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HORTON

Advance Dreamers

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


Notas de producción de este estreno de animación

imagen de HORTON


     «El día quince de mayo, en la selva de Nool, cuando el sol calienta más, sumergido en el frescor de la charca, estaba chapoteando…disfrutando de las grandes alegrías de la selva…cuando Horton, el elefante, oyó un ruidito.»


     
     Con el lenguaje evocativo que le caracteriza, el escritor y caricaturista Dr. Seuss, un tesoro norteamericano cuyos libros han hecho las delicias de generaciones de jóvenes, da comienzo a uno de sus cuentos más apreciados: Horton Hears a Who!
Ahora, pasados más de cincuenta años desde que Seuss, cuyo verdadero nombre era Theodor Seuss Geisel, publicara su relato favorito de todas las épocas, los realizadores de ICE AGE. LA EDAD DEL HIELO y los colosos de la comedia Jim Carrey y Steve Carell, le dan vida de una forma que jamás antes se había llevado a la práctica. Por primera vez una película transporta a los espectadores a la increíble imaginación del Dr. Seuss, a través de la más avanzada animación creada por ordenador. DR. SEUSS’ HORTON HEARS A WHO! ™ es la obra de Seuss tal y como uno desea experimentarla en el cine – y tal y como se pretendía que la viera el público.Añadir Anotación
La película, como el libro de Seuss, nos presenta a un imaginativo elefante llamado Horton (Carrey) que oye un débil grito de auxilio proveniente de una diminuta mota de polvo que flota en el aire. Aunque Horton todavía no lo sabe, esa mota alberga una ciudad entera llamada Villaquién, habitada por los microscópicos Quién, a cuya cabeza está el Alcalde (Carell). A pesar de ser objeto de las chanzas y las amenazas de sus vecinos, quienes piensan que no está en sus cabales, Horton está decidido a salvar a la partícula… porque “una persona es una persona, por muy pequeña que sea”.Añadir Anotación
La explicación de sus actos que Horton expresa en esas diez palabras encarna una idea a la vez sencilla y profunda, y que para tantos significa tantísimo. La película da más que pensar, al hacer que Horton se explique ante sus escépticos amigos: “Si estuvierais en lo profundo del espacio y dirigierais la vista al lugar donde vivimos, nosotros pareceríamos una mota”.Añadir Anotación
Además, tenemos el código de conducta de Horton… su lema… que “un elefante es fiel al cien por cien” – señalando su honradez y determinación de no abandonar nunca su misión de hallar un nuevo hogar para la mota que alberga el increíble mundo de Villaquién.Añadir Anotación
Estas manifestaciones filosóficas indican la singular habilidad de Seuss para enfrentarse a cuestiones complejas y reducirlas a pensamientos comprensibles que cualquier persona de cualquier edad pueda entender.
     Todo ello cuaja por medio de la visión de un consumado narrador, la magia de la animación informática y la especial química de tres generaciones de estrellas de la comedia – a Carrey y Carell se les une la legendaria Carol Burnett, además de los vanguardistas talentos de Will Arnett, Isla Fisher, Amy Poehler, Seth Rogen y Jonah Hill – para crear un acontecimiento cómico para todos los públicos.Añadir Anotación



CÓMO NACIÓ HORTON (LA PELÍCULA)
     Horton emprendió su viaje a la gran pantalla en 2003, cuando el productor ejecutivo Christopher Meledandri, a la sazón presidente de Twentieth Century Fox Animation, que supervisa Blue-Sky Studios, cuya sede está en la costa oriental de los EE.UU., se dirigió a Dr. Seuss Enterprises y a la esposa del autor, Audrey Geisel, planteándoles la creación de una película de animación tridimensional basada en Horton Hears a Who! La propuesta que Meledandri le hizo a Audrey sobrepasaba con mucho el simple interés empresarial. “Ted Geisel tenía una de las imaginaciones más vivas del siglo XX”, afirma Meleandri. “Sus libros fueron una parte fundamental de mi infancia y yo siempre quise encontrar una forma de realizar una película de animación digital basada en las obras del Dr. Seuss ”.Añadir Anotación
     La estructura narrativa del libro era de especial interés para Meledandri y Fox Animation. “Se trata de uno de los pocos libros del Dr. Seuss que constan de tres actos – un gran planteamiento, nudo y desenlace. Y, naturalmente, ‘una persona es una persona, por muy pequeña que sea’ es un tema maravilloso”.Añadir Anotación
     Audrey Geisel quiso cerciorarse de que la adaptación cinematográfica fuera respetuosa con el libro de su difunto esposo. Meledandri calmó sus preocupaciones haciéndole ver los considerables méritos de la animación creada por ordenador y los acreditados éxitos de Blue Sky Studios, cuyas producciones “Ice Age. La Edad Del Hielo” y “Ice Age 2: El Deshielo”, habían creado fantásticos personajes; mientras que con “Robots” habían descrito un mundo fantástico. La maestría artística de las películas envolvió al público en sus ambientes y personajes, haciéndole dejar de un lado toda duda de que no fueran “reales”. Esa misma magia, Meledandri aseguró a Audrey, conseguiría idénticos resultados con HORTONAñadir Anotación
     Para ayudar a cerrar el trato, Meledandri pidió a Mike De Feo, jefe del departamento de escultura de Blue Sky, que esculpiera una escena fundamental del libro, en la que el Alcalde sostiene a su hijo Jo-Jo por encima de su cabeza. La escena resultó ser una de las favoritas de Audrey, a la que le encantó la escultura. Pasado algún tiempo, comenzó el desarrollo de la primera película de animación creada por ordenador basada en una obra del Dr. Seuss. Horton, el Alcalde, Jo-Jo, la Cangura – y todos los adorados personajes de la selva de Nool y de la ciudad de Villaquién – emprendieron el camino que lleva al estrellato cinematográfico.Añadir Anotación
Para guiarles en su odisea, el estudio convocó a Jimmy Hayward y Steve Martino para que se hicieran cargo de la dirección. Eran la pareja perfecta para dar vida digital a Horton. Hayward fue animador de las producciones pioneras de Pixar “Toy Story”, “Toy Story 2”, “Bichos: Una Aventura en Miniatura”, “Monstruos, S.A.” y “Buscando a Nemo”; siendo, además, asesor de guión y director de escenas adicionales de “Robots”. Martino, como director artístico de “Robots”, ayudó a crear el primer largometraje de animación que presentaba un mundo completamente imaginado – un universo maravillosa y sonoramente metálico poblado exclusivamente por seres mecánicos.Añadir Anotación
La misión de Hayward y Martino consistía en mantenerse fieles a los temas, los personajes y los conceptos visuales de Seuss. Basaron gran parte de la apariencia de la película en el arte de Seuss extraído directamente del libro, mientras que otros diseños de la película están extrapolados de dibujos o notas del autor. Además, los realizadores trataron de forzar el medio de la animación creada por ordenador tanto como fuera posible, mezclando técnicas viejas y nuevas para crear una apariencia nunca antes experimentada en una película, y que, sin embargo, tuviera reminiscencias de la época – los años cincuenta – en la que el libro fue publicado. “Forzamos todo, creando colores y formas extraños y divertidos propios de Seuss, pero con texturas auténticas”, afirma Hayward.Añadir Anotación
En anteriores películas de acción real basadas en las obras de Seuss, los realizadores tuvieron que tratar de sortear las limitaciones del mundo real en cuanto a diseño, movimiento y anatomía. “Nosotros no tuvimos ese problema”, asegura Hayward, “porque ésta es una película creada por ordenador. Por primera vez en mi carrera pudimos hacer toda clase de locuras con la animación, exactamente igual que Seuss llevó su obra a algunas áreas propias de una imaginación desbocada”.Añadir Anotación



