En esta sección vamosa poner reseñas de discos, preferiblemente actuales, pero tambiénde algunos que aparecieron con anterioridad. La principal característicade estas reseñas, aparte del gusto del autor de estas páginas,que muy pronto podréis ver por dónde va, es que tendráen cuenta la fusión de estilos. Como venimos diciendo, una de lascosas que le interesa subrayar a Cisne Negro es la intertextualidad. Espor ello que nosotros apostamos por un tipo de música que intentacrear esa mezcla de artes, ya sea fusionando música (músicaclásica y heavy metal) o disciplinas (literatura y música),etc.

Últimas reseñas:
           Apocalyptica:Cult

Reseñas anteriores:
            Cowboy Bebop OST 1.
             Tierra Santa: Tierras de Leyenda.
             Peter Breiner: Beatles go baroque
             Victor Smolski: The heretic
             Amorphis: Am universum
             Therion: Secret of the runes
             Dark Moor: The fall of Melniboné
             The Gathering:If_then_else
             Dream Theater: Metropolis 2000
             Avalanch: El ángel caído
             Avantasia: The metal opera
             Therion: Deggial
             Lacuna Coil: Unleashed memories

Valoración: 8 de 10.
        Este cuarteto de cuerdanórdico nos vuelve a sorprender con su tercer álbum, despuésdel Plays Metallica by four cellos y el estupendo InquisitionSymphony (por si hay algún despistado, Apocalyptica es un grupode cuatro violoncelistas amantes del metal que consigue una fusiónextraordinaria de las dos músicas que conocen a la perfección:la clásica y el metal). Apocalyptica llega a su madurez compositivacon este Cult: de los trece cortes del álbum, ya sólohay tres versiones, una de ellas clásica y dos de sus amados Metallica;el resto es de composición propia. El desgarrador inicio con "Path"continua con la potente y soberbia "Struggle", en las cuales ya podemosadvertir una de las novedades de este disco: la experimentacióncon diferentes métodos de percusión que completan las melodíasde los cellos. "Romance" y "In memoriam" son canciones más lentas,que se alternan con pedazos metálicos como "Pray!" o la tremenda"Hyperventilation". Encontramos ecos compositivos de Metallica  enbaladas como "Beyond time" o en riffs-obstinatos como el de "Hope", quedemuestran lo fácil que es componer una melodía heavy parainstrumentos clásicos.
        Finalmente, quedan las versiones.La malévola "Hall of the Mountain King", originalmente de Grieg,consigue llevar a la locura con la progresiva aceleración de lascuerdas de los cuatro instrumentos. "Until it sleeps" nos permite una pausabien efectuada antes de retomar la furia (y con ella concluir) con el granhimno con que empezaba Ride the lightning: "Fight fire with fire",cuya adaptación floquea un poco por lo que respecta al cello quelleva la voz principal (algo que ya ocurría en su primer álbum).
        En general estamos anteun gran álbum: en contra de lo que ha dicho algún críticonorteamericano estúpido, que no acierta a saber oír una buenacanción heavy sin doble bombo, Apocalyptica es un grupo a teneren cuenta en la dirección que tomará el metal en los próximosaños. Combinando sabiamente los conocimientos de música clásica,composición, armonía y contrapunto y el amor por el heavyes como Apocalyptica ya ha encontrado su propia voz en su tercer disco.Como ellos mismos dicen, tocando esta original fusión, se han dadocuenta de que pueden sacar del cello un registro de colores mucho másamplio que el que se le ha otorgado tradicionalmente en la músicapara la que ha sido utilizado. Es así, a fuerza de cariño,conocimiento y experimentación, como la música evoluciona.Y con Apocalyptica lo ha conseguido.
Enlace: Página oficialdel Apocalyptica.

