia una fortuna? Probablemente, sonreír, dar las gracias y disfrutar de tu buena suerte. Sin embargo, si el agraciado es el curioso señor de Poulain, popularmente conocido como Marqués de Anaon, la herencia no se convierte más que en el cebo para resolver el misterio que envuelve a la figura de Umberto Leone. Un misterio que trasladará a Jean Baptiste al misterioso y exótico Egipto del siglo XVIII siguiendo los pasos de Leone y le convertirá en el centro de un mar de intrigas del que le costará salir con vida. ¿Descubrirá Jean Baptiste el tesoro de Keops?¿Descubrirá el secreto que llevó a Leone a abandonarlo todo para viajar a Egipto?¿Encontrará el amor? Tendrán que leerse el tebeo, amigos.
El guionista Fabien Vehlmann y da un paso adelante al cambiar completamente el escenario en el que se desarrollan las historias de la serie. Si hasta ahora, todas las aventuras habían tenido lugar en Francia (o en el mar) en esta ocasión la acción se traslada al misterioso Egipto del siglo XVIII en una historia plagada de misterios perfectamente dosificados para que el lector no pueda dejar de leer hasta el final del álbum. Creo que Vehlmann se ha liberado del peso que le suponía en anteriores entregas explicar datos del pasado del protagonista de modo que ha contado con más espacio para desarrollar una historia más rica y compleja que, salvando las distancias, me ha recordado a las protagonizadas por ?Tintin?. Y es que, en cierta medida, Jean Baptiste Poulliere es un Tintin del siglo XVIII y en la posibilidad de ir haciendo viajar al personaje por el mundo -como hizo Hergé con Tintin- va a radicar en mi opinión el éxito de los próximos álbumes. Vehlmann escribe una historia muy entretenida a la que no le falta de nada y a la intriga y los supuestos elementos sobrenaturales marca de la serie sabe añadirles los toques de humor y erotismo justos para hacer la historia sea apta y atractiva para el más exigente lector.

Pero si Vehlmann realiza en este álbum uno de sus mejores trabajos lo mismo se puede decir del que es para mí el máximo atractivo de la serie, el dibujante Mattieu Bonnhomme, quien supera el ya alto nivel mostrado hasta el momento, recreando el encanto y misterio que se le supone al Egipto antiguo. Se nota que Bonnhomme se ha encontrado muy cómodo ante el reto de describir este ambiente exótico y demuestra un cuidado estudio de la época que se plasma en la cantidad de detalles que incorpora en cada viñeta. Sin embargo, Bonhomme en ningún momento recarga sus composiciones y se muestra muy consciente de mantener el hilo narrativo de la historia en todo momento. Para un guionista debe ser una delicia trabajar con un dibujante como él ya que le permite centrarse únicamente en los diálogos de la historia sin necesidad de caer en redundancias explicativas de ningún tipo. En el aspecto gráfico, no hay que olvidar tampcoo la labor de Delf quien maneja perfectamente la paleta de colores para dar en todo momento con el matiz justo que los cambios de ambientación requieren en la historia, complementando estupendamente el dibujo de Bonhomme.

En definitiva, los que ya seán fieles seguidores de las andanzas de ?El marqués de Anaon? se van a encontrar con el mejor álbum de la serie. Y los que todavía no hayan disfrutado de sus aventuras no deberían dejar pasar la oportunidad de disfrutar de una estupenda aventura autoconclusiva de una de las mejores parejas artísticas del actual cómic europeo. La edición de Norma correcta.

Otras entradas de El lector impaciente dedicadas a ?El Marqués de Anaon?:

?La isla de Brac?
?La virgen negra?
?La providencia?
?La Bestia?

Manual práctico del amigo imaginario (abreviado) Dirigido por Ciro Altabás Guión de Iñigo Díaz-Guardamino y Ciro Altabás Interpretado por Luis Larrodera, Christian Sampedro y Ana del Arco Producido por Ciro Altabás y RETROproducciones

El Capitán Kilotón es el amigo imaginario de Fernando Hinojosa, quien con 27 años sigue necesitando de su compañía. Sin embargo, la llegada de Iratxe, un amor platónico de la infancia de Fernando hará peligrar tan sólida amistad y Kilotón hará lo que sea para no perder a su amigo real.


Ciro Altabás, uno de los realizadores de cortometrajes con más talento que han debutado en el último lustro es el responsable de un corto que, siguiendo la línea de la "comedia friki" que inició con el imprescindible y genial DVD, va un paso más allá en lo formal para hacer un sincero retrato sobre la amistad y el miedo a perder a los amigos. Y es que en Manual práctico del amigo imaginario (abreviado) el cineasta potencia todavía más su acostumbrada habilidad para retratar los sentimientos y motivaciones de unos protagonistas que, a pesar del halo de comedia con el que está envuelta la historia, destilan una muy tangible amargura y poseen tal cantidad de matices que se nos muestran como muy humanos, pese a no serlos. Muestra de ello es el Capitán Kilotón, soberbiamente interpretado por un inspirado Luis Larrodera, un ser capaz de ser el mejor amigo que cualquier persona pudiera tener... pero que se va transformando en un ser egoísta capaz de cometer actos reprochables cuando ve que alguien "hostil para él" se adentra en su territorio. En efecto, el tratamiento de los personajes es impecable y sus responsables logran hacer que algunos que apenas intervienen durante unos segundos, como el Sr. Conejo, se ganen las simpatías de los espectadores y se hagan bastante populares.

La historia, dejando de lado su parte surrealista, está narrada de una forma muy clásica que nos retrotráe a los grandes clásicos de la comedia americana de mediados del siglo pasado y no sería raro encontrarse con Cary Grant, James Steward o Rock Hudson en cualquiera de sus escenas. Pues su guión, el estilo narrativo, la fotografía o esa excelente banda sonora a cargo de José Sánchez - Sanz interpretada por la The Bulgarian Symphony Orchestra, no hacen sino recordarnos a los grandes clásicos del cine.

Manual Práctico del Amigo Imaginario (abreviado) from Ciro Altabás on Vimeo.

Por su parte, el reparto hace un trabajo muy aceptable y además del ya mencionado Luis Larrodera, cabe destacar la interpretación de Christian Sampedro, perfecto en su papel de joven apocado que, a sus años, sigue necesitando de la ayuda de un amigo imaginario.

Solo queda por decir que disfrutéis del corto, si todavía no lo habéis visto y a esperar qué otra pequeña joya del cine en formato pequeño nos regala próximamente Ciro Altabás.

Texto de José Luís Mora.

¡No! No puede ser. Es real. ¡Yo soy real! No soy un personaje de ficción que vive dentro de una historia. Madman, el loco, la mezcla extravagante, la fusión inquieta, la duda existencial? Michael Allred es la expresión del pop art en el cómic elevada a la enésima potencia. Sus raíces, sus influencias, su bagaje se retrotraen [...]

Vamos a reconocerlo (y quien diga lo contrario es un mentiroso) el Zorro es un personaje genial; seductor, elegante, defensor de los débiles, siempre vestido de negro? seguro que somos muchos los que nos contamos entre sus fans y los que adoramos la primera adaptación al cine de la mano de Douglas Fairbanks; entre todos habría que destacar a uno en concreto y este no es otro que Bruce Wayne, el Misterioso justiciero de Gotham City llamado Batman.