QUIÉN ES QUIÉN EN VILLAQUIÉN…Y QUÉ ES “MICROSCÓPICO” EN NOOL: CONOZCA A LOS PERSONAJES

     Horton no se parece a ningún elefante que hayamos visto antes. Es más grande de lo normal en muchos aspectos, además de su mole; tiene un gran corazón, una enorme personalidad y un gigantesco sentido del humor. Horton destaca por su amabilidad, su honradez y su perseverancia. A pesar de una formidable adversidad, del ridículo, de la repulsa y de las amenazas, la resolución de Horton de poner a salvo a Villaquién permanece inconmovible. Él siempre es fiel…al cien por cien.Añadir Anotación
     Según los realizadores, Jim Carrey aporta al papel de Horton mucho más que su talento de superestrella de la comedia. “Jim tiene una calidez y un humor que resultan asombrosos, y que hicieron que Horton siguiera siendo ese dulce y encantador personaje que conocemos por los libros”, dice Jimmy Hayward. “Es toda una fuerza apasionada y creadora que realmente se hizo dueña del personaje”.Añadir Anotación
     “Verdaderamente Jim no escatima nada en nada de lo que hace”, prosigue diciendo Hayward. “Actúa en cada toma al igual que si realmente estuviese delante de las cámaras. Nos dio unas excelentes referencias de actuación con los ojos, de modo que logramos una extraordinaria cantidad de sutil material para Horton por medio de la interpretación vocal de Jim”.Añadir Anotación
     Dada la expresividad sin reservas de Carrey, no sorprende nada que haya influido en el aspecto de Horton. Dave Torres, el jefe de animación, dice: “En las primeras etapas del diseño, Horton tenía una boca más pequeña. Pero cuando Jim se incorporó a la empresa, el personaje adquirió gran expresividad; a decir verdad, Jim nos llevó a ampliar los límites de la expresividad de un personaje de animación”.Añadir Anotación
     La principal relación de Horton en el cuento es la que mantiene con el Alcalde de Villaquién, al que Horton nunca ve y que tampoco puede verle a él. Sin embargo, el vínculo que establecen es notable, de gran afecto, amistad y humor, a pesar de que lo que está en juego para ambos es nada menos que la vida y la muerte. A medida que avanza en su épica odisea para poner Villaquién a salvo, el Alcalde – la voz de todos los Quién – se lo juega todo para convencer a sus convecinos de los peligros que les aguardan.Añadir Anotación
El Dr. Seuss presenta al Alcalde de forma memorable como alguien “…dedicado y justo, y ligeramente extraño. El Alcalde y su esposa tienen hijos para convidar”. ¡Y tanto! Son los orgullosos progenitores de 96 hijas y un hijo. Los retoños se presentan, en inacabable desfile, sentados en sillas unidas a una cinta transportadora que gira alrededor de la mesa, de forma que cada uno tiene una breve pero impactante audiencia con el Alcalde; es una procesión que se ajusta a un patrón imaginativo que nos recuerda una escena de un musical de Busby Berkeley.Añadir Anotación
Steve Carell, asegura el director Steve Martino, dota de un sentido de humanidad a todos sus personajes, como a Michael Scott, el jefe de “The Office”, que está perpetuamente en la inopia, y, ahora, al asediado y atribulado Alcalde. “Todos los personajes de Steve tienen en su interior un hermoso corazón”, precisa Martino. “Uno quiere desearles lo mejor”.Añadir Anotación
“Gusta ver la lucha en que se debaten los personajes de Steve”, añade Jimmy Hayward. “Verle hacer malabarismos es todo un placer. Restriega en cada línea de diálogo la cantidad justa de ‘Steve’. Es el Quién al que realmente conocemos, por lo que uno quiere relacionarse con él y, gracias a Steve, se consigue”.Añadir Anotación
Carell describe al Alcalde como alguien “amable, generoso, bien intencionado, con una gran fortaleza interna. Es una especie de hombre de la calle – un tipo que simplemente trata de dar lo mejor de sí mismo en una situación muy difícil”. Este actor, ganador del Globo de Oro®, apreció de forma especial el soporte filosófico de la insistencia de Horton en que una persona es una persona por pequeña que sea. “Es un mensaje que verdaderamente se dirige al mundo que nos rodea – que, sin que importe cuán diferentes parezcamos exteriormente, si hay decencia, interés y compromiso, podemos tener éxito en nuestras empresas. Es un mensaje bueno y dulce a la vez que sólido que hunde sus raíces en la amabilidad. Y eso es lo que me encanta de él”.Añadir Anotación
Jo-Jo, el más pequeño de los Quién, constituye la alegría y el orgullo del Alcalde. Éste tiene grandes planes para su diminuto hijo, al que prepara para que continúe con el legado familiar ocupando la jefatura de los Quién cuando el Alcalde se jubile. Pero Jo-Jo ha dejado absolutamente claro que la carrera de su padre no le interesa. En vez de ello, el taciturno joven se orienta hacia algo muy diferente y especial….Añadir Anotación
La principal amenaza que acecha a la búsqueda de Horton – y, a su vez, a la supervivencia de Villaquién – es la Cangura, que, según nos cuenta la película, “ha elaborado cada ley y exige el cumplimiento de cada norma, como autoproclamada jefa de la selva de Nool”. Tiene un temperamento agrio y una mente cerrada que la lleva a insistir en que “si no puedes ver algo es que no existe”. La cegata filosofía de la Cangura encierra posibles graves consecuencias para Horton, para el Alcalde y para la totalidad de Villaquién.Añadir Anotación
Pero, ¿es ella la mala? Martino no está tan seguro. “Es una ideóloga, no una malvada”, afirma. “Está equivocada pero no es perversa”.
En una escena memorable, la Cangura, en actitud de tirana absoluta de la selva, pronuncia – más bien berrea desgañitándose – un sermón sobre la imposibilidad de la existencia de Villaquién. La secuencia aprovecha al máximo las asombrosas capacidades vocales y el excepcional talento cómico de la legendaria Carol Burnett, que asume el papel haciéndolo todo suyo. (Las legiones de incondicionales de Burnett incluyen entre sus miembros a Jim Carrey y a muchos de los equipos creativos y de producción de HORTON). “¡Carol tiene tubos de órgano en la garganta!” dice Hayward de la actriz, cuyos numerosos momentos dignos de recuerdo que componen su duradero programa televisivo de variedades incluyen un “Grito de Tarzán” que constituye un anuncio de sus vocalizaciones de Cangura. “Simplemente da todo lo que tiene [pronunciando el sermón]”, afirma Burnett. “Gritar hasta desgañitarse… y que te paguen por hacerlo, tiene algo que resulta muy liberador ”.Añadir Anotación
Volviendo al tema de la supuesta villanía de la Cangura, Burnett señala que “cuando se interpreta a un villano, uno no concibe al personaje como un granuja. Un villano no se considera malvado, sino que ve el lado bueno: que sus sentimientos y sus pensamientos son rectos. Y si todos los demás los escucharan y estuviesen de acuerdo con ellos, el mundo sería simplemente maravilloso”.Añadir Anotación
“La Cangura es muy controladora y muy cerril”, reconoce Burnett. “Gobierna la selva con puño de hierro. Ha mantenido a su hijo Rudy en la bolsa…¡bueno! durante demasiado tiempo; no le permite salir de su ‘cuarto’”. (Algunos niños tienen la sensación de que sus padres los mantienen presos; la queja de Rudy podría ser auténtica).Añadir Anotación
El principal esbirro de la Cangura es Vlad Vlad-I-Koff, una enorme águila de trasero negro, con plumas aceitosas y hechas jirones, y un gran pico serrado. Habla con un marcado acento ruso. Vlad no es un genio del mal – simplemente es malvado. “Vlad se mueve como si fuera un lagarto o un murciélago”, dice Jimmy Hayward. “Para él, todo se basa en el instinto. El personaje es como un gran accidente de automóvil que muestra divertidas influencias culturales. Es como un gángster de ésos que llevan un chándal de velvetón marrón y una cadena de oro”.Añadir Anotación
Will Arnett (“Arrested Development”), que da a vida a Vlad, afirma que el personaje es “un pájaro único en su especie – un tipo peligroso…un pistolero de alquiler. Pretende, sin conseguirlo, que está en onda, cuando lo que está es lamentablemente apolillado. Pero él cree que está al tanto de lo último de la cultura pop.”Añadir Anotación



“Me atraen los personajes que son ligeramente gallitos y también bastante zotes”, prosigue Arnett. “Ésa es una combinación ganadora. No en la vida pero sí en la comedia. Para la primera, la combinación es realmente lamentable. Me encanta la gente que son unos gallitos de marca mayor pero que no tienen ni idea de lo idiotas que son”.Añadir Anotación
Vlad puede no ser el pico más agudo de la selva, pero representa una amenaza para Horton y para Villaquién. Vlad puede volar entre los árboles con maniobras propias de un caza de alas en X – casi es posible oír el ruido de los reactores – y en una escena llena de tensión, persigue a Horton a través de la selva. “Creamos la escena como si estuviera sacada de una película clásica de terror”, dice Hayward. “Es verdad que no es sangrienta ni pretende causar terror. Pero representa un equilibrio de risas y sorpresas”.Añadir Anotación
El jefe del clan de los Wickersham es Tragón, al que presta la voz el actor Dan Fogler, ganador de un Tony®, que se divierte el doble haciéndose cargo también del papel del Presidente del Consistorio de Villaquién. Fogler disfrutó con ambos papeles pero asegura que se siente más cercano a Tragón. “Yo soy de Brooklyn”, explica, “y Tragón ES Brooklyn: un tipo duro y de la calle”.Añadir Anotación
No escasean los adversarios de Horton. Pero éste cuenta con un excelente amigo y confidente en Nool: Morton el Ratón, que trata de ser la voz de la razón para su descomunal compadre. “¡Bueno! Estás hablándole a un trébol; eso no tiene buena pinta”, advierte el espabilado roedor a Horton. Seth Rogen, uno de los actores/guionistas de comedia más brillantes de la actualidad, aporta al papel su especial y disparatada sensibilidad. “Morton puede ser demasiado susceptible a la presión de sus iguales”, afirma la estrella de “Lío Embarazoso” y actor y guionista de “Supersalidos”. “Es un tanto neurótico y, quizá, no tiene mucha personalidad”.Añadir Anotación
De vuelta en Villaquién, mientras el Alcalde trata de convencer a los Quién de los peligros a los que se enfrenta la ciudad, la esposa del Alcalde, y sensata madre de 97 hijos, mantiene todo funcionando sin problemas en su hogar. El modo como el personaje dirige, aparentemente sin esfuerzo, una casa a punto de estallar, divertirá a cualquier padre o madre; lo hizo con Steve Martino. “Yo tengo dos hijos y eso ya es todo un reto”, afirma. “¡Imagínate cómo será ocuparse de 97!”Añadir Anotación
Amy Poehler, uno de los pilares del programa “Saturday Night Live” y esposa en la vida real del mismo Vlad Vlad-I-Koff – Will Arnett – convierte al personaje en alguien encantador que abronca a su marido por la frenética conducta de éste, pero haciéndolo siempre con comprensión y sentido del humor. “Amy hace que el personaje resulte contemporáneo y real, pero, a la vez, de una irónica mordacidad”, afirma Martino.Añadir Anotación
“He interpretado muchos tipos de locos a lo largo de mi carrera”, añade Poehler. “Muchos personajes cuya fortuna varía enormemente. Pero Sally es muy estable. Mantiene a su esposo con los pies en el suelo de una forma sumamente encantadora. Tiene que hacerlo porque ella es la verdadera cabeza de su gigantesca familia. Ella es la caja de resonancia de su marido. Pero éste la tiene un tanto preocupada: ¿estará volviéndose loco con sus correteos advirtiendo de la posible perdición?”Añadir Anotación
No obstante las dudas de Sally, es evidente que algo ocurre en Villaquién. Para confirmar sus sospechas, el Alcalde recurre a la doctora Mary Lou LaRue, la chiflada pero sesuda científica de Quién U. La doctora LaRue lleva unas gruesas gafas de seguridad, luce una enorme melena púrpura y carece del más básico don de gentes. Para ella, todo gira en torno a la ciencia. Isla Fisher, que pasa sin esfuerzo de comedias un tanto ordinarias como “De boda en boda” a dramas como “The Lookout”, observa que Mary Lou es la única Quién (además del Alcalde) que “comprende por completo las ramificaciones del súbito cambio climático que afecta a Villaquién [derivado del peligroso viaje de Horton a través de Nool]. Es la primera que suscribe la creencia del Alcalde acerca de una posible penumbra y perdición”. Añade la pequeña estrella, que apenas mide 1,60: “Decir que ‘una persona es una persona por pequeña que sea’, tiene para mí especial importancia”.Añadir Anotación
De los sesudos pasamos…a los que no lo son tanto. Les presentamos a los Wickersham, un clan simiesco dotado de la conocidísima mentalidad humana de miembros del hampa. “Son esencialmente una banda de tipos divertidos”, afirma Hayward. “No son unos malos clásicos. Pero cuando las cosas empiezan a ponerse mal para Horton, los Wickersham disfrutan. Habitan en la lado oscuro de la naturaleza humana”.Añadir Anotación