Valoración:9 de 10.
       Hay ocasiones en las que el anime (la animación japonesa) nos daagradables sorpresas musicales: son los casos de las excelentes bandassonoras de la serie Record of Lodoss War, Vision of Escaflowneo de este Cowboy Bebop. Y es que en estas ocasiones, la atmósferamusical está tan conseguida que consigue superar la animaciónen sí (en el caso de Lodoss War, la obra musical es muy superioral trillado guión medieval-fantástico).
       Estamos ante una banda sonora para una western espacial que bebe de lasmejores tradiciones del jazz y del blues, desde el espectacular iniciocon "Tank!", el opening de la serie, que nos introduce directamente enlo que será el ambiente del disco. Sin apenas descanso, sigue "Rush",una de las mejores, junto a "Piano black", que recuerdan a algunas películasde persecuciones en coches antiguos por la Toscana italiana. Una tristey desértica melodía se adivina en la armónica y laguitarra de "Spookey Dokey", para a continuación continuar la trepidanteaventura en "Bad dog no biscuits". Cierto toque new age se puede apreciaren "Space Lion", tal vez la canción más débil delálbum. Completan el disco canciones muy aclamadas como "Rain" ola relajante "Memory".
       En general nos encontramos ante un peso pesado de las bandas sonoras, unclásico moderno que se aleja de todo lo que se ha venido haciendoen las bandas sonoras de anime en general. La destreza de Yoko Kano (responsable,a la sazón, de la música de Escaflowne), sus ampliosconocimientos y gustos musicales han conseguido un disco eclécticoy sincrético, que gustará a los amantes del jazz y de lasbandas sonoras, al mismo tiempo que podrá introducir en el mundode este tipo de música a los neófitos. No se os puede escapar.

1. La tormenta
2. Tierras de leyenda
3. Sodoma y Gomorra
4. La canción del pirata (I)
5. La canción del pirata (II)
6. El secreto del faraón
7. La momia
8. La Torre de Babel
9. Una juventud perdida
10. La caja de Pandora
11. El Caballo de Troya.

Valoración: 6,5 de 10.
        Con la edición desu siguiente obra, aprovechamos en Cisne Negro para recordar la anteriorentrega de esta banda española. Con el título de Tierrasde Leyenda, Tierra Santa hace un repaso a toda una serie de mitos denuestra historia y literatura a ritmo de puro heavy metal. "La tormenta"es, como ya parece marcar el precepto del metal conceptual contemporáneo,una intro ambiental que desemboca en la poderosa "Tierras de leyenda".Por si no nos había quedado claro, la misma tralla continua de formamagistral en "Sodoma y Gomorra", que narra como "un Dios justiciero noha de perdonar/tanto pecado y traición". El punto fuerte del discollega con la adaptación del magnífico poema de Esproncedaen los cortes 4 y 5, "La canción del pirata": un verdadero himnoa la libertad y un homenaje al espíritu romántico, nuff said!
        "El  secreto del faraón"es una introducción orientalizante que preludia "La momia", quizáel corte más débil del álbum. Completan el disco buenascanciones como "La Torre de Babel" y "El caballo de Troya".
        Tierra Santa es el exponenteclaro del maestrazgo que durante muchos años han ejercido bandascomo Iron Maiden o Dio, de las cuales vais a encontrar ecos diáfanosen este álbum (compárese si no, los pasajes sospechosamenteparecidos de "Una juventud perdida" con "Holy Diver" de Dio). Esta bandaes ya un clásico de la escena metalera española, lo que nodeja de ser excusa para que digamos que tiene un estilo demasiado repetitivo:algunas canciones se parecen demasiado entre ellas, incluso "Tierras deleyenda" tiene la misma estructura que la canción "Pegaso" que seincluye en su single. En todo caso, buen material para sacudir los altavocesde vez en cuando.
Enlace: Página oficialde la discográfica Locomotive.