Cualquier lector seguidor del personaje sabe bien como esta película es la que inspiró al cruzado de la capa a convertirse en lo que es hoy tras el asesinato de sus padres? pero ¿y si el Zorro decidiera que Gotham necesita un nuevo protector? ¿Cómo reaccionaría Batman cuándo el ídolo de su trágica infancia comienza a compartir las noches de vigilancia?


En Batman: Espadas nos encontramos que en la ciudad Gótica que Batman protege comienzan una serie de robos que no logra detener y es en ese momento cuando hace su aparición el Zorro? o mejor dicho El Caballero, como se hace llamar este luchador con máscara, espada y elegancia, prometiendo que donde el hombre murciélago ha fallado, el triunfará y logrará resolver los misteriosos crímenes que asolan la urbe.

Poco a poco este nuevo justiciero comienza a ganar popularidad entre la gente de Gotham, al contrario que Batman a quien los ciudadanos siempre han temido más que confiar, y es solo cuestión de tiempo que los dos héroes terminen cruzando sus caminos con sospechas y desconfianza por parte de ambos.

Si debo destacar alguna parte del cómic me temo que no podría y tendría que hacerlo con dos.
La primera es el encuentro de Batman y el Caballero en una azotea de Gotham donde vemos claramente lo molesto que el cruzado de la capa se encuentra y lo desafiante del nuevo vigilante.
La segunda sería la historia de amor que sucede entre el nuevo justiciero y una joven que ha intentado suicidarse y a quien ha salvado.

Si os suena esta historia es normal, ya que hace años fue editada por la tristemente desaparecida editorial Zinco, en tres volúmenes y que todavía hoy con algo de suerte podemos encontrar en alguna tienda o buscando en mercadillos.
También, aquellos que, como yo, seáis seguidores de las aventuras animadas de Batman ya sea en serie o en cómic, encontramos una trama parecida en uno de los tebeos de la serie animada en que el Caballero cruzaba su camino con el cruzado de la capa.

La historia corre a cargo de dos autores que no precisan presentación alguna.
Tim Sale, es responsable de algunas de las mejores historias del Batman teniendo que nombrar forzosamente sus especiales de Halloween que más tarde serían recopilados en la obra ?El largo Halloween?, siendo de tal importancia sus aportaciones que encontramos numerosas referencias e inspiraciones a ellas en la última película de este personaje, como en la última escena cuando James Gordon le enseña un comodín de una baraja que está directamente sacada del cómic.
James Robinson ha sido guionista de personajes como Superman o la JLA y que abandonó el mundo de los cómics para irse a Hollywood, aunque esporádicamente ha realizado alguna incursión como la serie StarMan o Batman: Face to face.

Sin duda lo mejor es el siempre genial dibujo de Tim Sale que logra meterte de lleno en la historia y acerte sentir cercana la reacción de Batman ante el Zorro y la recuparación de un personaje como el Caballero que, al igual que otros tantos antagonistas del murciélago, necesitaba que alguien le diera el juego que se merece.; Por contra, aunque sea una aventura entretenida y muy recomendable, tiene un final que se hará evidente a cualquier lector con un poco de fondo.

El caballero visto por Chris Samnee.

Otra de vampiros...Pero esta cuenta con algún elemento para la esperanza como un guión en principio atractivo y la presencia de un actor tan competente como Willen Dafoe, que ya de por sí mejora cualquier producto por comercial que sea. La historia parece que la cosa es un totum revolotum de ?Yo soy leyenda?, ?Underworld? y ?The Matrix? . En el año 2019, la Tierra está invadida por los vampiros y la sangre humana es un bien escaso con lo que los vampiros cazan a los escasos humanos para ordeñarlos en granjas. Ante esta perspectiva, un investigador humano busca junto a un grupo de vampiros una variante a la sangre que asegure la supervivencia de las dos razas. ¿Lo conseguirá? El trailer está chulo y, aparte de Dafoe, hay gente interesante como Ethan Hawke o Sam Neill. Los directores australianos, Michael y Peter Spiering, ya tienen experiencia con el horror (aunque en su vertiente más bizarra y gore) ya que rodaron hace unos años una serie Z divertida titulada ?Undead? que al parecer les ha permitido dar el salto.

En enero del 2010 se estrenará ?Daybreakers?.

De un tiempo a esta parte, lexicalizado el término "cómic" (cuya inadecuación ya quedó patente allá por 1929 con la aparición de Tarzán y Buck Rogers), se nos llena la boca hablando de "novela gráfica" para definir lo que vulgarmente hemos conocido siempre como tebeo. Quizás sea necesario ese cambio de nomenclatura para forzar, por fin, un cambio de mentalidad hacia el medio, tanto para el mercado de fuera como para los creadores de dentro.

Ya en 1971, Gil Kane (un autor a quien nunca se llegó a reconocer con toda justicia su influencia capital en la "Edad de Plata" de los cómics, en tanto que a él se debe el resurgir de Green Lantern y todo lo que éste arrastró consigo, el apoyo confeso a la fantasía heroica y Conan el bárbaro o su visión estilizada y casi definitiva de Spider-Man) comprendió que el medio de la historieta podía dar mucho de sí, y que los límites podían y debían ser rotos para dar rienda suelta a todo el caudal creativo que llevaba dentro. Más que Will Eisner, a quien los americanos atribuyen la creación de esas "novelas gráficas" que nosotros en Europa sabemos que no son más que "álbumes", fue Gil Kane quien fraguó la narración gráfica más allá de las pocas páginas del comic-book tradicional o las series de prensa, creando ya en 1968 el título de novela negra "His name is Savage" y, en 1971, los libros (libros, sí) que compondrían la historia de fantasía heroica Blackmark.

Editados en formato bolsillo por Bantam Books (y luego reeditados en revistas como la francesa Phénix y, en los USA en The Savage Sword of Conan; en España en Relatos Salvajes), los libros de Blackmark suponen un curiosísimo híbrido entre novela e historieta: el formato lo aleja de las composiciones de página habituales en el medio, se trata de un tebeo en blanco y negro y, lo más destacado, se juega a sustituir los textos de apoyo en cartucho por bloques de narración fuera de la viñeta. Es, en cierto modo, una novela ilustrada... pero no puede entenderse leyendo solo los textos, ni solo las viñetas, pues éstas utilizan los recursos narrativos propios del cómic (los bocadillos y líneas cinéticas, aunque no onomatopeyas), pero se alcanza la plenitud épica y poética conjugando el montaje gráfico (excelente y cinematográficamente ágil) con los textos que escribiera, sin créditos, ese otro gran autor clave como fue Archie Goodwin.