MANTENERLO AL ESTILO DE SEUSS: LA APARIENCIA DE LA PELÍCULA
     Decididos a mantenerse fieles a la visión y la magia de los ambientes y personajes del doctor Seuss, a la vez que trasladaban su estilo de pluma y tinta a un mundo que tiene todas las dimensiones, Jimmy Hayward y Steve Martino visitaron la Biblioteca Geisel de la Universidad de California, en San Diego, donde está depositada toda la obra original del doctor. Buscando pistas que les llevaran al diseño Seussiano, los realizadores estudiaron el arte original del autor y leyeron todos los manuscritos, incluso sus notas y anotaciones autógrafas. Asegura Steve Martino: “Me gustaron especialmente algunas esculturas que Seuss había realizado, que aportaron dirección a la forma como él habría trasladado sus ideas y su mundo a un espacio tridimensional. Descubrimos algunas sutiles referencias al color, la forma y la textura que incorporaríamos a la película”.Añadir Anotación
     “Examinando el conjunto de la obra de Seuss en busca de inspiración, empezamos a adentrarnos en una zona de exageración Seussiana”, prosigue Martino. “Se volvió contagioso y empezamos a adentrarnos en el vocabulario visual de Seuss. Cepillamos digitalmente el cabello de los Quién, por ejemplo, y nos preguntamos, ¿cómo podemos hacerlo al estilo de Seuss? Meternos en su mundo estimuló nuestra imaginación”.Añadir Anotación
Partiendo de las obras de Seuss que él y Hayward estudiaron concienzudamente en los archivos, Martino creó una guía de estilo que facilitó una base a partir de la cual los realizadores crearon un mundo en todas las dimensiones, con textura e iluminación reales. “Podríamos llevar una cámara a través del mundo tridimensional que estábamos creando y explorarlo muy en profundidad”, comenta Martino.Añadir Anotación
     Seuss disfrutaba sorprendiendo a la gente con pequeños detalles y diseños que desbarataban el conjunto. La clave del éxito del traslado de su obra al mundo de la animación informática consistía en convertir esos detalles y diseños en divertidos y capaces de establecer relaciones con el público. Los realizadores dieron a su enfoque el nombre de “lógica Seussiana” – un proceso que garantizaba que cada aparatito y cada artilugio resultaran entretenidamente correctos.Añadir Anotación
     Villaquién es una ciudad completa que descansa sobre una mota que ha aterrizado en un trébol; en cierta forma se asemeja a la existencia cotidiana de nuestro mundo: sus habitantes van a la escuela, trabajan y van de compras. Pero un empleo en Villaquién podría suponer, tal y como señala Hayward, “recostarse todo el día en un sofá comiendo caramelos”.Añadir Anotación
     Los medios de transporte de Villaquién mezclan la diversión con la fiabilidad. Las calles de la ciudad, formadas por varios estratos, están cubiertas de calcetinmóviles, de usuarios de patines con ruedas en línea que, a la vez, utilizan zancos, y de monociclistas, por nombrar sólo unas pocas de las formas inhabituales que los Quién usan para desplazarse. “Si había una manera de llegar a un sitio, nosotros quisimos convertirla en la forma de viajar más divertida e interesante”, dice Martino. El calcetinmóvil antes mencionado – un coche que tiene cuatro patas y camina… con calcetines – era uno de los favoritos de los realizadores. Es el vehículo perfecto para una zona de hospitales o para una biblioteca, o para cualquier zona en la que el silencio sea oro. Otro de los preferidos era el camamóvil. “Con él se ahorra uno dar muchos pasos por la mañana”, asegura Hayward. “Se puede leer un libro de camino al trabajo o recuperar algo de sueño”.Añadir Anotación
     Si un calcetinmóvil o un camamóvil le parecen demasiado convencionales, entonces quizá quiera usted probar el dispositivo de tirachinas gigante de Jo-Jo, que éste utiliza para acceder a un viejo observatorio que ocupa un lugar destacado en el relato. Para empezar, Jo-Jo se sienta en un monociclo conectado al artilugio; a continuación, pedalea hacia atrás pareciendo que vaya a lanzarse contra un muro, agarra una palanca y tira para atrás de ella, disparándose directamente al aire, hasta alcanzar una escalera colgante.Añadir Anotación
     Y, ¿qué decir del esparcimiento, como un partido de tenis? Aquí también la imaginación y la diversión son las fuerzas dominantes. “El doctor Seuss nunca fue en línea recta del punto A al punto B, por lo que nosotros discurrimos que los Quién no jugarían en una pista de tenis ‘normal’”, explica Hayward. “Se nos ocurrió: ¿Por qué no elevar la mitad de la pista en un punto y hacer que unos disparatados huecos de escalera comuniquen las dos mitades de la pista?”Añadir Anotación
     La gravedad no es un gran problema en Villaquién, donde estrechas escaleras sin barandilla se elevan en espiral hasta el cielo, y donde los Quién pasean habitualmente por los costados de edificios gigantescos. “No hay motivo para sufrir lesiones en Villaquién”, señala Hayward. “Hacerse daño no es divertido”.Añadir Anotación
     Incluso cuando a Hayward, Martino y a sus equipos respectivos se les ocurrían diseños originales, querían que el público tuviera la sensación de estar experimentando algo sacado de un mundo Seussiano. “Nos esforzamos por hallar una autenticidad que encajara con los recuerdos que la gente tiene del libro de Seuss”, comenta Martino. Los Quién de Seuss, por ejemplo, parecían chinches de cabeza redonda. Para hacer que los personajes fueran más expresivos, los realizadores los reimaginaron dotándolos de más movilidad facial y movimiento en la frente.Añadir Anotación
     Los realizadores desarrollaron la minimalista Nool concebida por Seuss, quien, en su libro, afirma el director artístico Thomas Cardone, “dejó grandes espacios en blanco para el texto y algún material gráfico. En consecuencia, nosotros no partimos en realidad de una selva de Seuss porque él no había creado ninguna”. La Nool de la película es distinta a cualquier selva que hayamos visto hasta ahora, rica en enormes frondas que se arremolinan, arbustos azules hinchados y altísimas palmeras coronadas con copetes que se asemejan al cabello.Añadir Anotación
Pero aun aquí, Seuss fue una importante inspiración. “Necesitábamos crear ese espacio en blanco, por así decirlo ”, explica Steve Martino. “Comenzamos utilizando la inhabitual paleta de colores selváticos de Seuss – rojos, azules y otros colores extraños, así como plantas con piel” – algo muy alejado del exuberante verde que cabe esperar en una selva. “En Nool, cada hoja tiene una especie de destello de Seuss, como curvas asimétricas y pequeños patrones en las vetas”. Cardone añade que “cuando miramos a un árbol de Seuss, siempre será más pesado en una parte y parecerá diferente visto desde todos los ángulos”.Añadir Anotación
     



EL PELO ES EL NUEVO TRAJE DE GALA:
VISTIENDO Y ARREGLANDO A LOS PERSONAJES
     
     En Villaquién el pelo es algo más que una delgada capa pilosa que cubre la piel – es toda una declaración de moda. Todas las prendas de la pequeña ciudad están hechas de pelo. La geometría subyacente de un Quién es lo que el equipo de pieles de Blue Sky denominaba un “cacahuete” – un Quién desnudo bajo un traje, chaqueta, camisa o vestido de pelo. El resultado es una apariencia del pelo muy estilizada.Añadir Anotación
La noción del pelo como moda proviene directamente del doctor Seuss. “Sus libros contenían excelentes interpretaciones del pelo”, dice Hayward, quien menciona una de sus favoritas que se remonta a la infancia del director: “Yo recordaba un dibujo del libro [Horton Hears a Who!] en el que un Quién llevaba una camisa de pelo. Me llegué a obsesionar con el personaje, quizá porque mi nombre es Hayward y la camisa del tipo lleva una ‘H’”, añade riéndose.Añadir Anotación
“Los Quién van a la peluquería y allí les recortan un nuevo traje”, explica Martino. Y, ¿cuál es la novedad en el mundo de la moda de Villaquién? “Los mechones de cuello son muy grandes”, añade. “Se ven muchos cuellos vueltos altos y grandes cuellos de otros tipos”.Añadir Anotación
     Todo, desde la alta costura a la vestimenta funcional, es producto del trabajo de un peluquero de Villaquién – y de los innovadores equipos de pelo y acicalado de Blue Sky Studios. El pelo y otros elementos visuales singulares son producto de la tecnología exclusiva de Blue Sky, cuya piedra angular es el creador de trazos por rayos CGI Studio. Este creador, el más veloz y más avanzado de su clase, permitió a los realizadores manipular el pelo y los ambientes tal y como si estuvieran trabajando con luces reales en un plató real, trabajando con materiales que se comportaban del mismo modo como lo hacen en el mundo “real”. Consigue unas superficies que parecen que uno pudiera tocarlas.Añadir Anotación
El creador hizo posibles las escenas de grandes muchedumbres y chusma de la película, en las que aparecen millares de peludos personajes. Pero para el innovador equipo de I+D de la película, había mucho más que pelo y moda, pues dicho equipo también creó un campo de quinientos millones de tréboles para una escena fundamental. Vlad, después de haber arrebatado el trébol en el que se halla la mota/Villaquién de la trompa de Horton, tira la preciosa flor en un campo de aproximadamente quinientos millones de tréboles que se extienden hasta donde alcanza la vista. Horton examina los tréboles uno a uno, abriéndose paso a través del inmenso campo. Es la definitiva situación de “la aguja en el pajar”.Añadir Anotación
Es un momento clave del libro de Seuss, a la vez que fundamental para Jimmy Hayward. “Me pareció increíble cuando Horton [en el libro] echó a correr gritando ‘¡¡¡NO!!!’, mientras la mota/trébol caía flotando en el mar de tréboles”, nos cuenta. Hayward, al igual que millones de otros lectores, no podía esperar a volver la hoja y descubrir lo que sucedía a continuación – un recuerdo que mantuvo en su mente mientras la escena estaba construyéndose. Cuando Horton se da cuenta de lo que ha sucedido, “hicimos que la cámara diera un giro completo alrededor de él para revelar el inmenso campo de tréboles, de izquierda a derecha, igual que cuando se pasa una página”, explica Hayward. “Parecía la forma adecuada para revelar esta imagen”.Añadir Anotación
El equipo de I+D de Blue Sky también incorporó al creador un algoritmo exclusivo que permitía a los realizadores representar el viento que soplaba en la parte superior del campo de tréboles, del mismo modo que el viento mece un campo de trigo de Kansas. (Martino, natural del Medio Oeste, tiene un especial cariño a este efecto).Añadir Anotación
El trébol “héroe” – el que acoge a Villaquién – estaba hecho de un millón de cabellos. Para la escena del campo de tréboles, los más cercanos a la cámara tenían el número completo de cabellos o le andaban cerca; los tréboles “extra” o “secundarios” tenían, por término medio, 50.000 cabellos.Añadir Anotación