Beatles Concerto Grosso nº1 (in the style of Handel)
1. She loves you -A tempo giusto
2. Lady Madonna -Allegro
3. Fool on the hill -Adagio
4. Honey pie -Allegro
5. Penny Lane -Allegro
Beatles Concerto Grosso nº2 (in the style of Vivaldi)
6. A Hard Day´s Night
7. Girl
8. And I Love Her
9. Paperback Writer
10. Help
Beatles Concerto Grosso nº3 (in the style of J.S. Bach)
11. The long and winding road -Overture
12. Eight days a Week -Rondeau
13. She´s leaving home -Sarabande
14. We can work it out -Bourrée
15. Hey Jude -Polonaise
16. Yellow Submarine
Beatles Concerto Grosso nº4
17. Here comes the sun
18. Michelle
19. Goodnight
20. Carry that Weight

Valoración: 8 de 10.
        Este cd no puede dejar desorprender tanto al amante de la música clásica como al aficionadoal cuarteto de Liverpool. Ya sabíamos que los Beatles son y seránel grupo por excelencia del s. XX, y la versión de Breiner confirmaque la calidad de sus canciones hace fácil el trasvase a la músicade los grandes compositores. Y otra cosa que confirma es aquel sobrenombrehonorífico que se le dio a Paul McCartney en los 60: el "Mozartdel s. XX", puesto que la mayoría de las canciones del repertorioelegido son obra de éste (pese a que, como sabemos, las firmabajunto a Lennon). Prueba de ese sobrenombre es la facilidad, casi la naturalidadcon la que sus canciones son vertidas al estilo barroco.
        Muy interesantes son lasversiones de "Honey Pie" al estilo de Haendel, o las del estilo Vivaldi,donde se funden elementos de "Las cuatro estaciones" con "A Hard´sDay Night" o "And I love her", sin saber dónde empieza el genioveneciano y dónde el de Liverpool. En el estilo de Bach, destaca"She´s leaving home" o "Hey Jude", con un estilo que recuerda a losconciertos de Brandenburgo del alemán.
        En resumen, Beatles gobaroque es una pieza clave para todos aquellos interesados en la fusiónmusical. No es un disco al estilo de "La orquesta de Manhattan interpretalos éxitos de los Beatles" ni nada parecido: Peter Breiner es unexperimentado compositor que se ha dedicado a la composición clásica,el jazz y las bandas sonoras. Y, al que le interese mínimamente,hay que decir que Naxos tiene el cd a un precio realmente bajo, con loque ya ninguna excusa vale para poder gozar de él en casa.

Valoración: 6 de 10
        No cabe duda de que la experienciaorquestral de Rage con la Lingua Mortis Orchestra (la Filarmónicade Praga) fue el mayor éxito contemporáneo en cuanto a launión  de heavy metal y música clásica. Las versionespara orquesta de "Alive but dead" o el medley "Dont fear the wind"/"Blackin mind", etc. fueron extraordinarias fusiones que acercaban dos puntosde vista en apariencia irreconciliables, a gran distancia del patéticoexperimento de Metallica con la orquesta filarmónica de San Francisco.Y uno de los mayores responsables de la experiencia Lingua Mortis en Ragefue Victor Smolski, músico profesional, hijo de compositor clásicoy además todo un virtuoso guitarrista. Con The Heretic, suprimer disco en solitario, Smolski pretende aportar su visión deun álbum conceptual con un disco basado casi íntegramenteen música orquestal contemporánea.
        Pero el problema de Smolskies que él solo no es Rage. Los fragmentos hablados (en inglés,pero también en alemán y en un inquietante ruso) rompen laestructura mausical del álbum en vez de complemetarla, en algunasocasiones demasiado ocupada en la experimentación de la distorsión(en "The hex of six strings") y los fragmentos de calidad de la orquestason más bien pocos ("Baptism of fire", "The necromancer"). El discose completa con una canción cantada por su compañero de Rage("The heretic"). A todo esto añadámosle que no es un discoprecisamente largo (unos 41 minutos).
        The Heretic es unálbum cargado de buenas intenciones que sin embargo no llega a cuajarpor la falta de rumbo claro de Smolski: largos solos desquiciantes de guitara,poco uso constante de la orquesta... El álbum no es exactamenteno es una banda sonora de terror (pero se le acerca bastante) ni un discoconceptual de cualquier banda... Es una mixtura rara que no acaba de funcionar,pero no porque sea posible esa mezcla o a mí no me guste este tipode fusiones, sino porque hay algo en él que a todas luces fallas.Al que escuche el álbum le cabe la decisión, en últimainstancia.