La historia de Blackmark es, producto de la hibridación, novedosa y clásica al mismo tiempo: hay ecos del Nuevo Testamento y el nacimiento de Cristo, influencias de Conan y la novelística pulp de Edgar Rice Burroughs, cruces con la estética de Flash Gordon y El cantar de los Nibelungos, con Espartaco y con el ciclo artúrico. La historia, como no podía ser de otra forma, deriva la fantasía heroica hacia la ciencia-ficción, demostrando quizás que ambos géneros están condenados a entenderse y que hay todavía mucho territorio inexplorado que no tiene por qué seguir las manidas huellas de Conan y su escuela.

En un mundo postapocalíptico de guerreros medievales y monturas mutantes y barcos de guerra deliciosamente atractivos, donde la magia se confunde con la ciencia y los demonios campan por sus respetos, el nacimiento cuasi-virginal de un niño (en tanto que es fruto de una implantación genética en una madre joven casada con un anciano duro y bonachón a un tiempo), marcado como su progenitora por una especie de cruz negra en el muslo, iniciará una aventura donde el poder y la responsabilidad y el conocimiento como redención se darán baza mientras el sueño del renacimiento espera y el oscurantismo es dueño de Nueva Tierra.

Blackmark es un héroe trágico, casi shakespeariano en la peripecia vital que lo lleva de ser testigo de la violación y el asesinato de su madre (en un tebeo realizado en 1971, no lo olvidemos), a ser capturado y vendido como esclavo, gladiador, antes bandido, y por fin libertador in extremis de una sociedad de caballeros feudales que no está preparada para el cambio. En su búsqueda de la libertad y la sabiduría, y en su lucha con las tensiones internas que el enfrentamiento definitivo con los monstruososos habitantes de la fortaleza de Psi-Keep, Blackmark conocerá el dolor de la falta de conocimiento (en tanto es incapaz de abarcar la tecnología que ha quedado en sus manos para su uso), la traición de una esposa que se siente abandonada ante la responsabilidad de gobernante del héroe y, por fin, el duelo a muerte con su Mordred particular, de donde quizá salga el libre destino del mundo al precio de la pérdida personal de Blackmark.

Fue una historieta apasionante e innovadora que, pese a las buenas críticas cosechadas, no pudo ser llevada a su desenlace hasta que, en 2002, se recopiló en un tomo por Fantagraphics Books donde se recogen los dos libros que componen la saga. Es bueno y necesario experimentar. Pero cuando son los maestros quienes experimentan puede tenerse por seguro que se tratará de una obra grande.

?Guerreros de Alavna? es una novela asombrosa para niños y adolescentes. Vívidas descripciones que hacen que las vistas, sonidos, olores y en ocasiones el terror de la nueva realidad de Dan y Úrsula, cobren vida de manera asombrosa.

En ?Dónde los Ángeles no se atreven? asistimos al viaje de dos crononáutas del siglo XXV, presentes en el vuelo del Hinderburg en 1937. Inadvertidamente desestabilizan el viaje del dirigible, permitiendo que tome tierra exitosamente.

Esta alteración hará que su futuro se vea alterado, y queden atrapados en un siglo XX diferente al que conocían.

A un clic tenéis más datos de estas dos novedades de AJEC.

Guerreros de Alavna

Dan contempla con horror como Úrsula es tragada por una misteriosa niebla amarilla. Aunque intenta llamarla, no obtiene respuesta, y no le queda más remedio que seguirla.

Así, mientras están en medio de una excursión escolar, son trasladados en el tiempo hasta el año 75 de nuestra era, en la Britania conquistada por los romanos, a merced de una tierra y una gente que no comprenden.

Pero conforme pasa el tiempo en su nueva realidad, se dan cuenta de que deben luchar para sobrevivir antes de que puedan intentar volver a su verdadera época.

A merced de los elementos, y de los guerreros extraños que son sus nuevos compañeros, ambos se transforman en guerreros, cada uno con extraordinarias habilidades de lucha y extraños poderes mágicos que con los que se ganan el respeto de sus compañeros.

N.M. Browne (1960) es una reconocida escritora juvenil británica. Inspirada sobre todo por la cultura céltica galesa, entre la que se crió, la ha plasmado de manera magistral en sus novelas.
Licenciada en filosofía y teología por la universidad de Oxford, llegó a ser profesora de Cambridge, pero poco a poco abandonó la docencia y varios negocios personales para dedicarse por completo a la escritura.
Como lectora es aficionada a la ciencia ficción, la fantasía y la ucronía; elementos estos últimos, junto con el mundo celta, que están muy presentes en las aventuras de ?Guerreros de Alavna?.
Otras de sus novelas más reconocidas son ?Warriors of Camlann?, ?Basilisk? y ?Hunted?.

Dónde los Ángeles no se atreven

En este libro podemos encontrar dos novelas (la primera citada arriba) cortas del autor Allen Steele, ambas galardonadas con, entre otros, el prestigioso premio Hugo de ciencia ficción.

En ?La muerte del Capitán Futuro?, un relato homenaje a la famosa serie de Edmon Hamilton, Rohr Furland toma un empleo en un carguero espacial pilotado por el Capitán Futuro, un personaje inmaduro y ligeramente insano, obsesionado por las novelas pulps de los primeros años del siglo XX.

Pero cuando reciben una llamada de socorro de una estación espacial cercana, Furland y la primera oficial de la nave mezclaran el peligro real con el mundo de fantasía del capitán.

?La Muerte del Capitán Futuro? ganó el premio Hugo a Mejor Novela Corta en 1996.

?Dónde los Ángeles no se atreven? obtuvo el premio Hugo en 1998 en la misma categoría, resultando ganadora además del premio Locus, y finalista del premio Nebula.

Allen Steele nació en Nashville, Tennessee, el 19 de enero de 1958. Tras obtener una licenciatura en comunicaciones en el New England College y un Master en periodismo en la Universidad de Missouri, trabajó algún tiempo en diarios y periódicos de Tennessee, Missouri, y Massachusetts antes de optar por una carrera como escritor de ciencia ficción, actividad en la que se profesionalizó en 1988, tras conseguir publicar su cuento "Live From the Mars Hotel" en Isaac Asimov's Science Fiction Magazine. Desde entonces, se ha convertido en un prolífico autor de novelas, historias cortas, y ensayos, y sus trabajos han aparecido en Inglaterra, Francia, Alemania, España, Italia, Brasil, Rusia, Israel, Chequia, Polonia, y Japón.

Ha sido nominado varias veces a los premios más importantes del género y ganó el Premio Hugo de Mejor Novela Corta con ?La Muerte del Capitán Futuro? (1996) y ?Dónde los Ángeles no se Atreven? (1998)

En español tiene además publicada la novela Descomposición Orbital (Orbital Decay; 1989) fue en Ultramar; además de varios relatos publicados en la versión española de Asimov Ciencia Ficción. En Estados Unidos es reconocido principalmente por las series de novelas Coyote y Espacio Cercano.

Sin ánimo de meterme en camisas de once varas, no quería dejar pasar la oportunidad de un personaje que, sea ficticio o real, es versátil, interesante, y nunca deja indiferente.


Si me dieran un año para documentarme en condiciones, investigar y divagar tranquilamente sobre el tema, podría escribir un libro entero sobre las características más interesantes del Diablo como personaje narrativo. Como no va a caer esa breva, y además seguramente ya se ha hecho, de momento me conformaré con comentar brevemente algunos de los aspectos más llamativos de este llamémoslo mito religioso en su paso por todas, y digo todas, las formas narrativas desde su aparición más o menos oficial en judaísmo.