APLASTAR Y ESTIRAR…CAUSA Y EFECTO:
HORTON CRUZA UN PUENTE – MIENTRAS EL ALCALDE ESTÁ EN EL DENTISTA
     
Esforzándose por captar en su integridad los maravillosos y desbocadamente imaginativos mundos del doctor Seuss, los realizadores llevan la animación y la maquinaria más allá de los límites tradicionales de la física de la animación, las interpretaciones de los personajes y la credibilidad.Añadir Anotación
Emplean técnicas de “aplastar y estirar” para forzar a Horton y al Alcalde a adoptar y realizar apariencias y movimientos extremos. En la tradicional animación bidimensional, aplastar y estirar dota a los personajes de elasticidad y movimiento. Pero Hayward, Martino y los artistas, animadores y técnicos de Blue Sky llevan la técnica a un nuevo nivel.Añadir Anotación
Quizá ninguna escena demuestre mejor la efectividad de sus técnicas de aplastar y estirar que aquélla en la que Horton – con el trébol a cuestas – trata de cruzar un largo y desvencijado puente de bambú que cuelga sobre una profunda garganta. Al mismo tiempo, el Alcalde está en la consulta del dentista, quien se dispone a utilizar en su paciente una gigantesca aguja hipodérmica. Hayward y Martino intercalan las dos situaciones archiprecarias creando una escena de causa y efecto intrincadamente construida. Cada acción (o tropezón) de Horton provoca una reacción igual (o igualmente loca) por parte del Alcalde.Añadir Anotación
En la secuencia, los realizadores emplean la técnica de aplastar y estirar para inflar la trompa de Horton – el elefante de cuatro toneladas y media (y eterno optimista), creyendo que el aire es “más ligero” que cualquier cosa, cree que puede atravesar el puente flotando como un dirigible. Ni que decir tiene que las esperanzas de Horton no acaban de verse cumplidas. Mientras Horton, con su trompa inflada y todo, sigue tropezando y dejando tras de sí trozos rotos del puente a cada paso que da, la aguja hipodérmica del dentista acaba clavándose en el brazo en vez de en la boca del Alcalde. De nuevo, los realizadores aprovechan la oportunidad para forzar la animación, estirando el brazo inyectado del alcalde casi diez metros. Cuando el Alcalde huye de la consulta, su miembro flácido y recientemente alargado propina accidentalmente varias bofetadas a unas pocas personas.Añadir Anotación
Hayward reconoce a Jim Carrey el mérito de habérsele ocurrido la idea de la situación: “Jim preguntó: ‘Si un elefante transportara su mundo en una mota, ¿cuál sería el peor lugar en que estaría el Alcalde?’”, recuerda Hayward. “Después de sugerir algo relacionado con herramientas motorizadas, Jim preguntó: ‘¿Y si el Alcalde estuviera en el dentista y éste blandiera una aguja hipodérmica?’”Añadir Anotación
     Los animadores también recurrieron a la técnica de aplastar y estirar para conseguir un efecto “de mancha”, en el que, por ejemplo, las piernas de un personaje se mueven tan rápidamente que comienzan a correrse como una mancha – pareciendo que su número se duplica o triplica.Añadir Anotación



“EL ELEFANTE ESCUCHA”:
SONIDO Y MÚSICA SE UNEN EN HORTON

     Con la palabra “Escucha” en lugar tan prominente del título y el argumento, a nadie sorprenderá que el diseño del sonido y la partitura sean dos de los elementos más fundamentales de la película. “El concepto principal de la película es que los dos personajes principales no llegan a verse – sólo pueden oírse mutuamente”, dice Hayward entrando en detalles. “Cada uno tiene que creer lo que está escuchando. Y si ésa no es la base de un maravilloso diseño de sonido, no sé cuál lo sea”.Añadir Anotación
     El intrincado y, en ocasiones, majestuoso maridaje de diseño sonoro y música nace de los talentos del diseñador de sonido, galardonado por dos veces con el Oscar®, Randy Thom (“Los Increíbles”, “Elegidos para la Gloria”), que también ha trabajado en películas que van desde “En Busca del Arca Perdida” a “Ratatouille”; y del compositor John Powell, cuyo currículo incluye “Shrek”, “Happy Feet (Rompiendo el Hielo)”, “Ice Age 2: El Deshielo” – y las tres películas de “Bourne”.Añadir Anotación
     Thom y Powell comenzaron a colaborar en un momento inhabitualmente temprano del proceso. “John y yo nos devanamos los sesos con los directores cuando faltaba más de un año para el estreno de la película”, asegura Thom. “Todos comprendimos que la película iba a ser un verdadero patio de recreo para el sonido. Es un gusto poco corriente compartir sonidos con un compositor, y nosotros trabajamos para integrar las dos áreas cuanto fuera posible”.Añadir Anotación
     Thom se esforzó por abrir los oídos del público a distintas percepciones de sonidos – haciendo creíble que un hombre microscópico y un elefante de cinco toneladas pudieran de verdad oírse mutuamente. El primer contacto entre Horton y el Alcalde supone complejas transiciones de sonido: Cuando la mota vuela por el aire, vemos a unos Quién a la deriva pidiendo ayuda a gritos (o, dicho con más precisión, “con aullidos”). Los realizadores pasan de atrás adelante recorriendo los puntos de vista de Horton – cuyas enormes orejas recogen los “microscópicos” sonidos de las diminutas voces que proceden de la mota – y de la aerotransportada Villaquién, donde escuchamos los intensos gritos de sorpresa de los Quién.Añadir Anotación
     Buscando establecer contacto con quienquiera que esté detrás de los débiles sonidos, Horton brama “¡HOLA!” a la mota. Seguimos la onda sonora cuando se desplaza hacia la mota como una nave espacial que volara en dirección a la Tierra. Hace impacto en el trébol, atraviesa un manto de nubes y luego desaparece en una chimenea gigante, viajando a través de un laberinto de conductos – hasta emerger por un caño de desagüe fuera de la oficina del Alcalde.Añadir Anotación
A medida que la voz realiza su viaje a través de la atmósfera, Thom la modula de diversas formas, como alterando su tono y creando lo que él llama un “sonido de gorjeo” – todo ello para complementar el efecto visual de la onda sonora. Para su viaje por el caño de desagüe, Thom añade un montón de “clinks” y “clanks”, así como otros sonidos que estiran el metal y acompañan al continuado sonido del “Hola”.Añadir Anotación
Es un momento divertido para el público – y pasmoso para Horton. “¡Estamos en medio de algún tipo de asombrosa convergencia cósmica!”, exclama Horton al Alcalde. “¡Dos mundos enormemente distintos cuyos caminos se han cruzado milagrosamente! El mío, colosal; el tuyo, minúsculo y, sin embargo, ¡de alguna forma hemos logrado establecer contacto!”Añadir Anotación
El sonido ocupa un lugar de privilegio en el épico clímax de la película, en el que todos los Quién se unen, usando cualquier cosa a su alcance para hacer ruido a fin de que los oigan – y salvarse de una perdición cierta. Al unísono gritan “¡ESTAMOS AQUÍ! ¡ESTAMOS AQUÍ!” Les llega ayuda procedente de un punto inesperado: el hijo del Alcalde, Jo-Jo, que añade su Sinfonífono – un maravilloso instrumento musical que ha improvisado con objetos no musicales – a la sinfonía de múltiples estratos de toda la ciudad.Añadir Anotación
     Mientras los realizadores ponían estos toques finales en la película, Audrey Geisel, esposa del difunto creador de estos mágicos mundos, reflexionaba sobre lo que su esposo pensaría de que Horton Hears a Who! llegara a ser una gran película de animación creada por ordenador. “Probablemente diría”, asegura, “que Horton era tan enorme y tenía un corazón tan grande que la película tenía que ser así”.Añadir Anotación