Valoración: 7´5 de 10
        Pocos álbumes quehayamos estado escuchando recientemente suenan tan melancólicosy tristes como este Am universum de Amorphis, pese a que, en sí,es bastante contundente por lo que a trabajos de guitarra se refiere. Amorphis,que se ido relajando su estilo desde el álbum Tuonela, haconseguido en este disco un gótico que deriva hacia pasajes máso menos comerciales; con todo, siguen trasladando ese desasosiego vitalen sus canciones propio del movimiento. Canciones como "Alone" tienen partesinteresantes, como el riff descendente de guitarra que acompañaa la voz, los inicios de "Goddess (of the sandman)" o "Shatters within"están muy bien conseguidos y hace entrar en ambiente enseguida."The Night is Over" tiene unos ritmos muy bien llevados, "Crimson wave"está estructurada a base del contraste entre el riff pesado queda inicio a la canción con la parte vocal más compensada...Y canciones como "Drifting memories" o "Veil of sin" son auténticasjoyas que destacan por aportar su nota original a todo este mundillo dela música gótica introduciendo un saxo en algunos pasajes(e incluso un solo) en "Veil of sin".
        Pasajes musicales muy bientrazados, voz agradable, producción impecable... Amorphis ha creadouna buena obra, a la cual sólo se le puede achacar (y ésees un problema que bandas como Lacuna Coil también tienen) es quea veces las canciones se hacen algo repetitivas por la insistencia delestribillo. Con todo, es un disco muy interesante para ver cómopodría llegar a compaginarse gótico y comercial (que se lodigan a los de Him). Abstenerse depresivos.
Enlace: Página oficial deAmorphis.

1. Ginnungagap
2. Midgard
3. Asgard
4. Jotunheim
5. Schwarzalbenheim
6. Lusalfheim
7. Muspelheim
8. Nifelheim
9. Vanaheim
10. Helheim
11. Secret of the runes
Bonus tracks:
12. Crying days
13. Summernight City

Valoración: 9 de 10.
        Siguiendo la estela de Deggial,en esta ocasión Therion se ha inspirado en las sagas nórdicasque cuentan el origen del mundo y el viaje iniciático de Odín,el padre de todos los dioses. Este es un disco pensado para ser másmetálico, por lo fría y dura que resulta su temática;pero, con todo, podemos encontrar algunos fragmentos wagnerianos (algunasecuencia de "Ginnungagap", etc.), coros majestuosos (como los de "Midgard")y pasajes clásicos al más puro estilo Therion.
        Llama la atenciónque, pese a ser un disco más metálico que Vovin oDeggial(canciones como "Asgard" o "Vanaheim" así lo demuestran), este Secretof the runes es también más operístico: en él,cuentan más que nunca la voz de la soprano ("Midgard") y de loscoros ("Muspelheim"), y las referencias clásicas se adivinan bien,tanto al citado Wagner como a Carl Orff. Hay pasajes de una belleza brutal,como es el corte "Nifelheim", quizás mi preferido, obra maestraa caballo entre el metal y la opera donde cuatro voces (bajo y alto, tenory soprano) juegan a confundirse y a llevar tres melodías diferentesentrelazadas. Simplemente sublime.
        Completan el cd dos bonustracks que originalmente aparecieron en discos homenajes, uno es una versióndel "Crying Days" de Scorpions (incluido en su disco Virgin Killer)y otro es una fantástica versión del menos conocido tema"Summernight City" de Abba.
        Aunque quizás seeche de menos un poco en este álbum la majestuosidad de los pasajesorquestrales de Vovin o Deggial, está claro que Therionsigue explorando unas sendas musicales por las que pocos se han aventurado.Esperemos que sigan así.
Enlace: Página oficialde Therion.