En el principio de los tiempos

Para empezar, haré una pequeña aclaración. Al hablar del Diablo, al menos en esta entrada, me estoy refiriendo, más o menos, al concepto de entidad malvada incluida dentro de las tradiciones monoteístas procedentes de la fe hebrea: judaísmo, cristianismo, islamismo. Lo digo porque, evidentemente, el concepto de ente sobrenatural que es todo maldad existe desde el principio de los tiempos y, probablemente, en todas las culturas del mundo, con sus más y con sus menos. Sin embargo, no voy a hablar del Seth egipcio, ni del Melkor de Tolkien, ni de la Serpiente de Midgar, ni del psicópata devora-hijos de Cronos, sino del Diablo, en oposición a Dios Todopoderoso, Yahvé, etc.

Centrándonos en ese tema, no voy a entrar en valoraciones sobre la fe o la religión, pues considero que cada uno es libre de creer lo que cada uno considere más plausible y más cercano a su corazón, pero debemos admitir que una de las características más sobresalientes de nuestro ?homenajeado? de hoy, es su ambigüedad. Al igual que ocurre con la mayoría de figuras mitológicas, el Diablo ha recibido un tratamiento y una interpretación muy diferente a lo largo de los siglos, dependiendo del pensamiento propio de cada época y de quién fuera el autor que ofreciera su visión. Si no me equivoco, su aparición original, según la tradición, fue en el Pentateuco, redactado por Moisés según inspiración divina, o al menos eso dicen las tradiciones judías. Los análisis científicos sostienen que la Torá, en realidad, es un compendio de obras que recopilan el saber oral de los pueblos hebreos primitivos, al que se le fueron añadiendo cada vez más libros. Ergo, cada vez más interpretaciones. Y cuando ya aparecen los cristianos y comienzan a darle vueltas sobre qué historias pueden meterse en la Biblia y cuáles son evangelios apócrifos, ya ni te cuento. La cuestión es que el Diablo aparece como un reflejo malvado de Dios, un incitador a la desobediencia y un rebelde a la ley divina, que sirve para justificar los comportamientos incorrectos de los hombres. Si no se sigue a Dios, se sigue al Diablo. Desde el punto de vista religioso, es un mal necesario, nunca mejor dicho, pues si Dios encarna todo el Bien, y es un victorioso ser superior, debe existir un chivo expiatorio, un tonto útil, un malo al que le peguen un tiro al final de la película. Quien piense que Hollywood apareció en el siglo XX, se equivoca.

Orígenes e Interpretaciones

La historia más aceptada universalmente sobre el origen del Diablo es la del Ángel Caído: un protegido de Dios, vanidoso y orgulloso, desafía a su Señor y, automáticamente, o tras una batalla campal, según versiones, pierde su gracia, su belleza, y es exiliado al abismo, donde deberá vigilar las almas de los perdidos. Para hacer crecer su reino, se dedica a tentar a los hombres e intenta así vengarse del creador. Una estrategia cuando menos extraña.

Desde el punto de vista narrativo, el Diablo ha tomado numerosos papeles en el arte, durante siglos y siglos. Su motivación principal, al menos aparentemente, es la de tentar a los hombres para hacerlos caer en desgracia y apartarlos del buen camino. Desde ese punto de vista, su principal momento de gloria está en el libro del Génesis, cuando convence a Eva de que pruebe la manzana prohibida y después se la ofrezca a Adán (que ya se sabe que tiran más dos tetas que una serpiente). Desde entonces, su objetivo seguirá siendo engañar a la gente para que desobedezca, se porte mal, o directamente le venda el alma, como en el celebérrimo caso de Fausto, que le jura lealtad a cambio de poder vivir una vida de placeres. Nunca nadie llega a especificar qué carajo hace el Diablo con todas las almas que compra, pero ahí sigue, a su labor. EL caso es que para captar seguidores, adopta formas sugerentes y atractivas, ya sea del tipo misterioso y atractivo a lo Mefistófeles, o con las sinuosas formas de Liz Harley en ?Al Diablo con el Diablo?, donde se da a entender que Diablo y Dios, después de todo, no se llevan tan mal. En otra película, la desquiciada y clásica ?Los ladrones del tiempo?, ofrece incluso la teoría de que Dios creó a propósito al Diablo para que le hiciera el trabajo sucio.

El Diablo, además, tiene una fuerte vis cómica. A menudo se le ha representado como un tipo torpe y no demasiado espabilado, al que cualquier palurdo que nunca ha salido de su terruño es capaz de tomar el pelo. Véanse los numerosos cuentos y relatos populares que hablan de cómo burlar al Demonio, y que sirven de clara inspiración a los cuentos de Beedle el Bardo, citados en la última entrega literaria de Harry Potter. Esta visión tan poco respetuosa probablemente tuviera como objetivo servir de moraleja para el pueblo llano.

Sin embargo, también puede ser aterrador y aberrante. Los capítulos de Expediente X que hacían referencia a fenómenos satánicos eran, probablemente, los más terroríficos de toda la serie. Películas de terror centradas en la figura del Anticristo, como ?La Profecía? o ?La Semilla del Diablo?, constituyen auténticos clásicos del cine de miedo de toda la vida.

Incluso se ha llegado a idealizar al Demonio y presentarlo como una víctima de Dios, a convertirlo en alguien susceptible de alcanzar la rendición (Hellboy), debilitado por luchas internas y políticas (el Lucifer de Vértigo, o Gael García Bernal en ?Sin Noticias de Dios?) o presentarlo como un ser retorcido y vengativo pero obsesionado por procrear y por ser querido (Victor van Horne de ?Las Brujas de Eastwick?).

Como he comentado antes, es un tema que da para escribir miles de páginas. Sin embargo, no quería perder la oportunidad de citarlo pues, de todas las creaciones más o menos literarias que ha dado el hombre, el Diablo ha sido una de las más utilizadas, más revisadas, más inmortales y que ha adquirido un valor y un reconocimiento más universal.

Pregunta: Cuando se imagina a Conan... ¿le viene a la mente su propia imagen o la de Frank Frazetta, Barry Windsor-Smith o John Buscema?

Roy Thomas: Depende del momento, me vienen distintas imágenes. Probablemente, casi siempre me viene a la mente el Conan de John Buscema, pero también estoy influenciado por Frazetta y por los primeros trabajos de Barry Smith. John y yo hicimos muchos trabajos juntos, pero a veces, depende de la historia, pienso en la imagen de algún otro autor. Algunas veces comienzo una historia y lo veo dibujado por un artista en particular, pero creo que algunas veces es una amalgama de varios, aunque haya mucho de Frazetta. Tiene que haberlo. (De una entrevista realizada a Roy Thomas en Newsrama y que pueden leer completa aquí).