ACERCA DEL REPARTO
     JIM CARREY (Horton) ha dado recientemente fin al rodaje de la comedia “Yes Man”, dirigida por Peyton Reed. En dicha película, basada en las memorias del autor británico Danny Wallace, Carrey encarna a un hombre que decide cambiar su vida diciendo que sí a absolutamente todo lo que se le pone en el camino. Después de “Yes Man”, Carrey actuará en “A Christmas Carol”, una adaptación del cuento de Charles Dickens escrita por Robert Zemeckis y que el mismo realizador dirigirá para Walt Disney Pictures. En la película, Carrey dará vida a Ebenezer Scrooge y a los tres fantasmas que se le aparecen. Zemeckis rodará la película usando el sistema de animación "performance capture/Disney digital 3-D".Añadir Anotación
A continuación, Carrey emprenderá el trabajo en el largometraje de Paramount Pictures “Ripley’s Believe it or Not!”, a las órdenes del director Tim Burton. La película supone la reunión de Carrey y el escritor Steve Oedekerk (“Ace Ventura: Operación África”). El estreno de la película está programado para 2009. Carrey también ha firmado para protagonizar “I Love You Phillip Morris”, una comedia negra original de Glenn Ficarra y John Requa, el equipo de guionistas creadores de “Bad Santa”, y que será el debut de ambos como directores. Basada en un libro escrito por Steve Mc Vicker, periodista especializado en crímenes del Houston Chronicle, la película, basada en hechos reales, cuenta con Carrey en el papel de Steven Russell, un padre casado cuyas hazañas le hacen caer en manos del sistema de justicia penal de Tejas. Una vez en prisión, se enamora de su compañero de celda, que acaba siendo puesto en libertad, lo que lleva a Russell a escaparse en cuatro ocasiones de las prisiones de Tejas.Añadir Anotación
El año pasado Carrey protagonizó la tensa película “El Número 23” para el director Joel Schumacher. En 2005 Carrey protagonizó, dándole la réplica a Tea Leoni, la comedia de enorme éxito “Dick y Jane, Ladrones de Risa”. La película fue dirigida por Dean Parisot (“Héroes Fuera de Órbita”) y producida por Brian Grazer. En 2004, encabezó el cartel de la película de Paramount Pictures “Una Serie de Catastróficas Desdichas de Lemony Snicket”, basada en la serie de libros infantiles escrita por Daniel Handler, protagonizando igualmente el drama aplaudido por la crítica, producido por Focus Features, “¡Olvídate de Mí!”Añadir Anotación
En 2003, intervino en el gran éxito cómico de Universal Pictures “Como Dios”. La película, que ha recaudado más de cuatrocientos setenta millones de dólares en todo el mundo, fue una de las que tuvieron más ingresos por taquilla del año. “Como Dios” también reunió a Carrey con el director Tom Shadyac (“Ace Ventura” y “Mentiroso Compulsivo”) y con el guionista Steve Oedekerk (“Ace Ventura: Operación África”).Añadir Anotación
En 2001, Carrey participó en el largometraje de Castle Rock “The Majestic”, dirigido por Frank Darabont; y en 2000, tuvo el honor de intervenir en la película de mayor recaudación del año: el estreno de Universal Pictures “El Grinch”. Fue nombrado candidato a un Globo de Oro en la categoría de “Mejor Actor de Película - Musical o Comedia” por su interpretación del Grinch, aspirando igualmente al Premio People’s Choice en la categoría de “Estrella Favorita de Película Cómica”.Añadir Anotación
En el verano de 2000, Carrey volvió a trabajar con los directores Peter y Bobby Farrelly en la comedia de 20th Century Fox “Yo, Yo Mismo e Irene”, por la que recibió una candidatura al MTV Movie Award™ en la categoría de “Mejor Interpretación Cómica” por su retrato de un hombre de personalidad dividida. También logró el Globo de Oro en 2000 al “Mejor Actor de Película - Musical o Comedia” por su interpretación de Andy Kaufman en la película de 1999 “Man on the Moon”. Ya había recibido el año anterior un Globo de Oro al “Mejor Actor de Película – Drama” por su papel en la película “El Show de Truman”, excelentemente acogida por la crítica. La obtención del Globo de Oro en 1999 supuso el primer premio logrado por Carrey en un papel dramático. Había alcanzado igualmente en 1997 una candidatura al Globo de Oro al “Mejor Actor de Película - Musical o Comedia” por “Mentiroso Compulsivo”, la misma categoría en la que fue candidato en 1995 por “La Máscara”. En 2000, fue nombrado “Estrella Masculina del Año” en ShoWest.Añadir Anotación
     Nacido el 17 de enero de 1962 en Newmarket (Ontario), Jim Carrey supo a la edad de tres años que llevaba en la sangre el mundo del espectáculo. A los quince, Carrey se trasladó a Toronto para actual en Yuk Yuks, el famoso club de la comedia. Después de actuar allí, la carrera de Carrey despegó y durante los años siguientes trabajó en clubes de la comedia de todo el Canadá. En 1981, a la edad de diecinueve años, embaló sus pertenencias y se fue a Los Ángeles. Inmediatamente, Carrey se convirtió en un habitual de Mitzi Shore’s Comedy Store, atrayendo la atención del legendario cómico Rodney Dangerfield. Éste quedó tan impresionado con el joven cómico que empezaron a realizar giras juntos. Fue entonces cuando a Jim Carrey empezaron a ocurrirle cosas.Añadir Anotación
1982 resultó ser un año mágico para Carrey cuando MTM le dio el papel principal de la serie que producía para NBC, “Duck Factory”. Aunque la serie sólo duró trece semanas, el trabajo de Carrey dejó una impresión duradera en Hollywood. Al año siguiente consiguió un papel destacado en el largometraje “Mordiscos Peligrosos”, protagonizado por Lauren Hutton. A esta película le siguieron papeles en “Peggy Sue se Casó”, de Francis Ford Coppola, y en la comedia de Geena Davis “Las Chicas de la Tierra son Fáciles”. En 1988, Carrey tuvo una breve pero memorable intervención dando vida a “Johnny Squares”, la autodestructiva estrella del rock, en la película de Clint Eastwood “La Lista Negra”.Añadir Anotación
En 1990, Carrey se incorporó al reparto de la comedia coral de gran éxito producida por Fox Televisión, “In Living Color”. En noviembre del año siguiente, su primer Programa Especial de Showtime, titulado “Jim Carrey’s Unnatural Act”, se estrenó con críticas muy favorables. Al éxito del especial le siguió el papel estelar de un alcohólico que trata de hacer frente a la vida en la película de la semana de Fox, candidata al Emmy®, “Doing Time on Maple Drive”.Añadir Anotación
En 1994, después de varias temporadas exitosas de “In Living Color”, Carrey volvió a diversificar su carrera dedicándose a los largometrajes aceptando el papel principal de la comedia de Warner Bros. “Ace Ventura”. El desenfrenado retrato que Carrey hizo de “Ace Ventura” le convirtió al instante en toda una sensación, y a la película en un éxito. Carrey prolongó dicho éxito en el verano de 1994 dando vida al papel que da nombre a la fantasía de acción “La Máscara”, basada en la vendidísima serie de historietas del mismo nombre publicada por Dark Horse. “La Máscara” llegó a recaudar más de cien millones de dólares en el mercado estadounidense, cosechando unas críticas espectaculares para Carrey. Ese mismo año compartió cabecera de cartel con Jeff Daniels en la película de los hermanos Farrelly “Dos Tontos Muy Tontos”. Carrey intervino, dando vida al personaje de “Riddler/ Edward Nygma”, en la secuela de 1995 “Batman Forever”, que alcanzó un gran éxito. Al año siguiente, protagonizó “Ace Ventura: Operación África”, en la que proseguían las desdichas del detective de mascotas favorito del mundo, desempeñando a continuación el papel principal de la producción de Columbia Pictures “Un Loco a Domicilio”. El éxito de Universal Pictures “Mentiroso Compulsivo” se estrenó con cifras récord de taquilla en 1997, recaudando más de cien millones de dólares en entradas. Su triunfante y triple interpretación le valió el honor de ser declarado “Estrella Cómica del Año NATO/ShoWest”.Añadir Anotación