Valoración: 7 de 10.
        The fall of Melnibonées un minicd que recopila los bonus tracks para las ediciones asiáticasde In the hall of the olden dreams y canciones para los tributosa Ñu y Helloween de la joven banda Dark Moor.
        Dark Moor es una banda demetal en la onda de Rhapsody cuya principal novedad -además delhecho de ser españoles- es que su voz principal es la de una chica,Elisa, que, en cierto modo, recuerda a la voz de la cantante de No doubt.
        Al no ser un álbumcompleto no podemos hacernos una idea global de la banda, pero sívislumbrar el camino que intenta seguir. De los cinco cortes destaca eltema inicial que da nombre al disco: enmarcado en los mundos del escritorMichael Moorcock, es un gigantesco tema de más de diez minutos llenode impresionantes pasajes épicos y buenas melodías de voz.También la balada "Wood´s song" nos permite descansar de tantodoble bombo y adivinar referencias clásicas, así como lacanción en homenaje a Ñu es la excusa perfecta para poderescuchar la voz de la cantante en castellano.
        Dark Moor es el camino quedebería haber seguido en su tercer álbum el grupo italianoRhapsody: despojados del lastre más rudo del metal, con una grancapacidad para transportar melodías clásicas a su músicaépica, Dark Moor es un grupo que empieza a despuntar y debe sertenido en cuenta. Si no nos equivocamos, con un poco más de experienciaconseguirán un disco redondo.
Enlace: Discográfica Arise.

1. Rollercoaster
2. Shot to Pieces
3. Amity
4. Bad Movie Scene
5. Colorado Incident
6. Beautiful War
7. Analog Park
8. Herbal Movement
9. Saturnine
10. Morphia´s Waltz
11. Pathfinder

Valoración: 9 de 10.
        The Gathering ha demostradocon este disco que era capaz de superar el How to measure a planet conun trabajo que, si bien sigue en la línea de éste último,deja de lado hasta cierto punto la experimentación, para concentrarseen una base más rockera, que nunca se desprende de la característicamelancolía que destilan las canciones del grupo.
        Desde "Rollercoaster", pasandopor la cañera "Shot to pieces" (impagable oir a Anneke cantar lode what pleasure I feel), o los susurros en "Amity" -la cancióna la que está dedicado el single-, todo el disco rezuma ese tonotriste de la banda, también con un sentido lúdico ("Bad moviescene"), pero sobre todo, de recuerdo del pasado.
        "Analog Park" es sin dudauna de las mejores canciones del compacto: en ella se funden el sentimientode desasosiego y tranquilidad en la maravillosa voz de la cantante, quesabe como nadie doblarse la voz para hacerse los coros.
        El grupo aún tieneánimo de crear instrumentales como "Beautiful War" o "Pathfinder",que conecta con el legado de su último disco de estudio.
        Ni tan depresivo como elNighttimebirds ni tan delirante y experimental como el How to measure...,este If_then_else es el disco definitivo de The Gathering, un grupoal que la etiqueta de gótico de sus inicios se le quedó pequeñahace tiempo. Imprescindible de principio a fin.
Enlace: Discográfica deThe Gathering.

Disco 1:
1. Intro (theme from Twin Peaks)
2. Metropolis pt. 1
3. Overture 1928
4. Strange Deja Vu
5. Fatal Tragedy
6. The Mirror
7. Just Let Me Breathe
8. Acid Rain
9. Caught in a Web
10. Another Day
11. Guitar solo (including Master of the Puppets)
12. Home

Disco 2:
1. Keyboard solo
2. Erotomania
3. Voices
4. The Spirit Carries On
5. Learning to live
6. A Change of seasons (7p. complete)

Valoración: 5 de 10.
        Toda una tomadura de pelo.Si bien no por el contenido: en este concierto, grabado en Maasport (Holanda)en octubre de 2000, la calidad del grupo es indiscutible. Lo que no loes  tanto es la calidad de grabación. El grupo suena distante,alejado, interferido por los ruidos ambientales... Y es que esta NO esuna grabación OFICIAL, pese a lo que indica un fantasmal "producedby Dream Theater", puesto que no hay ni libreto, n créditos, niadvertencias de copyright en ninguna parte del digipack. Eso sí,la presentación -y el precio- de este doble cd es todo un lujo destinadoa los inocentes seguidores del grupo.
        El disco 1 es el mejor delos dos: en él, el grupo enlaza "Metropolis pt. 1" con las cancionesde Scenes from a Memory, su obra maestra más reciente. Enlos dos discos están las canciones de siempre: "Let me breathe","Erotomania", "Learning to live" y "A change of seasons" (aunque quizáfalte "Peruvian skies"). En total, más de 2 horas y media de duraciónde un directo que, si hubiera sido bien grabado, podría habersecalificado como pieza clave de la banda. Pero desafortunadamente se quedaen una grabación más bien "cutre" por culpa de los productorespiratillas. La próxima vez, a afinar más.