Los más jovencitos ni les sonará el nombre pero los que vamos para maduritos (como yo, sniff) seguramente se quedarían prendados de la espectacular melena platino de Farrah Fawcett y que la hacia destacar para un niño como yo en la agencia de ángeles que el ausente y suertudo Charlie se montó. Y mira que eran guapas las tres. Yo el recuerdo más vivido que tengo de la mítica serie que la hizo popular es, aparte de su cabecera molona y la música pegadiza a la Fawcett desfaciendo los entuertos que el ausente y suertudo Charlie la encomendaba. Tras ?Los ángeles de Charlie? ni el cine ni la vida trataron demasiado bien a este mito erótico de los setenta que iba para estrella y, por esas cosas de la vida, se quedó por el camino.

D.E.P.

Hoy me he desayunado con la muerte de Michael Jackson. No era un fallecimiento que esperase, pero tampoco me ha sorprendido ya que, como muchos, veía en Jackson un personaje controvertido y ambiguo de salud estragada por su propia inconsciencia, un juguete roto que despertaba en mí reacciones encontradas. Al mejor Michael Jackson lo tengo asociado a la niñez y a ese maravilloso ?Thriller? que fue el primer video musical que llamó mi atención porque incluía muchas de aquellas cosas que de niño me fascinaban. Los zombis, hombres lobo, chicas y una música pegadiza interpretada por un chico enérgico de sonrisa contagiosa y chupa roja que parecía no tener articulaciones y al final se quedaba con la chica. No fui el único. Recuerdo en el colegio que con desigual fortuna quien más quien menos intentó hacer que su cuerpo se acalambrara como si hubiera recibido una descarga o andar hacia atrás en una cinta. Imposible, Jackson era único y aun cuando no pararan de salirle imitadores/admiradors como hongos ninguno le llegaba a la punta de la zapatilla. Sin embargo, yo crecí pero Jackson no. Cada vez más aislado de la realidad en su parque de atracciones privado y preso de unos caprichos de estrella que traicionaban la imagen que se había creado. Un padre maltratador y explotador podía explicar algunas de sus reacciones como su apego enfermizo a la niñez pero cuando este empezó a adquirir tintes cada vez más oscuros y malsanos fui incapaz de justificar a ese ídolo desequilibrado de salud maltrecha y sólo justificado socialmente por el recuerdo que muchos guardamos del que fue, un fantasma que probablemente no dejaba de atormentarle, y los buitres oportunistas dispuestos a aprovechar los últimos restos del patrimonio del que fue el cantante mejor pagado de la historia.

Tras su muerte, prefiero quedarme con lo bueno. Con el niño que maravillaba con sus bailes junto a sus hermanos y con el joven eléctrico de la chaqueta roja. Hasta siempre, Michael. Si estás en algún sitio espero que logres algo de la felicidad que probablemente nunca disfrutaste en vida.

D.E.P.

?I?m glad it rained? (Jackson?s Five)

Lo que son las cosas, andaba yo lamentándome la semana pasada por aquí de no haber leído en su momento la primera obra de Pedro Rodríguez, ?Omar el navegante: Jinn-el-Rais? después del mono que me había creado su estilo fresco y elegante tras su descubrimiento en ?Las aventuras imaginarias del joven Verne?, pensando que me iba a resultar complicado encontrar el álbum, cuando entro en una librería cercana a casa de mis padres y salta a mis ojos. Por supuesto, me hice con él, ya que las casualidades no existen y, aunque soy de los que piensan que crearse demasiadas expectativas suele acabar en decepción, en este caso ya les adelanto que este ?Jinn-el-Rais? es una obra redonda, mejor incluso en mi opinión que ?La puerta entre los mundos?. Les cuento.

A mediados del siglo XVII, en la isla de Creta viven dos niños, Omar y Andreas, dos amigos inseparables que viven su amistad con esa fidelidad ciega que sólo es posible cuando se es niño. En una de sus aventuras, descubren un misterioso barco hundido y el mapa de un tesoro que en sus juegos deciden romper en dos mitades que unirán para ir a buscar juntos algún día. Sin embargo, poco después, Creta sufre una de sus frecuentes razzias piratas en busca de botín y esclavos y el pequeño Andreas es raptado. Años más tarde, Omar ya hecho un hombre se dedica a navegar por el Mediterráneo y en uno de sus viajes se reencontrará con la mitad del mapa de su amigo Andreas. Omar iniciará entonces toda una aventura en pos del tesoro de la eterna juventud escondido en una legendaria isla aunque, realmente, su único deseo es reencontrarse con el amigo de su niñez, sin ser consciente que, por desgracia, en ocasiones los deseos se cumplen. ¿Se reencontrarán Omar y Andreas?¿Encontrarán el tesoro? Busquen y lean ?Omar el navegante? para enterarse.

Me ha sorprendido Pedro Rodríguez en el que fuera su primer álbum en solitario no ya tanto por su cuidada puesta en escena, su magnífico uso del color o su narración fluida que ya había descubierto en su obra posterior sino por el excelente guión que se marca. Bajo el armazón aparentemente sencillo de una aventura marítima de época en la que los espacios abiertos están cuidadosamente ambientado, Rodríguez construye un cómic complejo y rico en matices en el que subyace una historia adulta y dura, que enganchará a aquellos lectores que busquen ?algo más? que la mera historia de aventuras. Rodríguez se muestra como un narrador notable logrando un cómic muy equilibrado entre los elementos aventureros de una historia en la que no le importa incluir con ciertos toques fantásticos que sirven para ambientar ese Mediterráneo legendario infestado de piratas del siglo XVII que emparentan su Omar con la tradición del aventurero árabe por excelencia, Sinbad, con un poso de reflexión más profundo y adulto que hacen de ?Omar el navegante? un cómic difícilmente olvidable.

En definitiva, ?Omar, el navegante? es un cómic que difícilmente defraudará a nadie y que, lamentablemente, en el momento de su publicación por Ariadna Ediciones en una cuidada edición, pasó un tanto desapercibido. Yo que ustedes correría a su librería habitual y entre la pila de mediocridades que pueblan sus estantes buscaría esta joyita. Estoy seguro que no les defraudará.

Otros cómics de Pedro Rodríguez en El lector impaciente:

?Las aventuras imaginarias del joven Verne: La puerta entre los mundos?.

Un brillantísimo Manel ha definido en una sola viñeta la paradoja en la que vivimos.

Se ha hecho público hace un par de días un nuevo trailer de ?Halloween 2? de Rob Zombie. A mí no me disgusta lo que se ve, pero uno se pregunta hasta que punto se puede innovar en una franquicia que lleva ya diez películas a sus espaldas. Supongo que si se siguen haciendo es porque son rentables y Jason tiene una legión de fieles seguidores aunque alguien debería plantearse el ir pasando página que, desgraciadamente, material para películas y franquicias de asesinos en serie hay en todos lados. Y si no, lean las noticias.

?Halloween 2? se estrena en Agosto en Estados Unidos.

Cuando todavía no había nacido el universo Marvel, cuando los héroes salidos de la mente de Lee y Kirby sólo eran meras ideas, cuando todo un mundo de maravillas se encontraba en un estado incipiente, en las páginas de Amazing Adventures comenzaron a esbozarse las primeras muestras de lo que luego se denominó La Casa [...]