STEVE CARELL (Alcalde) se ha revelado como uno de los actores cómicos más solicitados de Hollywood. Habiendo logrado en un principio reconocimiento por sus aportaciones como corresponsal en el programa de Comedy Central, ganador de un Emmy, “The Daily Show with Jon Stewart”, Carell pasó sin solución de continuidad, con éxito e idéntico aplomo, a programas de televisión en horario de máxima audiencia alcanzando al tiempo un lugar destacado en las carteleras cinematográficas.Añadir Anotación
Carell estrenó su primer largometraje como protagonista, “Virgen a los 40”, que había escrito junto con el director Judd Apatow, alcanzando el nº 1, lugar en el que se mantuvo durante dos fines de semana consecutivos. El sorprendente éxito de 2005 recaudó más de ciento setenta y cinco millones de dólares en todo el mundo, alcanzando el primer lugar de las listas a su estreno en doce países. La película generó más de cien millones de dólares en ventas de DVD sólo en América del Norte. Fue galardonada con un Premio AFI (siendo nombrada una de las Diez Películas Más Destacadas del Año) y cosechó el premio a la Mejor Película Cómica en la undécima edición de los Premios Critics’ Choice. La película también les valió a Carell y a Apatow sendas candidaturas al premio al Mejor Guión Original de la Asociación del Gremio de Guionistas.Añadir Anotación
Carell protagoniza la versión norteamericana de la aplaudida serie de televisión británica “The Office”. En su cuarta temporada, el programa continúa prosperando en los índices de audiencia. En 2006 y 2007, Carell obtuvo el Premio Globo de Oro a la Mejor Interpretación de un Actor en una Serie de Televisión - Musical o Comedia, por su retrato de Michael Scott, el pomposo e iluso jefe de una empresa papelera de Pennsylvania.Añadir Anotación
En 2006, formando parte de un reparto coral, Carell protagonizó “Pequeña Miss Sunshine”, que obtuvo una candidatura al Premio de la Academia® en la categoría de Mejor Película y logró el SAG Award™ a la Interpretación Más Destacada de un Reparto en una Película. La comedia también fue protagonizada por Greg Kinnear y Toni Collette. Los anteriores trabajos cinematográficos del actor incluyen “El Reportero: La Leyenda de Ron Burgundy”, “Como Dios” y “Embrujada”.Añadir Anotación
El año pasado, Carell protagonizó la comedia romántica “Dan in Real Life”, dando la réplica a Juliette Binoche, así como la comedia “Sigo como Dios”. La esperadísima comedia de acción “Get Smart”, en la que comparte cartel con Anne Hathaway, se estrenará próximamente.Añadir Anotación
Nacido en Massachusetts, Carell reside actualmente en Los Ángeles con su esposa, la actriz Nancy Walls (“Saturday Night Live”), a la que conoció en Chicago en el Second City Theater Group, del que ambos eran miembros. Es el orgullos padre de un hijo y una hija.
CAROL BURNETT (Cangura), ganadora en seis ocasiones del Premio Emmy, ha demostrado tal versatilidad desde que dio fin a la undécima temporada del "Show de Carol Burnett" que ha visto reconocidas sus habilidades dramáticas en la misma medida en que lo fueron sus talentos cómicos y musicales. Los norteamericanos consideran cariñosamente a Carol Burnett una auténtica leyenda viva de la industria del entretenimiento, habiéndole concedido más Premios People’s Choice que a ninguna otra mujer en la historia del galardón. En 2003 le confirieron los Honores del Centro Kennedy y en 2005 recibió la Medalla Presidencial de la Libertad. Algunos de los otros y notables galardones que ha recibido son cinco Globos de Oro, el Premio Peabody por "Friendly Fire", y el Premio Ace por "Between Friends", con Elizabeth Taylor. Ha gozado de la clase de carrera con la que la mayoría de los intérpretes sólo puede soñar, pasando con facilidad del teatro a la televisión; de los largometrajes a los telefilmes, y de los programas especiales de variedades a los de música y comedia.Añadir Anotación
En su versión de “Once Upon A Mattress”, producida en 2005 para ABC TV, interpretó a la Reina Aggravain, con Tracey Ullman como protagonista dando vida a la Princesa Winnifred, el papel que Carol hizo famoso durante su fantástica temporada en Broadway. También interpretó a Winnifred en dos producciones televisivas anteriores del musical.Añadir Anotación
El Programa Especial de CBS “The Carol Burnett Show: Let’s Bump Up The Lights”, se emitió en mayo de 2004, y en él se reunió Carol con Tim Conway, Harvey Korman, Vicki Lawrence y Lyle Waggoner. El programa recogía los momentos espontáneos e hilarantes que podían verse al principio de cada episodio del “Show de Carol Burnett” – en la que Carol y el grupo contestaban preguntas del público presente en el estudio. El anterior programa especial de Carol, "The Carol Burnett Show: Show Stoppers", con Harvey, Vicki y Tim tuvo casi treinta millones de espectadores. Fue el cuarto programa en audiencia de 2001 y candidato a tres Emmys, incluido el de la categoría de "Programa Especial Sobresaliente de Variedades, Música o Comedia".Añadir Anotación
En abril de 2002 se celebró el estreno mundial de "Hollywood Arms", dirigida por Harold Prince, en el Teatro Goodman de Chicago. La idea de la obra partió de la hija de Carol, Carrie Hamilton, que había muerto de cáncer en enero de aquel año. Carrie y Carol fueron coautoras del guión, basado en las vendidísimas memorias de Carol, publicadas en 1986, One More Time. La producción se estrenó en Broadway en el Teatro Cort el 31 de octubre de 2002. Para perpetuar el amor de Carrie por las artes interpretativas, Carol ha creado la Fundación Carrie Hamilton, que en la actualidad apoya los esfuerzos de recaudación de fondos destinados a fundar el Teatro Carrie Hamilton en el complejo “Pasadena Playhouse”. El Teatro Carrie Hamilton apoyará las obras de autores, directores y actores jóvenes, además de plasmar un programa de alcance para niños en peligro, a fin de hacerles ver el mundo del teatro y el valor de sus propios poderes creativos.Añadir Anotación
Carol apareció por última vez en Broadway en 1999, en la revista musical de Stephen Sondheim “Putting It Together”; la producción se escenificó por primera vez en 1998, con gran éxito comercial y de crítica, en el Mark Taper Forum de Los Ángeles. Su último trabajo en Broadway, antes de "Putting It Together”, tuvo lugar en 1995, con Philip Bosco, en la farsa de Ken Ludwig "Moon Over Buffalo". Carol y Philip recibieron candidaturas al Premio Tony en la categoría de Mejor Actor de una Obra Teatral, por sus respectivas actuaciones en dicho gran éxito.Añadir Anotación
En 1996 Carol comenzó su aplaudidísimo trabajo dando vida a la madre de Jamie Buchman (Helen Hunt) en el programa de NBC “Mad About You”, por el que obtuvo un premio Emmy a la Mejor Actriz de Reparto. Los episodios, que figuraron entre los de mayor audiencia de la serie, continuaron en la temporada 1997. 1994 fue un año de mucho trabajo para Carol. Produjo dos programas especiales para CBS: “Men, Movies & Carol", que parodiaba el cine y tuvo como artistas invitados a Tony Bennett, Scott Bakula, Michael Jeter y Barry Bostwick; y "Carol Burnett: The Special Years", en los que se recogían los momentos más memorables de nueve de sus programas especiales. "Seasons of the Heart", un telefilme dramático de la NBC, que coprotagonizó con George Segal y Malcolm McDowell, también se emitió ese año.Añadir Anotación
Carol pasó la mayor parte de su infancia en un barrio de Hollywood no precisamente muy elegante y fue alumna de UCLA antes de marcharse a New York. Sus comienzos fueron duros, como los empleos que consiguió hasta que logró poner en escena su propia revista musical, en la que intervenían sus desempleados vecinos de una casa de huéspedes para actores, representando material original de guionistas y compositores que también estaban en el paro. No tardaron en llegarle ofertas para actuar en repertorios de verano, a las que siguieron trece semanas de trabajo en el programa de televisión para niños de Paul Winchell. Poco después, mientras actuaba en The Blue Angel en Nueva York, fue descubierta por cazadores de talentos tanto de "The Jack Paar Show" como de "The Ed Sullivan Show". El público televisivo de ambos programas se partió de la risa con la ya legendaria interpretación que Carol hizo de "I Made a Fool of Myself Over John Foster Dulles."Añadir Anotación
Después de breves actuaciones como artista invitada en el programa de televisión mañanero de Garry Moore, Carol intervino en la emisión vespertina de "The Garry Moore Show". Durante el primer año de "The Garry Moore Show", interpretó simultáneamente el papel principal del musical de fuera del circuito de Broadway, "Once Upon a Mattress". La obra alcanzó el éxito inmediatamente y, más adelante, se representó en Broadway.Añadir Anotación
A ello le siguió el primero de sus varios programas especiales con Julie Andrews, "Julie and Carol at Carnegie Hall", un programa musical de una hora en la CBS. Haciendo malabarismos con Broadway y con la televisión, Carol protagonizó sobre las tablas "Fade Out, Fade In", así como varios programas especiales televisados, incluidos "Carol & Company", con Robert Preston; una versión de noventa minutos de "Once Upon a Mattress"; un musical original, "Calamity Jane"; "Carol + 2", con Lucille Ball y Zero Mostel, y "Carol & Company", con Rock Hudson. En 1967, Carol regresó a Los Ángeles para dar comienzo a lo que llegaría a ser el programa musical de variedades que más tiempo ha estado en antena en la historia de la televisión: "The Carol Burnett Show", ganador del Emmy.Añadir Anotación
Aunque las once temporadas de "The Carol Burnett Show" la mantuvieron extremadamente ocupada, logró encontrar tiempo para actuar como protagonista en Las Vegas junto a su amigo Jim Nabors, así como para debutar en el escenario en “Plaza Suite”, una obra sin música, en el Teatro Huntington Hartford de Los Ángeles. Encabezó el reparto de otra excelente obra, "Same Time, Next Year", con Dick Van Dyke, y, a continuación actuó, junto a Rock Hudson, en la producción de “I Do, I Do”. Después vino su segundo programa especial con Julie Andrews, "Julie and Carol at Lincoln Center", junto con papeles principales en largometrajes como "Risas y Lágrimas", con Walter Matthau, y "Primera Plana", de nuevo junto a Matthau y Jack Lemmon. Durante la temporada 1973-74, mientras seguía haciendo "The Carol Burnett Show", fue coprotagonista con Alan Alda de "6 Rms Riv Vu", en CBS, y al año siguiente interpretó a cuatro personajes en una presentación especial para televisión de noventa minutos de la tragicomedia de George Furth "Twigs". Formando equipo con la estrella de la ópera Beverly Sills en "Sills & Burnett at the Met", emitida durante la temporada 1976-77, Carol obtuvo un Premio Christopher.Añadir Anotación
Carol también ha protagonizado diversos proyectos de cine y televisión desde que tomó conscientemente la decisión de echar el telón a "The Carol Burnett Show" en 1978, después de que la serie hubiera ganado un total de veinticinco Premios Emmy y cuando conservaba su inmensa popularidad. Otras producciones incluyen el programa especial, aclamado por la crítica y de gran éxito de audiencia, "Julie and Carol: Together Again", así como el telefilme “The Marriage Fool”, de 1998, en el que volvió a compartir cabecera de cartel con Walter Matthau. En reconocimiento de su enorme caudal de logros televisivos, la Asociación Nacional de Emisoras de Radio y Televisión la incluyó en su prestigioso Salón de la Fama.Añadir Anotación
Entre sus demás largometrajes figuran "Las Cuatro Estaciones", "El Golfo de San Francisco", "Annie" y dos películas dirigidas por Robert Altman: "Health" y "Un Día de Boda", por el que ganó el premio a la Mejor Actriz en el festival de San Sebastián. Su trabajo cinematográfico más reciente es su papel de protagonista, dando la réplica a Michael Caine y Christopher Reeve, en la adaptación de la desternillante farsa teatral británica "Noises Off", dirigida por Peter Bogdanovich.Añadir Anotación
Los espectadores estadounidenses han podido verla en telefilmes como "The Grass Is Always Greener Over the Septic Tank", "Friendly Fire", por el que recibió una candidatura al Emmy, "The Tenth Month", así como en las películas de HBO "Between Friends", junto a Elizabeth Taylor, y "The Laundromat", dirigida por Robert Altman. Otros programas especiales de televisión incluyen "Dolly and Carol In Nashville", con Dolly Parton; "Burnett Discovers Domingo", con Plácido Domingo; y un montaje de dos horas de duración de ABC de la obra de Neil Simon "Plaza Suite", que había representado en el teatro en Los Ángeles. En 1991 presentó dos programas especiales de CBS muy aplaudidos :"The Very Best of the Ed Sullivan Show", y su propio "The Carol Burnett Show: A Reunion", dos de los programas de mayor audiencia de la cadena de la temporada. Carol nunca perdió su afición a actuar cara al público y desde 1990 ha intervenido en numerosas producciones de "Love Letters", dando la réplica a protagonistas como Leslie Nielsen, Tony Roberts, Charlton Heston, Tom Selleck, Brian Dennehy y Cliff Robertson. Regresó a la comedia musical en los montajes escenificados en 1993 por la Ópera Ligera Cívica de Long Beach de "From The Top!", (un musical original escrito especialmente para Carol por sus antiguos colaboradores y amigos Ken y Mitzie Welch), y de "Company", de Stephen Sondheim.Añadir Anotación
Lo que comenzó como una carta a sus hijas que recogiera la vida e historia familiar de Carol, se convirtió en One More Time, una memorias alabadas por la crítica y publicadas por Random House, que figuraron en la lista de libros de tema real más vendidos de 1986.
Los esfuerzos sociales y benéficos de Carol son innumerables. Ha donado becas a su alma mater, UCLA, de cuyo consejo de administración forma parte, y donde ha creado "El Concurso de Teatro Musical Carol Burnett".
Además de a UCLA, Carol también ha realizado donaciones para becas de ética periodística a la Universidad de Hawaii, habiendo creado también idénticos fondos para actores en el Emerson College de Boston y The College of Santa Fe. Carol sigue contribuyendo sin reservas a numerosas organizaciones benéficas, recordando siempre que ella también ha recibido con generosidad.Añadir Anotación



WILL ARNETT (Vlad) ha protagonizado recientemente la comedia ambientada en el mundo del béisbol “Semi Pro”, al lado de Will Ferrell y Woody Harrelson. El año pasado, Arnett intervino, dando la réplica a Will Ferrell, Jon Heder y a su propia esposa, Amy Poehler, en la comedia de patinaje artístico “Blades of Glory”. También ha trabajado recientemente en “Brothers Solomon”, compartiendo cartel con Will Forte. Además, Arnett prestó su voz al exitoso largometraje de animación “Ice Age 2: El Deshielo” y fue coprotagonista junto a Robin Williams de “R.V.”, dirigida por Barry Sonnenfeld.Añadir Anotación
Actualmente, Arnett está contratado para protagonizar "Most Likely to Succeed", para Universal; "Dad Can’t Lose" y "Get ’Em Wet", para Paramount, así como “The Ambassador”, para Dreamworks y Paramount, de la que también será productor ejecutivo.Añadir Anotación
Arnett logró su primera candidatura al Emmy por su trabajo en la aplaudida comedia de situación de la Fox “Arrested Development”, en la que dio vida a Gob Bluth. La serie fue candidata a dos Emmys en la categoría de Serie Cómica más Destacada, logrando uno en su primera temporada. También obtuvo una candidatura al Globo de Oro – y un gran número de leales admiradores.Añadir Anotación
Antes de hacerlo en “Arrested Development”, trabajaba habitualmente en la serie cómica de NBC “The Mike O’Malley Show”. Su currículo televisivo se completa con papeles de actor invitado en “Sexo en Nueva York”, “Los Soprano”, “Boston Public”, “Third Watch” y “Ley y Orden; Unidad Especial de Víctimas”. Arnett también intervino en la serie de NBC “Will y Grace”, interpretando a la némesis bailarina de Jack a la vez que realizaba pruebas para ser bailarín de apoyo para Janet Jackson. En fecha muy reciente, Arnett intervino en dos ocasiones en el programa de NBC “30 Rock” encarnando a Devon Banks en un memorabilísimo papel de estrella invitada.Añadir Anotación
El historial cinematográfico de Arnett se compone de largometrajes como “Monster-In-Law”, “The Waiting Game”, “The Broken Giant”, “Southie” y “Ed’s Next Move”. Además, fue el narrador de la película “Series 7: The Contenders” y puede escuchársele en diversos anuncios, muy especialmente como la voz de los Camiones GMC.Añadir Anotación
En la actualidad, Arnett divide su tiempo entre sus residencias de Los Ángeles y Nueva York, donde vive con su esposa, la actriz y estrella de “Saturday Night Live”, Amy Poehler.