Valoración: 7´5 de 10.
        El tercer trabajo de estegrupo asturiano se presenta de nuevo en forma de álbum conceptualque desarrolla una historia basada en el destierro del cielo de los ángelesrebeldes, encabezados por Lucifer.
        El álbum se abrecon una breve introducción y da paso al plato fuerte del disco:la potente "Tierra de nadie", que temáticamente conecta con su anteriortrabajo, Llanto de un héroe. La rápida y ambiental"El ángel caído", que inicia el concepto de álbum,da paso a otra adaptación del folclore del norte de Españaen "Xana", una leyenda popular asturiana remozada al estilo Avalanch, comoya hiciera con "Cambaral" en el disco anterior.
        Avalanch ha conseguido ungran álbum con este Angel caído, aunque se le puedeachacar la falta de ideas originales, tanto melódica como temáticamente.Muchas canciones contienen ecos de su anterior obra; con todo, abundanlos pasajes pegadizos (coros grandiosos como los de "Tierra de nadie",estribillos como  el de "Xana", e incluso la comercial "Corazónnegro", que sería todo un éxito en los 40 pardales...).
        Buenos trabajos de las guitarrasy el ritmo destacan en "Alma en pena" o "Las ruinas del Edén". VictorGarcía vuelve a bordar el disco con su característica voz.Además, también se ha de destacar la colaboraciónde Leo, el cantante de Saratoga, en "Las ruinas del Edén".
        En general, es un interesantetrabajo de una de las mejores bandas españolas del momento. Pesea no haber superado la grandeza de Llanto de un héroe, esun disco para disfrutar. Atentos a la portada de Luis Royo, exclusiva parael disco.
Enlace: Página oficial de Avalanch.

1. Prelude
2. Reach out for the Light
3. Serpents in Paradise
4. Malleus Maleficarum
5. Breaking Away
6. Farewell
7. The Glory of Rome
8. In Nomine Patris
9. Avantasia
10. A New Dimension
11. Inside
12. Sign of the Cross
13. The Tower

Valoración: 4´5 de 10.
        Tobias Sammet, el líderde Ed Guy, intenta con este disco conceptual reunir a todo un plantel degrandes artistas del mundillo (Kai Hansen, Timo Tolkki, Alex Holzwarth,Frank Tischer...) en un nuevo "proyecto" -como lo llaman ahora a una nuevaforma de sacar dinero de una forma descarada- que pretende, baja la teóricaestructura de una ópera -entendiendo por ello a que diversos cantantesinterpreten diferentes papeles de una historia; ahí acaban los parecidoscon la ópera-, contar una historia épica-medieval al uso.
        No hay por donde coger estedisco: tanto su estructura (típica introducción instrumental,primera canción de mucha caña, etc.) como por su calidad(canciones aburridas y demasiados parecidas, estructuras repetitivas, estribillosnumerosos y machacones), se nota que el "proyecto" de Sammet se limitaa seguir la moda iniciada con Rhapsody y el power-metal que tantos grupospractican hoy. Escuchar este álbum no supone absolutamente ningunanovedad para el oyente: cabalgatas furiosas marca Rhapsody, pasajes ambientalesal estilo Manowar, baladas pseudoceltas que recuerdan a Excalibur...
        Podemos destacar -si hayque hacerlo- la tranquila "Farewell", que, con todo, se hace aburrida;el pasaje instrumental "In nomine Patris", todo un homenaje a Poledouriso Elfman... pero poco más. Gustará a los incondicionalesdel género sin reparos. Los demás están avisados.
Enlace: Página oficialde Tobias Sammet.

Therion: Deggial.
Nuclear Blast, 1999.