Los aficionados al cómic europeo estamos de enhorabuena con la aparición de la nueva obra de Jean Pierre Gibrat, uno de los mejores dibujantes que pululan más allá de los Pirineos, Gibrat es un autor minucioso y preciosista, exquisito en todas sus viñetas y que cuenta con numerosos seguidores en nuestro país que se engancharon hace ya demasiado tiempo a sus bellas mujeres (probablemente Gibrat sea uno de los dibujantes que mejor retrate la belleza femenina en el cómic) y sus elaboradas historias en las que mezcla en un justo equilibrio el costumbrismo con la guerra en obras como ?El vuelo del cuervo? o ?La prórroga?. En ese sentido, ?Mattéo? la nueva obra que nos ocupa, resulta continuista y renovadora al tiempo, ya que si bien nos encontramos con una historia ambientada en la I Guerra Mundial en la que se da cuenta del horror de la Gran Guerra a través de las andanzas del joven Mattéo, nos encontramos con un Gibrat renovado en cuanto a estilo que da una vez más lo mejor de sí en el apartado gráfico.

Mattéo es un joven emigrante español, hijo de un anarquista huido a Francia, que vive junto a su madre en un pequeño pueblecito. Allí vive tranquilamente, enamorado de Juliette, una jovencita cuyos continuos mohines y su preferencia por Guilláume, el señorito del lugar le provocan los mil males. Cuando la I Guerra Mundial estalla y los franceses corren a alistarse voluntarios henchidos de orgullo patriótico mientras el pacifista Mattéo se mantiene al margen hasta que, picado por su amor, se aliste. En la Guerra de Trincheras, Mattéo será testigo de primera mano de toda la miseria y el horror de la guerra e intentará sobrevivir a una guerra que no es suya a la que se ha visto empujado por impresionar a una chica (¿y quién no ha hecho alguna tontería por una mujer?). ¿Sobrevivirá Mattéo a la Gran Guerra?¿Conquistará a Juliette?¿A quién preferirá esta al pacífico Mattéo o al arrogante Guilláume? Para contestar a todas estas preguntas, tendrán que leerse el tebeo.

Es difícil acercarse a la I Guerra Mundial desde el cómic sin hacer referencia a esa obra maestra que es ?La Guerra en las Trincheras? de Tardi y, aunque "Mattéo", no aguante una comparación con la misma en el tratamiento crudo y realista de la I Guerra Mundial, no hemos de olvidar que la guerra en la obra de Gibrat, aunque en definitiva denuncie sus horrores, no es el motor de la historia sino que sirve para contextualizar y ambientar el entorno en que se mueven sus protagonistas que en sus obras suelen ser desertores, pacifistas y sinvergüenzas que se muestran escépticos frente a su supuesta grandeza. Sin embargo, en ?Mattéo?, respecto a otras obras, Gibrát muestra su interés por mostrar la crudeza de la guerra de una manera más explícita aunque no falten tampoco otros elementos habituales en su obra como el costumbrismo o el amor aunque, en esta ocasión, el elemento erótico resulta mucho más mitigado.

Gráficamente, en ?Mattéo? se muestra como un narrador mucho más maduro que en otros trabajos ofreciendo algunas soluciones narrativas con las que pretende sorprender al lector desde las primeras páginas pero es estilísticamente donde se puede encontrar una mayor evolución. No se preocupen que en ?Mattéo? van a encontrarse con un Gibrat igual de preciosista y metódico que en anteriores trabajos pero que en esta obra opta por una técnica en la que el uso del color se vuelve primordial para crear atmósferas y situaciones como no se ha visto anteriormente. Gibrat hace un uso exquisito de la aguada para buscar diferentes y preciosos contrastes en el que los rojos y azules resaltan sobre los apagados ocres en una demostración exquisita de dominio técnico y en el que sus lápices se muestran nítidos y que convierten cada viñeta en una auténtica obra de arte en la que demorarse apreciando el cuidadoso acabado de sus composiciones.
?Mattéo? es una obra excelente en la que los que ya conocen la obra anterior de Gibrat se reencontrarán con todos aquellos elementos que les gustaron y con un autor inquieto con ganas de evolucionar sin dejar de ser coherente con su estilo mientras que los que se acerquen por primera vez quedarán deslumbrados ante el trabajo de uno de los mejores dibujantes europeos de las últimas décadas. Esperemos que no se demore demasiado la publicación de la segunda parte de la obra y que esté a la altura de esta. Una gozada.

En cuanto a la edición de Norma, no se la puede poner ningún pero ya que aunque resulte algo cara me parece perfecta para disfrutar del dibujo de Gibrat. En esta ocasión, el esfuerzo merece la pena. Ustedes deciden.

Trolls de Troy El Troll de Liefeld El Rey de los Trolls de Elfquest Los Trolls de Walter Simonson Trolls de Kirby Ulik el Troll por López Espí

Oigan, que gracioso está esto?Bueno, entiéndame, que no será una obra maestra pero para pasar un rato entretenido parece que sí que da con un Woody Harrelson que clava el papel de duro superviviente en un mundo poblado por zombis. Una bizarrada en plan comedia excesiva americana que pinta bien aunque no sé si lo suficiente como para pasar por taquilla. En USA la estrenan en Octubre. Ya veremos si se queda en un trailer gracioso o la idea da para toda una comedia (a mí este tipo de comedia me acaba empachando).

Articulo 13 de la Ley Robótica: ?Un robot no puede dañar ni matar a un ser humano? Naoki Urasawa es capaz de maravillarnos con una obra como Monster, y también de tomarnos el pelo con un cómic como el multipremiado en España 20th Century Boys. Este autor tiene un estilo totalmente definido con el que nos puede [...]

Nuestro amigo Beni R.Lobel en la sesión de firmas del Saló. Se le ve tranquilo después de haber superado el miedo escénico. Jeje


Nuestro amigo (y debutante en este número 4 ) Roc Espinet firmando y dedicando un dibujillo en un ejemplar de la revista.



Karles (a la derecha) calentando motores antes de firmar ejemplares de Cthulhu y también de su albúm con Julio Videras (izquierda) titulado Asuntos pendientes.
Pues con estas fotos ya les podéis poner caras a estos autores de la revista.

Movido por la curiosidad me compré hace algún tiempo este relato escrito por Alan Moore publicado por Planeta. Quería comprobar qué tal se le daba el oficio de escritor al genio de Northamptom, auténtica vaca sagrada del noveno arte y si su indiscutible talento a la hora de ofrecernos algunos de los mejores cómics de las últimas décadas se hacia extensivo a su faceta de escritor. Tras su lectura, puedo decir sin temor a equivocarme demasiado que Moore es un maravilloso guionista de cómics pero como escrito,r al menos en esta obra, me ha parecido en exceso pretencioso.