ISLA FISHER (Dra. Mary Lou LaRue) protagoniza junto a Ryan Reynolds y Abigail Breslin la comedia “Definitely, Maybe”, escrita y dirigida por Adam Brooks. Antes de ello, había interpretado la película “The Lookout”, un gran éxito de crítica con guión y dirección de Scott Frank, en la que también intervienen Joseph Gordon-Levitt y Jeff Daniels; así como en la comedia “Flipado Sobre Ruedas”, al lado de Andy Samberg, del programa “Saturday Night Live”. Fue asimismo protagonista de “¡Cásate Conmigo!” al lado de Jason Biggs, película escrita y dirigida por Michael Ian Black.Añadir Anotación
Fisher debe gran parte de su fama a su interpretación, aclamada por la crítica, de la excéntrica enamorada de Vince Vaughn en el gran éxito cómico “De boda en boda”. Su primera aparición de ámbito nacional tuvo lugar en 2002 en el largometraje de acción real “Scooby-Doo”. Desde entonces, ha participado en “I Heart Huckabees” a las órdenes del director David O. Russell, y en la serie de televisión preparada/improvisada “Pilot Season”, junto a David Cross, Andy Dick y Sarah Silverman.Añadir Anotación
Nacida en Omán, país de oriente medio, la familia de Fisher se trasladó a la pequeña ciudad de Perth, sita en Australia occidental, cuando la actriz era una niña. A la edad de nueve años, Fisher ya tomaba parte en anuncios emitidos en la televisión australiana. Posteriormente encarnó a Shannon Reed en la popular serie “Home and Away”, que también ayudó a lanzar las carreras de Guy Pearce, Naomi Watts y Heath Ledger. Mientras trabajaba en el plató de “Home and Away”, encontró tiempo para escribir y publicar dos novelas de tema juvenil y gran éxito de ventas.Añadir Anotación



AMY POEHLER (Sally O’Malley) se encuentra actualmente en su séptima temporada como miembro del reparto de “Saturday Night Live” (y en la cuarta como copresentadora de “Weekend Update”). Poehler es protagonista de la comedia de Warner Bros. “Spring Breakdown”, en la que da la réplica a Parker Posey, y también de la comedia de Universal Pictures “Baby Mama”, junto a Tina Fey. Poehler produce, escribe y aporta su voz a la nueva serie animada de televisión de Nickelodeon “Mighty B”, que trata de las hazañas de una abeja scout de diez años.Añadir Anotación
El año pasado, Poehler tuvo un papel destacado en la comedia de patinaje sobre hielo “Blades of Glory”, al lado de Will Ferrell, Will Arnett y Jon Heder. También fue la voz de Blancanieves en el gran éxito de taquilla “Shrek 3”.
Poehler puede presumir de un impresionante repertorio de estrafalarios personajes, desde la hiperactiva Caitlin hasta la maniática presentadora de “Good Morning Meth”, pasando por Amber, la participante coja en un reality show. Poehler también ha realizado memorables imitaciones de Kelly Ripa, Avril Lavigne, Sharon Osbourne, Paula Abdul, la senadora Hillary Clinton, Sharon Stone y Michael Jackson.Añadir Anotación
Poehler se incorporó al reparto de SNL procedente de Upright Citizens Brigade, una compañía de sketches/improvisaciones originaria de Chicago. Poehler y la U.C.B. se trasladaron a Nueva York, donde tuvieron un programa de sketches durante tres temporadas en Comedy Central, del que fue intérprete y guionista. Además, inauguraron un teatro que actualmente es considerado como el primer local cómico de sketches/improvisaciones de Nueva York. Poehler y la U.C.B. intervinieron en “A.S.S.S.S.C.A.T.: Improv”, un programa especial de comedia improvisada en Bravo.Añadir Anotación
Ha intervenido en otros largometrajes como “Mean Girls”, “Cuestión de Pelotas”, “Southland Tales”, “Tenacious D in The Pick of Destiny”, “The Ex”, “Wet Hot American Summer” y “Envidia”.
Poehler ha realizado memorables intervenciones en “Late Night with Conan O’Brien”, “Arrested Development”, “Wonder Showzen” y “Undeclared”. También dobló a personajes de “O’Grady” y “Los Simpson”.
Poehler está casada con el actor Will Arnett y vive en Nueva York.

SETH ROGEN (Morton), actor, guionista y productor, tuvo un papel de protagonista dando la réplica a Katherine Heigl en “Lío Embarazoso”, que recaudó casi ciento cincuenta millones de dólares en el mercado estadounidense. Fue coguionista y productor ejecutivo, además de actor, en el gran éxito juvenil “Supersalidos”, una comedia semiautobiográfica cuyos ingresos rondaron los ciento veinte millones de dólares y que fue muy bien recibida por la crítica.Añadir Anotación
Este mismo año Rogen fue el narrador de la aventura fantástica “The Spiderwick Chronicles”. Rogen fue también coguionista de otra comedia producida por Apatow, “Drillbit Taylor”, protagonizada por Owen Wilson.
La carrera de Rogen comenzó a la tierna edad de trece años, realizando números cómicos ante un micrófono en Vancúver. Después de haberse mudado a Los Ángeles, consiguió papeles secundarios en las comedias televisivas, de gran éxito de crítica, producidas por Judd Apatow, “Freaks and Geeks” y “Undeclared”, en las que se basó la reputación de Rogen como intérprete de personajes perdedores, vagos y gente del montón. A los dieciocho años, demostrando su experiencia detrás de la cámara, Rogen fue contratado como guionista de plantilla de “Undeclared”.Añadir Anotación
En 2005, Apatow incluyó a Rogen en el reparto del gran éxito cómico “Virgen a los 40”, que en su estreno en cines alcanzó el nº 1 y obtuvo una recaudación de ciento sesenta y cinco millones de dólares en todo el mundo. Coproducida por Rogen, la película fue declarada una de las Diez Más Destacadas del Año por el AFI, y logró el premio a la Mejor Comedia en los Premios Critics’ Choice. Ese mismo año fue candidato a un Premio Emmy al Guión Más Destacado de Variedades, Música o Comedia por el programa de HBO “Da Ali G Show”.Añadir Anotación
Este canadiense de veintiséis años sigue confirmando el puesto que ha alcanzado entre una nueva generación de guionistas/productores/actores de comedia. Sus próximas películas incluyen la comedia de acción “Pineapple Express” y la de animación “Kung Fu Panda”. Rogen y su socio guionista Evan Goldberg están escribiendo “The Green Hornet”, un proyecto del que tiene previsto ser intérprete y productor ejecutivo.Añadir Anotación

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ACERCA DE LOS REALIZADORES
Los antecedentes de JIMMY HAYWARD (Director) en el campo de la animación, son tan profundos y variados como los proyectos en los que ha participado. Debuta como director de largometrajes con una adaptación creada por ordenador del popular relato del Dr. Seuss Horton Hears a Who! , y que es la segunda película de Blue Sky Studios en la que ha intervenido. Hayward se incorporó a “Robots”, producida por Blue Sky, como guionista y asesor de guión, realizando también trabajos adicionales de dirección.Añadir Anotación
Hayward logró su primer trabajo en la pequeña pantalla como animador principal en la producción de ABC “Reboot”, el primer programa de televisión creado por ordenador.
Antes de incorporarse a Blue Sky Studios, Hayward fue miembro del equipo de Pixar Animation Studios. El trabajo de Hayward con la empresa comenzó con el primer largometraje de ésta, “Toy Story”, del que fue uno de los animadores. Continuó con Pixar gracias a “Toy Story 2”, trabajando con el director Ash Brannon en el desarrollo del guión. A medida que la película se aproximaba a la fase de producción, Hayward estructuró y posteriormente supervisó el equipo de animación durante las primeras etapas de la película. Se quedó en “Toy Story 2” como animador, actuando también en idéntica condición en sucesivas producciones de Pixar, como “Bichos: Una Aventura en Miniatura”, “Monstruos, S.A.” y “Buscando a Nemo.”Añadir Anotación
Mientras refinaba su propia habilidad en Pixar, Hayward descubrió que tenía talento para la enseñanza. Encauzó sus dotes a la Universidad Pixar, donde confeccionó e impartió un programa destinado a convertir a artistas tradicionales y de stop-motion en animadores de Pixar. Hayward también enseñó animación en el Programa Pixar de la Academia de Arte de San Francisco. Allí, diseñó e impartió durante siete años una licenciatura en animación y guiones patrocinada por Pixar.Añadir Anotación
Además de su éxito basado en el estudio, Hayward también ha descubierto un mercado para sus proyectos personales. “Chumps”, un programa del que es cocreador, fue vendido para su desarrollo por parte de MTV Networks, donde escribió la primera temporada y dirigió programas piloto de pruebas. En MTV, Hayward siguió trabajando como guionista, reescribiendo programas piloto y ayudando al desarrollo de “Mulletheads” y “The Ready, Set Go! Kids”.Añadir Anotación

STEVE MARTINO (Codirector) es un pionero en el campo de la animación por ordenador. Lleva trabajando en esta área desde 1981 como diseñador y director de animación. Después de obtener la licenciatura en diseño gráfico, Martino empezó su trabajo de postgrado en animación informática en el Grupo de Investigación de Infografía de la Universidad Estatal de Ohio. Éste fue el primer programa de su clase que integró a artistas y científicos informáticos en un ambiente de colaboración para desarrollar nuevos métodos destinados a la creación de animación. Martino obtuvo un master en este programa, donde completó su tesis sobre diseño y creación de guiones gráficos para animación informática.Añadir Anotación
Martino estaba en la frontera de la floreciente industria de las Imágenes Creadas por Ordenador cuando se incorporó a Cranston/Csuri Productions en 1983, donde diseñó, animó y produjo soluciones de animación informática para clientes como ABC, CBS, NBC, HBO y ESPN. El trabajo de diseño y animación de Martino le valió tanto un reconocimiento personal como una cosecha de premios para los estudios concedidos por la Asociación de Diseñadores de Televisión, los Premios International Monitor y numerosos festivales de cine.Añadir Anotación
En 1987 la industria de la animación informática subió como la espuma gracias a importantes adelantos tecnológicos y al rápido crecimiento de la producción. Martino aprovechó esta oportunidad para trasladarse a Los Ángeles y contribuir a poner en marcha MetroLight Studios, que consiguió una excelente reputación merced a sus galardonados diseños, efectos visuales y animación informática. Con Martino como uno de sus principales directores de creación, MetroLight obtuvo un Premio de la Academia en 1991 por los efectos visuales de “Desafío Total”. Ese mismo año, Martino consiguió un Premio Emmy Primetime por su diseño y dirección de la secuencia principal del título del programa de ABC “World of Discovery”. Durante el tiempo que trabajó en MetroLight, Martino dirigió animación para anuncios, películas y programas de televisión, lo que permitió al estudio ampliar las fronteras de la creación informática siendo el primero en utilizar tecnologías de captura de movimiento e integración de animación con acción real.Añadir Anotación
Llevado por su deseo de desarrollar y producir contenidos originales, Martino se incorporó a 7th Level Studios en 1994 como vicepresidente de creativos, desarrollando productos exclusivos educativos y de entretenimiento para el mercado interactivo. El trabajo de Martino con Howie Mandel en la serie “Lil’ Howie’s Fun House”, y su colaboración con Terry Gilliam y Eric Idle en “Los Caballeros de la Mesa Cuadrada” y “El Sentido de la Vida”, cosecharon premios y reconocimiento en el campo del entretenimiento interactivo.Añadir Anotación
En 1997 Martino ayudó a poner en marcha un segundo estudio, Click 3X LA, del que fue socio y director de animación. Click 3X LA se hizo acreedor a una excelente reputación por el diseño y la producción de efectos visuales para televisión, películas para salas de cine e Imax. Haciendo de la animación de personajes el centro de atención de su trabajo, además de su pasión, Martino dirigió anuncios para clientes que iban de Toyota a Terminix. Su liderazgo culminó con la dirección de animación de una película rodada para televisión que combinaba un gran número de personajes animados, incluido un gnomo de tres metros, integrándolos en una película de acción real. Martino se encargó de la supervisión creativa de todos los aspectos de la producción con un equipo de cuarenta personas: desde la creación de modelos y la animación hasta la iluminación y la composición final.Añadir Anotación
Martino ingresó en Blue Sky Studios en 2002 como director artístico del largometraje “Robots”, colaborando con Chris Wedge y William Joyce en la creación del caprichoso y totalmente imaginado mundo que aparece en la película.
Martino fue parte esencial de la promoción de “Robots”, dirigiendo un anuncio de servicio público en que intervenían los personajes de la película. Recorrió el mundo presentando la película a la prensa, participando en una recepción sin precedentes para la prensa después del estreno, que se centró exclusivamente en los efectos visuales que Martino había contribuido a crear para la película.Añadir Anotación