Valoración: 9 de 10.
        Compré este cd conreservas, pues no conocía aún a esta banda, que en sus iniciosestuvo dedicada a una faceta más black-death. El resultado: francamentesorprendente. ¿Os podéis imaginar que una banda de metalgrabe un disco de 11 temas que incluya una versión de un fragmentode Carmina Burana, que use una orquesta entera y que, para culminar,sólo utilice un coro de hombres y mujeres como voz principal? Esposible: Therion lo ha hecho.
        No sé quéperspectivas de ventas tiene este grupo, pero lo cierto es que a míme ha cautivado. Basándose en una idea conceptual del álbum,la vuelta a este mundo de Deggial, un Dios con los atributos del Anticristo,Therion nos ofrece un disco lleno de belleza solemne, de pasajes de corosque se unen majestuosamente con las cuerdas, de momentos más metalerosque se unen con solos de oboe... fantástico. Mirad si no, la nóminade músicos: sopranos, altos, tenores, bajos, violines, violas, cellos,flautas, oboes, tambores de orquesta...
        El disco se abre con lairrupción metalera en "Seven secrets..." y los coros masculinos.La flauta toca una melodía de puente, la guitarra sigue, entranlos coros femeninos y después le contesta el coro masculino. En"Eternal return", la melodía suave y melancólica nos recuerdaa parajes brumosos que enorgullecerían al tirano de los Cárpatos."Enter Vril-Ya" tiene un trabajo muy bien hecho por parte de la guitarra,el ritmo de la batería y el coro que sostiene la melodía.En "Flesh of Gods", quizá la canción más metaleradel disco, se cuenta con la partipación especial de Hansi (voz deBlindGuardian) como primera voz. Finalmente, la versión de CarminaBurana es sencilla pero muy personal.
        Podría comentar unpoco más cada canción, pero creo que no hace falta. Therionha conseguido un disco lleno de belleza y de maldad, de oscuridad perotambién con un aire solemne y melancólico. Así comoCarl Orff nos legó sus Carmina Burana como reelaboraciónde la tradición medieval, me atrevo a decir que este Deggiales el Carmina Burana del siglo XXI. Un disco que gustará tanto ametaleros como a los amantes de la música clásica sin complejos.Recomendadísimo.

Lacuna Coil: Unleashedmemories.
Century Media, 2001.

Valoración: 8,5 de 10.
        Con este segundo álbum,Lacuna Coil se confirma como una de las mejores bandas de rock góticodel momento. Esta banda de origen milanés ya había demostradosu valía en el anterior disco In a reverie y la anticipaciónde este disco, Halflife. En esta nueva entrega se han dejado unpoco aparte los juegos vocales entre Cristina Scabbia, la voz femenina,y Andrea Ferro, la voz masculina. Con todo, se ha ganado riqueza en lasmelodías de voz de Cristina, con unos fantásticos doblesde voz siempre en el momento exacto. Las canciones son, como en anterioresentregas, bastante pegadizas, incluso la séptima ("Cold heritage")sería perfecta para hacer un videoclip y lanzarla de forma comercial.
        En este disco, Lacuna Coilsigue en la línea que ya abrió con anterioridad y exploraunas letras llenas de tristeza y melancolía ("so hard livingin torture/I know that you will never see the light again"), y combinacanciones de ritmo más pesado y agresivo ("1.19", con el magníficocontrapunto de la voz masculina, que se echa de menos en el disco) concanciones más lentas y lánguidas ("Purify").
        En general, un disco muybueno, que no defraudará a sus seguidores. Si en su anterior entregase les increpó por seguir un camino demasiado parecido al que enese momento llevaban The Gathering (Nightime birds), en estos momentospodemos decir que con The Gathering haciendo cosas como If_then_elsey este Unleashed memories las dos bandas están suficientementediferenciadas una de la otra, y que Lacuna Coil ha conseguido crear unestilo nuevo y una música original que poco a poco sólo aellos va a pertenecer.
    Además de este disco, es imprescindible elsingle Halflife con la canción que da nombre al disco, unsingle que, además, no tiene desperdicio, porque de las 5 cancionesque lleva, sólo 1 se incluye en el álbum, y ésta,en otra versión.
Enlace: Lacuna Coil Official Web Site(Enter the Coil).