?El lagarto hipotético? es un relato de fantasía que pretende imitar el estilo y carencia de las fábulas orientales pero que resulta irregular y un tanto aburrido por el empeño de Moore de pretender ser mejor escritor de lo que realmente es. En el cerrado y claustrofóbico Mundo Sin Relojes, un burdel de categoría trabaja desde niña Som Som, quien fue lobotomizada para convertirse en concubina de los poderosos magos que acuden allí a desahogarse. Som Som que tiene los dos hemisferios cerebrales separados por una mágica operación es en muchos aspectos un vegetal por lo que resulta la confidente ideal a través de la que nos enteramos de la historia de amor entre otros dos empleados del Mundo sin Relojes, Rawra Chin y Foral Yatt., una historia de amor homosexual que acaba bastante mal. Si quieren saber más, tendrán que leer la obra.

Alan Moore más que narrar, divaga durante las setenta y ocho páginas del libro sin dejar muy claro al lector que quiere contarle. ¿La historia de Som-Som?¿La de Rawra Chin y Foral Yatt? ¿Las dos?¿Ninguna? Moore se muestra en exceso críptico y ambiguo jugando incluso con el género de los personajes de un modo que sólo logra aumentar la confusión de una obra de por sí en exceso difícil e impregnada de cierto misticismo hueco que debido a su brevedad no se hace del todo insoportable.

En definitiva, en ?El lagarto hipotético? Moore juega a imitar a Borgés y le sale mal a pesar de sus atractivos planteamientos iniciales. Pendiente me queda su novela ?La voz del fuego? pero me parece que, tras esta lectura, va a tardar bastante. Prefiero releerme sus cómics. La edición de Planeta bastante mona.

El mundo del cómic no debe andar tan mal cuando una editorial que hasta la fecha lo había obviado como SM se decide a adaptar éxitos de su catálogo de literatura juvenil a viñetas. Una apuesta inteligente sobre todo, a mí entender, porque la incorporación de SM al cómic en España puede encontrar un nicho en el mercado que las editoriales de cómic tradicionales suelen ignorar empecinadas en que el trabajo se lo hagan otros y no fomentar futuros aficionados a las viñetas con obras a su gusto editando básicamente para los aficionados adultos (no toda la culpa es de las editoriales, ya que en este sentido parece existir poco interés por parte de los autores de cómics por hacer tebeos dirigidos al público infantil). Un segmento de potenciales lectores de cómics formado por niños lectores que gracias a fenómenos como los harripotteres o ?Memorias de Iddhun? han descubierto que leer mola y demandan ese tipo de historias pero que no tienen un acceso al tebeo como lo tuvimos nosotros en sus tiempos. SM ha iniciado su andadura en ese sentido con ?Memorias de Idhun?, una trilogía de fantasía que popularizo a su autora, la joven Laura Gallego y que ahora ve como la obra es adaptada al cómic en un cuidado formato prestigio y a un precio competitivo.

Jack es un jovencito danés que llega a su casa y descubre a sus padres brutalmente asesinados. Y lo que es peor los misteriosos y fríos asesinos están todavía merodeando por allí. Sin tiempo para recuperarse, Jack es salvado por unos jóvenes que le trasladan a un refugio mágico Limbhad, quienes le explican su verdadero origen en el mundo de Idhun, un mundo poblado por todo tipo de fantásticas criaturas, donde la magia es muy real. ¿Podrá Jack asimilar toda esta información?¿Cuál es su destino en la guerra civil idhunita?¿Vengará a sus padres? Tendrán que leerlo para enterarse.

La verdad es que esta primera entrega de ?Memorias de Idhun? que resume de una manera bastante fiel la primera mitad del primer volumen de la trilogía, ?La Resistencia?, engancha gracias a un guión de ritmo trepidante muy próximo a los tempos del manga que no da respiro al lector que asiste a las peripecias del joven Jack y sus amigos, quizás en parte por la manera directa y algo ingenua en la que están narrado, quedando en todo momento claro el tipo de público al que está dirigido. Si la adaptación me ha gustado a nivel de guión no puedo decir lo mismo del aspecto gráfico en el que Estudio Fénix realiza una obra completamente despersonalizada, y obviamente ?de encargo?, que quizás en lo narrativo se ajusta bien a las exigencias de guión pero que carece completamente de estilo y se limita a imitar la estética anime setentera de personajes de grandes ojos redondos carentes de expresión que personalmente odio pero que quizás es al que está más acostumbrada la chavalería de hoy en día. Mención aparte merece el coloreado por ordenador a base de colores planos que echa para atrás.

En fin, ?La Búsqueda? me parece una estupenda opción para aquellos padres que quieran iniciar a sus hijos en el mundo del cómic pero, probablemente, decepcionará a los aficionados críticos y curtidos a los que claramente no está dirigido salvo que, en este caso, se acerquen a la obra con inocencia infantil y sin resabios, en cuyo caso, sabrán disfrutarla. Ustedes mismos.

Yexus: ¿Cómo contempla el futuro del cómic?

Bilal: La principal ventaja de la industria del cómic es que no es realmente una industria que no mueve grandes cifras de capital porque se puede hacer una edición con relativamente pocos recursos. Por ello es más difícil caer en las redes de movimiento masivo de dinero que caracterizan a la industria del entretenimiento Por suerte la historieta todavía está abierta a distintos estilos y temas, existe más libertad, hay autores de todo tipo y mucho menos sectarismo que en el mundo del arte. Todavía existe la posibilidad de experimentar y culturalmente el cómic es un mundo muy vivo. A pesar de la bulimia audiovisual que comentaba, en Francia el mercado del cómic todavía sigue en muy buen estado. La del papel impreso es todavía la primera industria cultural, no se ha perdido el respeto del libro como tal, por lo que a medio plazo no creo que corra peligro ni vaya a desaparecer.

(De una interesante entrevista realizada por Yexus a Enkil Bilal y que pueden leer completa junto a un completo artículo en el imprescindible ?Dolmen Europa 2?).

LIBROS:

1. -La ciudad de las llamas (Niven/Pournelle)
2. -Más Allá del Planeta Silencioso (C.S. Lewiss)
3. -Philip K. Dick: Cuentos Completos V
4. -El Espíritu de la Navidad (Connie Willis)
5. -El Colombre (Dino Buzzati)
6. -El Mar de madera (Jonathan Carrol)
7. -El Cuervo y otros poemas (Edgar Allan Poe)
8. - El Día del Dragón (Domingo Santos)
9. -Las Máquinas de Dios (Jack McDevit)
10. -El Asombroso Viaje de Pomponio Flato (Eduardo Mendoza)
11. -El Mapa del Tiempo (Félix J. Palma)
12. -Las Mujeres de Poe (ilustrado por Alberto Sastre
13. -Sombra (Leopoldo María Panero)
    
14. -Asimov magazine #17
15. -Asimov magazine #20
16. -Asimov magazine #21
17. -Las Setas no Sangran y Otros Hongos Terroríficos (Brian Lumley)
18. -Llorad por Nuestro Futuro: Antología no Euclidiana #2, recopilación Domingo Santos, vvaa)
19. -La Carretera (Corman McCarthy)
20. -Niños Rociando Gato Con Gasolina (Alberto Torres Blandina)
21. -La Muerte del Caos (Joanna Russ)
22. -El Eternauta y otros cuentos (novela gráfica)
23. -El Misterio de Susurro; las aventuras siderales de Roco Vargas (Daniel Torres) (n.g)
24. -El Horror de Dunwich (Lovecraft/Caruso)
25. -La Estación de la Calle Perdido (China Miéville)
26. -La Condesa Sangrienta (Alejandra Pizarnik/S. Caruso)
    