     CINCO PAUL (Guionista) estudió en la Universidad de Yale licenciándose con matrícula de honor, algo que sólo menciona en resúmenes biográficos como el presente, por lo que lo dejaremos pasar. Luego consiguió un Master en Bellas Artes, especialidad de guiones de cine, en la Universidad del Sur de California. Poco después vendió su primer guión, trabajando a continuación de forma obscura en guiones que no se produjeron hasta que conoció a su futuro compañero de actividad Ken Daurio en una obra representada en una iglesia. El equipo que formó con Ken fue el responsable de películas como “El Chico de la Burbuja”, “Santa Claus 2”, “College Road Trip” y, ahora, HORTON. Cinco vive actualmente en Agoura Hills (California) con su esposa y sus tres hijos.Añadir Anotación

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     KEN DAURIO (Guionista) se trasladó a Hollywood a la edad de ocho años soñando convertirse en realizador. Un año más tarde ya tenía camino adelantado realizando cortometrajes de animación y películas de efectos especiales con su cámara de Super-8 de segunda mano. Recién salido del instituto comenzó a dirigir vídeos musicales para conjuntos prometedores como Blink 182, AFI y Jimmy Eat World. Seis años y más de cien vídeos musicales después, formó equipo con Cinco Paul para escribir su primer guión de largometraje. La venta del mismo solidificó su asociación con Paul y desde entonces los dos han estado escribiendo juntos. El resto de sus películas que han sido producidas incluye “El Chico de la Burbuja”, “Santa Claus 2” y “College Road Trip”. La oportunidad de trabajar en HORTON ha sido un sueño hecho realidad para Daurio, ya que era el libro favorito de su infancia. Daurio vive actualmente en Westlake Village (California) con su esposa y sus tres hijos.Añadir Anotación
     BOB GORDON (Productor) fue productor de campo de la enormemente exitosa “Ice Age 2: El Deshielo”, y coproductor del gran éxito de crítica “Robots”, ambas para 20th Century Fox. Su currículo en el campo de la animación también incluye “Titan A.E.” y “ICE AGE. LA EDAD DEL HIELO”, primera película de la serie.Añadir Anotación
     Natural del sur de California, Gordon pasó muchos sábados de su infancia en varios de los históricos y exuberantes cines de Hollywood, donde nació su amor por las películas. Armado con una licenciatura de la Universidad Politécnica del Estado de California (Pomona) y con su trabajo de postgrado en ciencia informática, trabajó como analista informático para WED, la rama de ingeniería de la organización Disney. Su carrera cinematográfica empezó con “Tres Hombres y un Bebé”, trabajando en contabilidad de producción en los estudios Disney.Añadir Anotación
     Gordon trabajó en las películas de James Cameron “Mentiras Arriesgadas” y “Abyss”, así como en “Hoffa: Un Pulso al Poder”, “The Two Jakes”, “Bulworth”, “Say Anything”, “Waterworld”, “Cámara Sellada”, “Millonario al Instante”, “Hot Shots 2”, “KGB, Último Acto”, “Cuando un Hombre Ama a una Mujer”, “Ayer, Hoy y por Siempre” y “Alien Nación.”Añadir Anotación

AUDREY GEISEL (Productora Ejecutiva) es la presidenta y directora general de Dr. Seuss Enterprises. Fundada en 1993 para mantener la calidad e integridad de la marca comercial Dr. Seuss, Dr. Seuss Enterprises ha supervisado la producción de todas las adaptaciones póstumas con licencia de la obra del Dr. Seuss.Añadir Anotación
La señora Geisel es igualmente presidenta de Dr. Seuss Fund y Dr. Seuss Foundation, entidades que donan fondos a diversas iniciativas e instituciones que promueven la alfabetización, entre las que figuran: Family Literacy Foundation, National Center for Family Literacy, Rolling Readers USA, y San Diego Council on Literacy. Además el Dr. Seuss Fund y la Dr. Seuss Foundation han donado fondos a numerosas organizaciones y fundaciones.Añadir Anotación
     La señora Geisel supervisa los numerosos proyectos literarios y de entretenimiento basados en las obras del Dr. Seuss, así como empresas filantrópicas que rinden tributo al difunto autor.

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Después de haber pasado trece años en 20th Century Fox, CHRISTOPHER MELEDANDRI (Productor Ejecutivo), que ha ocupado muy recientemente la presidencia de Fox Animation, es en la actualidad presidente y director general de Illumination Entertainment.
En 1998 Fox adquirió la totalidad de la propiedad de Blue Sky Studios después de que Meledandri viera la ocasión de trasladar el núcleo de su equipo creativo a la producción de largometrajes.
Después de haber supervisado la reorganización y expansión de Blue Sky, Meledandri emprendió la producción de “ICE AGE. LA EDAD DEL HIELO”, un proyecto que él personalmente había desarrollado y que consideró ideal para el director Chris Wedge. En “ICE AGE. LA EDAD DEL HIELO” trabajaron Ray Romano, John Leguizamo, Denis Leary y Jack Black. Meledandri actuó de productor ejecutivo en “Ice Age”, así como en el cortometraje candidato a un Premio de la Academia y derivado de dicha película, “Gone Nutty”.Añadir Anotación
Fox Animation y Blue Sky produjeron, a continuación de “Ice Age. La Edad del Hielo”, “Robots”, de la que Wedge fue director y Meledandri productor ejecutivo. “Robots” contaba con las voces de Robin Williams, Ewan McGregor, Halle Berry, Greg Kinnear, Amanda Bynes y Mel Brooks.
En 2006, Meledandri se encargó de la producción ejecutiva de “Ice Age 2: El Deshielo”, dirigida por Carlos Saldanha. La película fue la tercera de 2006 en ingresos, recaudando seiscientos treinta y siete millones de dólares en todo el mundo. A los miembros del reparto original se unieron, en la secuela, Queen Latifah y Seann William Scott.Añadir Anotación
Meledandri supervisó “Los Simpson”, producida por James L. Brooks, Matt Groening y Al Jean.
Meledandri es miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Estudió en Dartmouth College y es miembro del Consejo de Gobierno de la Escuela Elemental de Kenter Canyon, de Brentwood (California), además de miembro del consejo de administración de la Escuela Hotchkiss, de Lakeville (Connecticut).Añadir Anotación

JOHN POWELL (Música) consiguió en 1998 un empleo para componer música para anuncios y televisión en la empresa londinense Air-Edel Music. Allí trabajó al lado de los compositores Hans Zimmer y Patrick Doyle, e hizo su primera incursión en el género de los largometrajes ayudando a Doyle con la partitura de “Escapada al Sur”, y escribiendo entradas para Zimmer en “Colmillo Blanco”.Añadir Anotación
No forma parte de la naturaleza de Powell ceñirse a un solo estilo musical. Antes de trasladarse a Los Ángeles, tocó durante más de quince años con The Fabulistics, un conjunto de soul de Londres que actuaba para todo el mundo, desde Lady Diana a los parroquianos del pub local.Añadir Anotación
La partitura inquietantemente temática de Powell para la película de Nicolas Cage/John Travolta “Cara a Cara” le dio a conocer. A continuación, compuso melodías románticas de una extravagante sensibilidad cómica para Ben Affleck y Sandra Bullock en “Las Fuerzas de la Naturaleza”. Para la película de animación de DreamWorks “Hormigaz”, que cuenta con las voces de Woody Allen y Sharon Stone, Powell creó una mezcla musical de sonidos de jazz, latinos y clásicos con un tema muy imaginativo.Añadir Anotación
Después vino “Endurance”, desarrollada y coproducida por Terrence Malick. En una película casi muda, la partitura de Powell sirve de diálogo, transmitiendo la alegría, la dignidad y la lucha del personaje central. En las películas de animación “Shrek” y “Shrek 2”, Powell impresionó por igual al público y a la crítica creando una partitura sofisticada e inteligente. Volvió a conquistar el corazón del público con la conmovedora partitura de “I Am Sam”.Añadir Anotación
Desde entonces, Powell ha puesto música a una gran variedad de películas, incluidas “Alfie”, “Be Cool”, “Chicken Run”, y los filmes de acción “The Italian Job”, “El Caso Bourne”, “El Mito de Bourne”, “El Ultimátum de Bourne”, “Paycheck” y “X-Men: The Last Stand.”
Entre sus demás trabajos se cuentan el aplaudido drama “United 93”, “Drumline” y la reciente comedia romántica “P.S. I Love You”. Ha compuesto las partituras de un trío de exitosas películas de animación: “Robots” y “Ice Age 2: El Deshielo”, de la Fox, y “Happy Feet (Rompiendo el Hielo)”, de Warner Bros.Añadir Anotación


Dr. Seuss’ Horton Hears A Who! TM & © 2008 Twentieth Century Fox Film Corporation. Dr. Seuss, Horton Hears A Who! Y Dr. Seuss Characters TM & © 1954, 2008 Dr. Seuss Enterprises, L.P.
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Se autoriza a periódicos y publicaciones en general la reproducción de este texto con el fin único y exclusivo de contribuir a la divulgación de la distribución de la película.
Cualquier otro uso queda estrictamente prohibido, incluyendo la venta, duplicación o cualquier otra forma de entrega del presente material.
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Nacho, 12 de Marzo de 2008
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