OTROS:
- I Certamen Internacional de Poesía Fantástica miNatura (más de 240 poemas, en calidad de jurado).
- I Certamen de microrrelato miNatura (jurado)


CÓMICS:
(Voy a dejar de ponerlos ya; esto que sigue es sólo una pequeña muestra hasta marzo, pero la cosa sigue y sigue semanalmente)

1. Clásicos DC Nuevos Titanes 33
2. Clásicos DC Nuevos Titanes 34
3. Clásicos DC JSA 1
   
4. " " " 2
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6. " " " 4
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8. JSA 11
9. JSA 12
   
10. JLA 15
11. Superman 20
12. Clásicos DC Legión de Superhéroes 12
13. Batman: La Resurrección de Ra' s Al Ghul 2 (Batman 18)
14. Batman: La Resurrección de Ra' s Al Ghul 3 (Batman 19)
    
15. Superman/Batman 16
16. Superman/Batman 17
    
17. Outsiders 19
18. Outsiders 20
    
19. Jovenes Titanes 10
20. Universo DC: Lobo 10
21. Universo DC: Lobo 11
    
22. Liga de la Justicia América nº16
23. Superman nº 21
24. Cuenta Atrás 5
25. Spiderman Marvel Team Up #8
26. Superman 22
27. JLA 17
28. Cuenta Atrás 6
29. Cuenta Atrás 7
30. EL Regreso de Donna Troy
31. Superman Aventuras.
32. etc, etc, etc.................
    

Nuestro amigo y colaborador habitual Juan Alcudia, más conocido con el sobrenombre de Elchinodepelocrespo, nos ha mandado este corto de animación que data de 1924 y cuyo autor es un tal Peter Rodhes.
Os adjunto un comentario acertado sacado de su blog acerca de este corto en cuestión:

Creo que poco interés puede tener el título en cuestión si no es para amantes de Lovecraft y estudiosos de la animación. La técnica es un poco torpe, sobre si tenemos en cuenta que Rodhes es contemporáneo de la Reiniger, que se lo come con patatas. A destacar la representación de los dioses ancestrales venidos desde más allá de la estrellas. Un mezcla de imágenes psicodélicas y caleidoscópicas dignas de retener.

Si pincháis en la imagen os llevará hasta el corto en Youtube.

¡Hala! a disfrutar como seres del inframundo.

Por el post de Prohibida la entrada a animales y emos, le preguntamos a los dueños qué querían decir con lo de EMOS; contestaron que era un cuervo típico de su país. ¿Y el dibujo?; unas alas, contestaron. Bueno, pinchad en el enlace anterior para ver si eso son unas alas.
Y, además, ¿los cuervos, por muy autóctonos que sean, no se consideran animales...?

Editando: por cierto, con la frase "prohibida la entrada a animales y emos" en internet, salen algunos blogs que se hacen eco de este tipo de cartel; no exactamente del que yo pongo, que parece ser una copia. Es decir, es un cartel que existe, y que se usa, con lo que la respuesta de los cuervos cae por su propio peso...

¡¡Mirad qué maciza ha quedado, qué cuerpazo!!... ¿no está para comérsela toda? Pues ya está disponible en librerías especializadas de toda Spain. Este sábado 30 de Mayo estaremos en LIBRERÍA EN PORTADA a partir de las 19:30 para firmar y echar un ratito de charla, como es ya costumbre cada vez que sale un número nuevo. Os esperamos!!!

LIBROS:

1. -La ciudad de las llamas (Niven/Pournelle)
2. -Más Allá del Planeta Silencioso (C.S. Lewiss)
3. -Philip K. Dick: Cuentos Completos V
4. -El Espíritu de la Navidad (Connie Willis)
5. -El Colombre (Dino Buzzati)
6. -El Mar de madera (Jonathan Carrol)
7. -El Cuervo y otros poemas (Edgar Allan Poe)
8. - El Día del Dragón (Domingo Santos)
9. -Las Máquinas de Dios (Jack McDevit)
10. -El Asombroso Viaje de Pomponio Flato (Eduardo Mendoza)
11. -El Mapa del Tiempo (Félix J. Palma)
12. -Las Mujeres de Poe (ilustrado por Alberto Sastre
13. -Sombra (Leopoldo María Panero)
    
14. -Asimov magazine #17
15. -Asimov magazine #20
16. -Asimov magazine #21
17. -Las Setas no Sangran y Otros Hongos Terroríficos (Brian Lumley)
18. -Llorad por Nuestro Futuro: Antología no Euclidiana #2, recopilación Domingo Santos, vvaa)
19. -La Carretera (Corman McCarthy)
20. -Niños Rociando Gato Con Gasolina (Alberto Torres Blandina)
21. -La Muerte del Caos (Joanna Russ)
22. -El Eternauta y otros cuentos (novela gráfica)
23. -El Misterio de Susurro; las aventuras siderales de Roco Vargas (Daniel Torres) (n.g)

OTROS:
- I Certamen Internacional de Poesía Fantástica miNatura (más de 240 poemas, en calidad de jurado).


CÓMICS:
(Voy a dejar de ponerlos ya; esto que sigue es sólo una pequeña muestra hasta marzo, pero la cosa sigue y sigue semanalmente)

1. Clásicos DC Nuevos Titanes 33
2. Clásicos DC Nuevos Titanes 34
3. Clásicos DC JSA 1
   
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8. JSA 11
9. JSA 12
   
10. JLA 15
11. Superman 20
12. Clásicos DC Legión de Superhéroes 12
13. Batman: La Resurrección de Ra' s Al Ghul 2 (Batman 18)
14. Batman: La Resurrección de Ra' s Al Ghul 3 (Batman 19)
    
15. Superman/Batman 16
16. Superman/Batman 17
    
17. Outsiders 19
18. Outsiders 20
    
19. Jovenes Titanes 10
20. Universo DC: Lobo 10
21. Universo DC: Lobo 11
    
22. Liga de la Justicia América nº16
23. Superman nº 21
24. Cuenta Atrás 5
25. Spiderman Marvel Team Up #8
26. Superman 22
27. JLA 17
28. Cuenta Atrás 6
29. Cuenta Atrás 7
30. EL Regreso de Donna Troy
31. Superman Aventuras.
32. etc, etc, etc.................
    

Pues como reza en el título nuestro colegas van a estar en el stand de Diábolo firmando y realizando dibujetes para los buenos amantes de la revista Cthulhu. Revista dedicada y firmada...¿qué más se puede pedir?
Recordar que Karles dedica su albúm Asustos pendientes.

Horario de Karles Sellés:
Sábado 30 Mayo de 12:00h a 13:30h

Horarios de Beni, Karles y Roc:
Sábado 30 Mayo de 16:30h a 18:00h.


Horarios de Diábolo al completo: pinchad aquí.

Pues venga. A llevarse la revista calentita bajo el brazo y a disfrutar. Estaremos impacientes por leer vuestros comentarios en el blog.
Un abrazo.